Esce domani, 11 Marzo, il nuovo disco degli Ex-Otago, “In capo al mondo”. Tante cose sono cambiate e abbiamo fatto quattro chiacchiere con la band per farcele raccontare.
Foto Simone Roviario

1) Partiamo dalla copertina del disco, un po’ come si farebbe con la copertina di un libro. Natura verde versus modernità e consumismo? O avete solo caricato il baule per una scampagnata fuori Genova?
Se ascolti il brano “L’età della spesa” guardando la copertina forse troverai più o meno la nostra chiave di lettura: Ci è capitato di sentirci indigeni e cittadini in bilico tra un parcheggio e una foresta “[…] ma chissà dov’è la mia casa la mia gente […]”. Siamo alla ricerca, insieme a tanti altri; proviamo a tradurre, in musica, alcune visioni, mondi che viviamo.

2) La cifra stilistica del disco: la vacanza, il viaggio in capo al mondo, tra zattere, barconi, vento e foglie in balìa del vento. Cosa c’è lassù? “Dicono che è un posto bellissimo, colori e lingue sono tutte diversi”.
Direi non tanto la vacanza quanto più il viaggio: di certo ci sentiamo molto più viaggiatori che non turisti, forse anche un po’ esploratori, ma sicuramente non coloni. Il libro che accompagna il disco si chiama “Burrasca”. Tante Burrasche ci hanno travolto in questi anni e ci hanno portato in luoghi sconosciuti: tanti eventi ed incontri ci hanno guidato, ma anche costretto a prendere strade sconosciute. Quando suoniamo i brani di questo disco ci sentiamo un po’ in capo al mondo e, tutto sommato, ci stiamo parecchio bene.

3) Quante cose sono cambiate da “Mezze Stagioni”? Quanto ha inciso, se ha inciso, l’uscita del Pernazza?
Ognuno troverà le proprie differenze: c’è chi noterà la mancanza del rap, chi, invece, coglierà il sax, il flauto o il charango più di altre cose; c’è chi noterà un cambiamento delle tematiche dei testi, o dei ritmi che prima non avevamo mai usato: c’è chi sarà colpito soprattutto dalla presenza di una chitarra classica e dal pizzicato in 3/4. Siamo un baule aperto: ognuno può frugare e se è fortunato, trovare qualcosa di molto prezioso. C’è chi si allontanerà, ma anche chi si avvicinerà per la prima volta al nostro progetto.

4) 4 dischi, 3 libri, 2 viaggi e 1 persona che hanno influenzato la stesura dell’album?
Fleet Foxes “Sun Giant” ; Litfiba Desaparecidos, The National “Terrible love”; Goran Bregovic “Champagne For Gypsies”. Serge Latouche “Per un abbondanza frugale”; Lorenzo Guadagnucci “Restiamo Animali”; Ivan Illich “La convivialità”; Il viaggio dell’ultimo concerto con Albe e il ritiro alla Nina; una piccola baita di montagna dove lo scorso inverno ci siamo ritirati per ragionare sulle canzoni. Una persona sola è impossibile da trovare.

5) “Dove si trova la felicità?”, o almeno, voi dove la cercate?
Magari sapessimo dove si trova! Sicuramente l’ abbiamo trovata nel riuscire a realizzare questo disco e libro con il supporto diretto di un sacco di amici attraverso Musicraiser. E poi chissà, “[…] in una soffitta, sotto una scarpa […]”, sicuramente in tante piccole cose, nell’avere un progetto, nell’avere qualche certezza e tante incertezze e nel sentirsi sempre alla ricerca, consapevoli che non troveremo mai tutto ciò che cerchiamo.

6) Chi è Mentino?
Mentino era un contadino della Val Borbera; valle selvatica e severa nell’Appennino Ligure-Piemontese. Aveva la passione del violino, girava sempre con due vacche bianche e un cane nero. Era un buono, troppo, deriso per la sua generosità e naturalezza. Era un uomo semplice e pacato a cui non è stato concesso un posto in questo mondo. Sappiamo bene quanto la furbizia e la forza siano caratteristiche ben più apprezzate nella nostra comunità rispetto alla bontà d’animo e alla generosità. Mentino si è ammazzato nella Cascina in cui Mauri sta costruendo il Progetto Cascina Barbàn.

7) Chi di voi è più “Gian Antonio”? Volete dare un taglio a qualcosa? Volete compiere un salto?
Tutti noi siamo un po’ Gian Antonio; tutti in un certo senso abbiamo voglia di buttarci: c’è chi, tra noi, è già in volo, c’è chi lo sta per prendere o chi è ancora dubbioso sulla traiettoria: in tutti casi nessuno, di certo, è già atterrato.

8) Questo Paese ha perso la tramontana? Ha bisogno di un po’ di tramontana?
Questo Paese avrebbe bisogno di una dose massiccia di tramontana; non vogliamo essere gli ennesimi a cambiare aria, vorremmo che cambiasse in casa nostra.

9) Nella ghost-track l’incontro con lo Spirito guida dell’Universo. Ci dite di più di questo?
La ghost track è una lettura di parte di un discorso di Alce Nero. Abbiamo trovato le sue parole profondamente vicine a noi e formative. Alcuni di noi in particolare, sentono un gran bisogno di ricollegarsi con spirito e corpo, con l’esistente, gli alberi, la terra, le nuvole. Capire da dove siamo venuti e cosa ci facciamo in questo mondo.

10) Il filo conduttore che apre e chiude il disco è un albero… come mai?
Non ci sentiamo di appartenere ad un solo mondo: siamo plurali e con tanti elementi, bellezze e colori, sensazioni e visioni che che fanno parte delle nostre vite, abbiamo costruito il nostro mondo sempre in movimento, diverso. Fili conduttori sono anche il mare, il viaggio, le foglie, l’incertezza, la scoperta, la città: è un po’ come se la nostra musica fosse come un contenitore che cerca di dare forma leggibile a tutto questo. Ci troviamo a metà tra il selvatico e il coltivato.

TOUR
21 marzo: Bologna @ Covo
27 marzo: Milano @ Ohibò
28 marzo: Treviso @ Home
29 marzo: Padova @ Studio 2
05 aprile: Saluzzo (CN) @ Ratatoj
11 aprile: Torino @ Officine Corsare
12 aprile: Modena @ Vibra
17 aprile: Sant’Elpidio (FM) @ Preview May Day Festival
18 aprile: Trani @ La Lampara Club
24 aprile: Foligno (PG) @ Supersonic
25 aprile: S.Egidio alla Vibrata (TE) @ Deja Vu
26 aprile: Roma @ Asaparty – Circolo degli Artisti
30 aprile: Genova @ Teatro dell’Archivolto

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Foto di Flavia Tullio

Qua da noi le cose fanno schifo, dice Margot. Ha gli occhi di china nera che non vedi dove finiscono le pupille e dove inizia il bianco. Vado per andare e non per far ritorno, dice con un filo di voce. Blackie Drago sono Maria Rosaria, Chiara e Greta. Ma anche Margot, Twiggy e Coco (M, T e C), se preferisci il versante artistico. Ma nel momento preciso in cui stai leggendo, questa band non esiste più, o meglio è in una pausa meditativa. Margot ha rifiutato il Bel Paese, lei che è canta e ha dunque i faretti addosso. Aereo per Berlino, lavoro e progetti nuovi, vita nuova. Chiara e Greta resteranno a Bologna e cambieranno nome alla band, instradando un progetto musicale differente.
M: “Vado a vivere a Berlino. Mi è scesa Bologna, l’Italia. Me ne vado perché voglio provare a spaccare di più nella grafica, in particolare la grafica editoriale. Ho degli amici che sono interessati a fare questa cosa”.
T: “Va a fare la barbona a Berlino”.
M: “Voglio trovarmi un buon lavoro. Il gruppo non è un lavoro”.

Blackie Drago hanno il complesso dell’Uomo Ragno, il chiodo del fumetto, una passione profonda per il cosmo Marvel. Twiggy, quando non serve da bere al bancone del Covo Club, va alla scrivania e disegna come Dio solo sa fare. Utilizza la china nera per abbozzare animali al limite dell’iperrealismo.
M: “Io e Twiggy siamo molto appassionate dell’Uomo Ragno, il fumetto. Io ne colleziono pochi perché costano davvero troppo”
T: “Lei fotocopia tanto”
M: “Esatto, li scarico e li impagino io con Windeisgn e li porto a fotocopiare. Ricreo il fumetto. Ci piaceva come suonava il nome Blackie Drago, perché è figo”
C: “Io amo i manga invece”

Perché non facciamo un gruppo? Nasce così la band, tra i corridoi blu del Covo. Quanto può incidere lavorare in un locale dalla programmazione internazionale e in un istante decidere di diventare rocker?
T: “Abbiamo modo di ascoltare veramente un sacco di band ogni mese. Da lì abbiamo avuto modo di regolarci su quale genere seguire e farci influenzare. A me comunque è toccata la chitarra, loro due sapevano già suonare”

M: “Io all’inizio ho detto “Ok, facciamo la band”. Ma dev’essere una roba con mille cori. Da tutte le parti. Una roba che non si capisce un cazzo. Tipo le Ronettes all’ennesima potenza. E poi…”

T: “Margot fa i testi”
M: “Lei fa la chitarra e poi ci metto sopra la linea vocale e ci scrivo il testo”
T: “Di solito ci troviamo io e Greta a fare le prove. Poi mandiamo tutto a Margot”
M: “Quando arriva la chitarra scrivo tutto. Non prima. Di solito scrivo delle robe che mi succedono”

Del tipo?
M: “Scrivo le cose che mi prendono male, principalmente. Stati d’animo. Sono molto emo in realtà. Sono molto sensibile, è una cosa che mi viene molto naturale”

Margot si attenua nei toni della voce, chiude le spalle, la china nera degli occhi si affievolisce. Ho l’impressione che non abbia voglia di parlare dei testi, come se ci fosse troppo di personale, troppo di sé. C’è un oceano di sensibilità nel suo silenzio. D’accordo e oggi che fate?
M: “Stiamo per registrare un pezzo nuovo. Anzi volevamo registrare questi pezzi che abbiamo per tenerceli”.

Diventerà un disco?
M: “Volevamo registrarli e tenerceli. Di fatto non abbiamo soldi per andare in uno studio. Allora ci siamo messe là, abbiamo chiesto una scheda audio a delle persone. Poi abbiamo visto due tutorial. Stiamo facendo tutto noi. Sono andata sui forum dei nerdacchioni…”
T: “Per imparare ad attaccare i cavi”
M: “Usiamo GarageBand”
T: “Tu devi vedere per fare la batteria…Un microfono piantato in mezzo alla cassa e basta”
M: “Molto lo-fi”

Ai tedeschi piace il molto-lo-fi.
T: “Quando Margot sarà a Berlino probabilmente cambieremo nome. Sarà un’altra roba. Aspettiamo che torni. O veniamo noi da te”

Di sera lo-fi, le minigonne, il noise, i riverberi e quelle chitarre così acide che sono limone. Ma di giorno che fate?
M: “Io faccio la grafica. Mi arrabatto tra grafica, video. Non video musicali. Ho fatto un corso per imparare. Poi faccio anche le foto. Per imparare sono stata con dei fotografi. Stata nel senso di sentimentalmente“
C: “Io ho una piccola azienda. Un’azienda per i cavoli miei”
M: “Greta è una grande imprenditrice”
T: “Non si sa bene di cosa, ma lo è”
M: “Ha creato un e-commerce di autoricambi”
T: “Quando la polizia andrà a casa sua scopriremo tutti di che cosa si occupa”

Lavorando anche al Covo avrete visto un milione di concerti. Com’è stato passare da sotto a sopra il palcoscenico?
M: “La prima volta avevo un po’ di diarrea”
T: “Ho detto ‘Chi cazzo ce l’ha fatta fare tutta ‘sta roba?’”
M: “Io cagotto e mal di testa”
C: “Abbiamo suonato una ventina di volte. Dopo la prima volta è stato tutto più facile”.
M: “Venite a Berlino a lollare. Mi è scesa la catena. Io non sono di Bologna, non sento un attaccamento. Qui sto bene, ma avevo esigenza di fare qualcosa di più. Adesso in Italia, sembra una banalità, ma è davvero troppo difficile portare avanti le cose. Troppe licenze, permessi, cose. Ed è tutto nelle mani di quattro vecchi di merda. Sempre tasse, sempre, sempre. A Berlino ho un sacco d’amici che hanno aperto le loro attività con poco”
C: “Qui se hai un’idea investi dei soldi, però la tua idea non va e così hai perso dei soldi. Se vai all’estero no”

E il pezzo che dovete registrare di cosa parla? Del fatto che fai la stronza e te ne vai per sempre, lasciandole in brghe di tela?
M: “Il pezzo che stiamo registrando non parla della fuga. Parla di mia madre. Si chiama That very moment“
T: “Sua madre. Che si mette le scarpe argentate”
M: “Una volta ho comprato un paio di scarpe argentate su Internet. E le ho fatte recapitare a casa di mia madre. Lei, per farmi vedere come stavano, le ha indossate e si è fotografata. Aveva addosso la tuta con l’elastico. Una roba orrenda”

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Oggi faccio la lucertola e mi cuocio al sole.
Ho in mente che non vorrei essere da nessun’altra parte in questo momento.
La lucertola chiude gli occhi.
E gli torna alla mente un concerto visto un anno fa. Pressappoco.

A pranzo vengono a farmi visita i Did che, dritti dentro le mie orecchie, arrivano e mi portano in dono Bad Boys, il loro secondo lavoro in uscita per Foolica Records, dopo il debuttante Kumar Solarium del 2009. E il lavoro dei ragazzacci di Torino svela tutta la personalità, la compattezza e la connessione di chi ha voluto ricercare e saggiare i beat più disparati, attraverso synth essenziali ma mai asettici, voci effettate e groove decelerati di chi non ha fretta.

Ti voglio coinvolgere in quello che è il mio punto di vista.

C’è la disco del prologo You Read Me ornata di vocoder e chitarre funky, l’afrobeat di Belong To You, c’è il trip-hop di Mastroianni Keep It Real (la più bella del reame), c’è un tuffo nelle acque dell’hip-hop con MVP  e Coin Slot, cadenzate, sognanti, positive. C’è anche l’indie britannico di Voci Pazze.
La lucertola sonnecchia e gli torna alla mente un concerto visto un anno fa. Did sul palco dell’Ypsigrock, basse, sub-basse, dancefloor, groove e batteria violentata nel finale: Bad Boys from Turin.
L’evoluzione dell’outro All We Desire Slightly Happens è scritta a puntino, con tutta la mansuetudine del mid-tempo: di chi non ha fretta e di chi è bravo a raccontare le storie a finale aperto.
Di chi oggi fa come me, ad esempio.
E si cuoce al sole.
Nel mentre in cui, là  fuori, le bande armate di ragazzi cattivi…

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Oggi ero a pranzo con Bonnie “Prince” Billy.
Bologna s’è rinfrescata e ho deciso di portarlo a far due passi con me approfittando delle condizioni climatiche. Ci siamo mangiati un panino e ci siamo bevuti una Coca-Cola. Gli ho detto “Senti che roba”. Gli ho allungato Build a fire (La Tempesta International), l’ultimo disco dei Green Like July. Gli ho detto: “Ti ho fatto un regalino. Senti che roba la cinque. Tonight’s The Night. Fa spavento”. Ci siamo guardati dritti negli occhi.
Dalla radio sono uscite le note di un pezzo ics degli Shins, il barista ci ha portato il conto.
Bonnie ha fatto il risucchio con la cannuccia e ha detto: “Vieni da me ad ascoltarlo”.
Per strada abbiamo incontrato Jeff Mangum che passeggiava con Micah P. Hinson. Bonnie gli fa: “Ci fate compagnia?”.
Oggi ero a casa di Bonnie “Prince” Billy con Jeff Mangum e Micah P. Hinson. Abbiamo messo su l’ultimo lavoro dei Green Like July e tutto quello che ricordo è la vampata di musicalità che ha fatto prigioniero il cuore.
C’era il popular raffinato di Moving To The City a farci compagnia, i bei rullantini di Johnny Thunders. C’era il canto profondo di Andrea, la sconfinata dolcezza delle backing vocals. C’era la struggente armonia di A Well Welcomed Change, gli archi leggeri di An Ordinary Friend.
C’è un incantevole disco che fa breccia.
Nell’ umore così-così di fine estate.

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Mia madre esige ordine.
Non ha tutti i torti.
Ma valle a spiegare che sto bene qui.

Spalanca la porta, fa il suo ingresso in camera, guarda la roba ammucchiata, i libri stipati, la pila di scartoffie, la perfetta baraonda in cui vivo&dormo. Poi pronuncia l’invettiva, mi ordina di sistemare tutto ‘sto bailamme. Altrimenti quando torni a casa ti faccio trovare la valigia davanti alla porta. Valle a spiegare che questo è il mio ordine, la mia armonia.
Marco è il cantante dei Drink To Me e ora ha deciso di far da sé. Ora Marco è bna Cosmo e ha intrapreso un itinerario sonoro e letterario fatto di ampi spazi, di cicli, di Storia umana, di spazio fisico intergalattico, di piattaforme continentali, di razionalità: per seguir virtute e canoscenza. Più facile ad ascoltarsi che a dirsi. Cosmo è la naturale evoluzione artistica delle cose e Disordine è il contenitore di 10 tracce prodotto dalla 42 Records che il 4 18 giugno sarà cosa pubblica─come supporto fisico. Il lavoro di Cosmo si agita nel vento di atmosfere dreampop e cantautorali, dove i pattern di drum machine e gli strati di sintetizzatore permettono alle parole di essere la figura di spicco di questo nuovo progetto (parlo per me). Marco si avvale di liriche eleganti (E resterà il silenzio, ma questo è il pensiero che mi fa impazzire. Non so morire e non voglio, io non voglio), mai dozzinali, interessanti per fisionomia e contenuti profondi. «e poi vabbè i noise e le distorsioni dei synth sono uno Sputnik che decolla in orbita».

Ora è tutto chiaro, mamma.
Lascia che ti dica una cosa.
Disordine che si nasconde qui sotto, che devi lasciare intatto, che imparerai ad amare.

─Qui ascolti il disco 
e leggi il track by track

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Una volta si era di scena al Circolo Giovane Italia di Parma. Serata con tanti gruppi in scaletta. Sala concerti piccina e folta, una selva di cavi, microfoni, camicie e bulbetti in voga. Vis-à-vis coi musicisti. Attacchi la chitarra, suoni e scendi. Lesto e senza dolore.
Poi salgono Wolther Goes Stranger e il souvenir che mi porto a casa è l’entusiasmo.
Un po’ di felicità diffusa (a tinte multicolori).
Dovrei piantarla di dire cose del genere, ma è più forte di me.
Un’occhiata al quadrante e mi accorgo che è quasi il 3 giugno, giorno d’uscita di Love Can’t Talk (La Barberia/Audioglobe), il primo album dei Wolther Goes Stranger, ovvero il grande disegno solista di Luca Mazzieri, chitarrista di A Classic Education, servitosi di Massimo Colucci e Linda Brusiani ad ultimare la band. Lì la mescolanza linguistica nelle liriche (English plus italiano), là le cadenze house che si spingono fino alla sincope garage, poi le immense basse dell’LFO che scaldano il cuore, per non parlare delle onde triangolari, gli arpeggiatori e di tutta l’atmosfera positive che rende questa città e questo mondo un palla colorata. Tum cha. Ecco, lo riassumerei così.
Se non fosse che nel retrobottega delle 9 tracce dell’esordio ufficiale dei Wolther vi sono nobili, nobilissime partecipazioni: Alessandro Raina (Amour Fou), Federico Fiumani (Diaframma), il compare d’una vita Jonathan Clancy. Poi il plauso va a Davide Cristiani e Andrea Suriani che imprigionano i suoni, li impastano e li gonfiano finché non scoppiano di vigore.
Una volta si era di scena al Circolo Giovane Italia di Parma.
E ho appreso il significato di simpatia.
Che in greco è attrazione istintiva.
Dopotutto l’amore non può parlare.

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A Luca piace così tanto il cinema che se lo lasci parlare ti inonda di racconti fino alla vigilia di Natale (e non è detto che smetta durante le feste). Luca non è un carattere approssimativo, va in fondo alle cose perché è l’unico modo per combattere la faciloneria.
Simone veste o a righe o a quadretti a seconda dell’umore, tiene segreta l’indole casinista fino al weekend. Poi scioglie le briglie e buonanotte fiorellino.
I due Daniele collimano nel nome. Paiono composti, ma sul palco sono un unico organismo che fa dum dum e crsh crsh e poi finisce che muovi il culo per mezzora, ritrai il carrello e prendi il volo. Fin sopra le nuvolette di questa città.
Ladies, un minuto d’attenzione.

A supposedly fun thing we’ll probably do again è il primo album degli Absolut Red che ha fatto cùcù il 15 aprile scorso, un’autoproduzione homemade distribuita da Unhip Records/Morr Music, scritta e confezionata nella loro Sasso Marconi dopo tre anni e mezzo di tirocinio nel comprensorio bolognese. Fino all’autorevole balzo sul proscenio del Covo Club /tadàààà/, in compagnia di Tying Tiffany e Blue Willa. Con loro riprendo la buona vecchia abitudine di ascoltare e leggere simultaneamente e le sonorità zuccherine del lavoro sposano una produzione (e una cultura) letteraria di spessore che elevano gli otto brani del disco ad un piano superiore.
Scopri il riverbero surf, la raschiata garage, la musicalità popular, la cadenza beat (quanti paroloni a cazzo, mi perdonino).
Una commistione di armonia, gusto, vivacità.
Che riflette senza illusioni ottiche.
Quello che sono loro.

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Esce oggi Bloodroot. Giacometti lo racconta come solo lui sa fare. E poi è tutto in streaming, solo per voi che leggete DLSO.

Franchezza.
In primis sarò leale con me stesso.
In secundis sarò leale con OfeliaDorme.
In terzis dirò che il loro nuovo lavoro, Bloodroot (The Prisoner Records – Audioglobe) è una bella produzione, suona bene, loro sono bravi, lei canta da dio, le chitarre… wow che chitarre e le tastiere… too warm.
Tuttavia:
qui si va dall’altra parte del pop, in una direzione più ambiziosa, complessa ed emozionale. Che tradotto in italiano significa che le tracce di tutto l’album si separano dall’ortodossia della canzone e richiedono un totale abbandono, richiedono tempo prima di graffiare e lasciare un segno evidente. Che ritradotto in italiano significa che non ci sono appigli, regole fisse, hook che catturino le orecchie dell’ascoltatore: è uno show di suoni e armonie. Qui l’attitudine è sognante (il lieve riverbero e il charleston nevrotico di Predictble su tutti), celestiale (Magic Ring) e di tanto in tanto malinconica (le basse frequenze del synth di Brussels sono esemplificative). Ne deriva uno spettacolo musicale omogeneo, alle volte fin troppo, che ha un filo conduttore melodico e vagamente romantico.
Ho finito coi paroloni.
Vuoti, inutili, spietati.
Su tutte Otherwise, non ci piove.
D’altro canto è arrivata la primavera.

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Cari Giacomo, Andrea e Nicola,

Con la qui presente intendo pronunziare il mio encomio per la grazia dell’albo Hard Times For Dreamers che avete registrato e rilasciato nelle vesti eccelse del complesso musicale Brothers in Law. Quale trasporto emotivo, quale passione, quale profondità, quale sana vanità.
Ho riscontrato derivazioni del secolo passato, in particolare attribuibili alla storica decade 1979-1989, con eleganti sonorità popolari e psichedeliche talvolta gioconde, talvolta tenebrose. L’adopero eccedente del riverbero sulle vostre chitarre ha acconsentito lo svolazzare della mia tempra in luoghi vasti, in luoghi discosti, lontano da qui, lontano da lì. Quale vastità, quale piacere. L’adopero del riverbero su apparecchi a tastiera ha reso l’atmosfera dell’albo ancor più imponente. Il canto melodico, gotico ed intimo avvalora la suddetta tesi che viene ulteriormente convalidata dal missaggio dell’albo. Le percussioni uniformi e cadenzate appoggiate in secondo piano, la pasta degli strumenti a corda in prima fila, le risonanze e gli echi a legare le 8 tracce dell’album.
Ho riscontrato tuttavia una fin troppo modica ispirazione, una fin troppo modica creatività, quasi a lasciar spazio al colpo d’occhio impressionista, all’emozione dell’immediato. Ho riscontrato la vostra volontà di appropriarvi di codici del passato e di farli moderni, di ammantarvi in stile rétro per appagare un’inclinazione del costume attuale. Va letto con sacrale spirito privato questo mio pensiero.
Vi abbraccia con ammirazione il vostro Giacometti.

7/10

Leggi » Brothers In Love

DON’T FORGET

Brothers in Law hanno lanciato la pagina di Musicraiser per supportare la loro prossima trasferta negli USA per il SXSW Festival. Da questo link (http://2m3.it/10q ) si può effettuare il pre-order dell’album, ma anche accaparrare alcuni oggetti da collezione, tipo il press test del vinile a 33 giri (pezzo unico!) o l’originale coperta di lana usata per la fotografia in copertina.

L'articolo Recensione: Brothers In Law – Hard Times for Dreamers proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

L’autunno non si sta ancora esprimendo al meglio, ma i malanni -cristo- quelli sì. I need a dollar, ma anche un po’ di intraprendenza mattiniera non la sdegnerei. D’accordo, caffè.
Oggi nelle cuffie mi vengono a trovare i Pharm finalmente, dritti dentro la mia testa, e mi portano in dono il loro omonimo album in uscita per Face Like A Frog Records, un’incetta di vigoria sonora dalla grande forza espressiva. Sai (no?) quando trovi una colonna sonora per il libro che stai leggendo? Difatti il nuovo lavoro del collettivo romano richiama in vita suggestioni, foto istantanee, pensieri, pensierini e almeno un milione di miliardi di libri (ed altrettanti film).

L’overture Mrs Runciter apre il sipario su un lavoro logico ed eclettico, un itinerario sonoro variegato, il jazz, il punk, la fusione delle due cose, il delirio delle mie parole: tre note di chitarra riverberata e oscillante vengono ripetute all’infinito mentre una fitta caligine di noise, percussioni, reverse, voci, vocine e tumulti aleggiano e dipingono la tela. Credo sia questo l’argomento ricorrente del disco, uno strumento centrale e la rivoluzione tutt’attorno. Sorbetto lo conferma, col basso protagonista del brano che si fa largo mentre oscillatori e feedback fanno la guerra. L’Africano potrebbe esser stato scritto per Il pasto nudo di David Cronenberg, lisergico, cacofonico, vivido e maestoso: un elenco di aggettivi stravaganti per invitarvi ad almeno un milione di miliardi di ascolti. Buone cose a lei lascia spazio all’hardcore e alle distorsioni più ruvide, prima che il registro dell’album si indirizzi su toni psichedelici ed estatici (Joe Chip su tutte).

Torno a letto.

‘notte.

L'articolo Pharm – S/T proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

I FAKE P NON ESISTONO PIÙ. L’ALBUM CHE VI FACCIAMO ASCOLTARE IN ANTEPRIMA, LO SCARICHERETE GRATIS FRA QUALCHE GIORNO, COME GRATIS AVETE SCARICATO ANCHE LE PRIME DUE ANTICIPAZIONI. QUELLO CHE SEGUE, QUINDI, NON È IL CLASSICO STREAMING FINALIZZATO A PROMUOVERE LA VENDITA DI UN DISCO.
QUELLO CHE SEGUE, È UN REGALO D’ADDIO.

La genesi beat e psichedelica dell’album dei veronesi mi ammalia e mi incanta.

Credo che le derivazioni siano lampanti ed inequivocabili (parere mio) tuttavia ho poca voglia di sciorinare un inventario di altre band che mi ricordano i Fake P perché─dopo tutto─The True Fake è multiforme e creativo, un portagioie di suoni e di idee singolari, una scatola di melodie pop accattivanti che smuovono l’umore. Conversation piece è un’overture regale e raffinata con l’organetto e le trombe a colorare un disegno di per sé già straordinario e vagamente psichedelico. Drama scalfisce le orecchie con la sua pasta low-fidelity e fa sorridere per il suo ponte farsesco, con la patch di tastiera simil-Casio a cambiar tono alla canzone. Prieuré des basses loges mi spedisce in orbita con la sua cadenza cabarettistica e l’aura lievemente pop-soul.  Fake V è un atto di riverenza alla new wave (l’intro vale almeno un centinaio di ascolti a mio parere), prima che sia Disappear a farsi avanti con un penetrante sintetizzatore nel finale (Monotron?), roba da far vibrare le viscere. La canzonatoria Seven recurring dreams è stravagante ed ingegnosa, dal tempo astruso e dalla cantilena estatica che stregherebbe chiunque. Il finale dell’album con Wasted, Happy End e Blitzkrieg (my favourite, sissignore) diventano d’improvviso il mio desiderio di vederli dal vivo. Un desiderio che non potrà realizzarsi. E questo, purtroppo… non è un fake.

L'articolo Fake P – The True Fake (Full Album Stream) proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Oggi il redivivo pop anni Settanta è sdoganato a tutti gli effetti, libero, felice, vivace, di buon umore. Sciolto da tutte quelle catene non meglio definite indie pop, rievocato e commemorato dalla gente che sembra aver recuperato nei meandri della vita un buon motivo per andare ai concerti. E divertirsi senza fare i musoni o, nei casi peggiori, gli intellettualoidi.

Tutta questa delirante prefazione per spendere due parole sui TheGiornalisti che mi vengono a trovare per pranzo dritti dentro le mie cuffie scassate, portandomi in omaggio il loro nuovissimo Vecchio (perdonate l’antitesi) che vedrà la luce tra cinque giorni. Sull’universo di richiami nazionalpopolari della band romana non credo valga la pena di aggiungere esposizioni giornalistiche ritrite e abusate, di accostarli ad altri gruppi e cantautori che si intravedono nelle sinuosità del disco (in uscita per Boombica/Audioglobe). Il secondo LP dei nostri redattori è un lavoro coerente e costante, fatto di canzoni ultra-popolari che si danno un tono soave e zuccherino, mescolando insieme le chitarre rhythm&blues, gli accordi maggiori, le melodie allegre e rabbiose, le armonie semplici ma-non-per-questo-banali, i tempi veloci destinati al piacere e alla godibilità. Punto e virgola; l’easy listening è roba meravigliosa e per tutti, un democratico e fraterno abbraccio. Fate una cosa, è un consiglio e non un dovere, dicevo, quando vi gira male, date un ascolto a Diamo tempo al tempo e Guido così.

L'articolo TheGiornalisti – Vecchio proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Dear Xabier Iriondo,
voglio che leggi accuratamente quello che ho da dirti perché per me è molto importante fartelo sapere: mi hai rovinato la giornata e forse ti querelo perché il mio avvocato ha detto che ci sono tutti le condizioni per farlo. Allego dichiarazione del legale. Ho ascoltato in anteprima il tuo primo disco solista Irrintzi,per recensirlo su questo pluridecorato e stimatissimo blog della rete e mi vedo costretto a domandarti perché lo hai fatto.

Ebbene perché lo hai fatto? Perché mi hai fatto questo?

Perché hai messo quel meraviglioso delay sul suono della macchina da scrivere di Preferirei piuttosto gente per bene gente per male? Perché hai usato degli arpeggiatori così belli all’inizio di Itziar en Semea e nel dedalo sonoro di Irrintzi (che cazzo sono due brani spaventosamente perfetti)? Perché un preludio così vivido ed emozionale come la ronzante e cosmica Elektraren Aurreskua? Me lo spieghi perché? Perché hai scritto Il cielo sfondato con quel finale acid jazz che quasi quasi mi riguardo Lost Highway di Lynch? Perché quel sottofondo di sintetizzatori stupefacenti in Gernika eta Bermeo? Perché quel blues così violento e viscerale nelle chitarre di Cold Turkey e quel ritornello cantato in quel modo ruvido che mi vibra anche lo stomaco? Perché il punk old school di The Hammer, con quel basso distorto che mi manda in solluchero? Perché le basse frequenze di Reason to believe con quel cantato così malinconico e maledettamente.

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Di solito sorvolo sugli impulsi amorosi (del tutto personali), vero è che il lettore può non essere d’accordo, vero è che al lettore può non fregargliene niente. Ma quando ho tra le orecchie una produzione della  Shit Music For Shit People i miei sentimenti aleggiano tra le spire del buonumore e l’ebbrezza.

Oggi, mentre rimpiango la neve di febbraio, vengono a farmi visita nelle cuffie i francesi Strange Hands che da Bordeaux mi portano in dono il loro debut album Dead Flowers, una superba commistione tra il noise-rock, la low-fidelity e le good vibrations di un surf-rock uniforme e mono-tono. Tutt’altro che noioso e gustoso come il limone con lo zucchero.

Il trio dunque toglie dal forno un lavoro autorevole fatto di genuinità e di quella vena punk che trova nei riff della chitarra, settata sulle alte frequenze simil-Danelectro dal sapore anni Sessanta, la sua massima espressione.

La batteria piccina e compressa (Anxious Pictures), la voce biascicata e strillata (l’outro di Bunny Slipper è la perfetta colonna sonora di un film d’exploitation violentissimo), l’organetto psichedelico e cartavetrato (mettere il repeat sulla lisergica Summertime) e l’ottimo lavoro di mixaggio sulle morbidissime distorsioni vincono l’Oscar per il miglior film straniero (e per i migliori effetti speciali).

Il sipario si abbassa con lo stoner rock di Trapper & Dodgers e la lucida schizofrenia di Warm Refletcion (di gran lunga la caramella più gustosa di tutto l’album).
Maneggiate con cura.
E indossate la mascherina protettiva.
C’est fantastique!

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C’era una volta lo stereo di mio padre con le casse Mordaunt e c’era una volta l’umore cenerino di mia madre che predilige la bassa intensità acustica, disgraziata. Ed è la storia degli Insooner che quest’oggi vengono a farmi visita per pranzo, dritti dentro la mia testa. A volumi che in questa casa sono proibiti. Per l’occasione il trio varesino mi porta in dono il nuovissimo Caimani, uscito per Forears Records, un lavoro roccioso e dispotico, wow -dico io-.
Accendo lo stereo e ho il nitido presentimento di esser accerchiato. Kaboom, come nei cartoni animati. Il suono degli Insooner è autorevole e imbrattato dalle distorsioni più voluminose ed esce dalle casse come un tutt’uno corpulento (e tirannico) di chitarre e di bassi magistralmente coadiuvati, un pugile dall’occhio nero che incassa due montanti prima di ubriacarti di botte. E il disco è ricco di dinamiche isteriche (mettere il repeat su Caimani infernali), di cacofonie, di tempi inconcepibili che sgomentano e seducono, di suoni indovinati, di spessore garage-punk e di uniformità orchestrale. A mio condannabile giudizio è d’uopo ritagliare un piccolo spazio per Giuda, la più Bella del Reame, la traccia che più d’ogni altra racchiude il concept del disco, una giostra emozionale fatta di cambi di tempo, un brano difficile e difficilmente accessibile. Ma non per questo semplicemente meraviglioso. Il basso noise-rock di Icaro nel fango dà alla luce una densa parete di suono che lancia il disco a tutta velocità, prima dell’interludio-shoegaze Fionda (e non serve starvi a spiegare il significato). I coni delle casse vengono accarezzati dall’inquieta ballad Istantanea della fine, prima che il sipario cali sui cocci dello stereo. Sì, i cocci.

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Estate amaranto.

Il caldo non solo è alle porte, ma entra senza manco chiedere permesso -cristosanto-. E nell’ansante boccheggiare delle prime battute di giugno ho degli ospiti per pranzo, i Van Houtens che da Milano vengono a farmi visita nelle cuffie. Dritti dentro la mia testa. Tra poco meno di venti giorni il loro primo album Flop sarà ufficialmente res publica e nell’ascoltare l’anteprima mi assale un dubbio che per certi versi suona come lo stupido è chi lo stupido fa del Sig. Gump, da Greenbow con amore: i signorini o sono dei gèni (plurale di genio, non di gene), o sono dei forsennati imperscrutabili.
Ascolto il disco due volte perché non ho le idee molto chiare, poi l’esitazione lascia spazio alla consapevolezza che la Face Like A Frog Records abbia colpito nel segno. Il disco della band di Verbania è un potpourri aromatico ed ultra-melodico che dondola tra il vivido sarcasmo dei testi popular e il multiforme itinerario musicale che va dal rock psichedelico (mettere il repeat su Matala), passando per il power-pop più anticonformista (John Ferrara & Betty Karpoff è un trattato di creatività: “John is contento confusion sentimento” mi fa andare in solluchero), versandosi nell’orchestrale-sintetico (Waiting for the sun). Il grosso pregio di tutto il lavoro dei Van Houtens sta nella linearità e nella genuinità di canzoni che non si prendono sul serio, di ariette sciocche ma non per questo banali: le melodie restano nelle orecchie e prendono domicilio, come squatter arrembanti. Chitarre acustiche, ukulele, palloncini, tamburelli, oscillatori, clown, Beatles a non finire, bambini, trombe, saltimbanchi, carta velina, bonbon, succhi di frutta, nascondino-mosca cieca, vocoder, arpeggiatori, fiori e fuochi artificiali.

Questo—e molto altro ancora—il 20 giugno nei migliori negozi di dischi.

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Lì fuori i boccioli dei rusticani hanno scatenato la mia allergia ai pollini. Nell’aria il cattivo umore trabocca e gli starnuti mi rovinano la giornata.
Ma nelle cuffie vengono a farmi visita Le Furie, da Firenze con garbo e con veemenza al contempo, e mi presentano il loro primissimo LP Andrà Tutto Bene in uscita per Ishtar Music, un album coeso ed autorevole, dall’intricato dedalo di sonorità che volteggiano tra il baroque, l’alternative e il post-rock (dove i parallelismi con Manuel Agnelli e Giorgio Canali sembrano opportuni. Almeno a me, che in fin dei conti non conto niente in questa storia).
E come spesso mi capita, ho in còr mio il grosso rammarico di non aver visto la band sul palco, dal vivo, ovvero nel punto culminante della propria espressività artistica, laddove un disco non serve perché quello che conta è la prestanza.

Il primo lavoro dei fiorentini funziona, funziona eccome, col suo variegato mucchio di melodie ultra-pop e di testi che si interrogano e si tormentano (Banale per credere e da riavvolgere centomila volte), col vago e vigoroso nichilismo di Solypso (il basso distorto mi fa andare in solluchero), con la cantautoralità e l’eleganza di 21 anni e della power ballad Mimì Bluette, con le ruvide e pesanti parole di Pausa edulcorate dalla melodia delle chitarre, prima di arrivare all’apogeo dell’intero album de Le Furie: la bella Niche, dove convergono la autorevolezza sonora, la coerenza di tutto l’LP, il linguaggio diretto e acuminato, il buon lavoro di mixaggio che deforma un po’ l’agonismo dei toscani facendone tuttavia trapelare le intenzioni. Non ho smesso di starnutire, maledetta primavera, ma sono convinto che in fondo. Andrà tutto bene.

[UPDATE]
ASCOLTA L’INTERO DISCO

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La tinta del cielo che avviluppa i tetti di questa città rispecchia lo stato d’animo del sottoscritto. Almeno, oggi è così; finalmente. Trovo seccante quando umore e meteo sono incongruenti. Grigio. E quest’oggi ho degli ospiti per pranzo, i Cosmetic, che dalle alture romagnole vengono a farmi visita nelle nuove cuffie che ho comprato, dritti dentro la mia testa. Tra poco più di una settimana il loro nuovissimo album Conquiste sarà cosa di tutti, prima che il tour promozionale li porti su e giù per lo Stivale, da Milano a Monopoli con annessa fermata nella Capitale.
Il lavoro dei cosmetici, in uscita per La Tempesta, possiede una coerenza ed un’omogeneità inappuntabili che gli conferiscono quaranta minuti di puro agonismo, senza cali di tensione. Ed attenzione. L’amalgama noise-pop dell’overture Lenta conquista, condita di fuzz, di riverberini bellini bellini ed edulcorata dalla melodia della voce [il testo è geniale], apre le cancellate verso un disco dalla scorza underground che spazia dalla neopsichedelia (mettere il repeat sull’interludio Andreini e sulla portentosa ed ariosa Colonne d’errore, con la sua batteria piccina e le sue massicce chitarre abrasive), al post-grunge (le bellissime Melly e Scisma crepitano nelle cuffie con autorevolezza), passando dal’indie-pop (le melodiose Prima o poi e Lo spavento attenuano l’impetuosità dell’insieme). E mi rimbrotta il sound del basso distorto, che a mio sindacabile giudizio fa il bello e il bellissimo tempo di questo disco. Come se ce l’avesse con me. Per un amico mi tira a sé con forza e e mi racconta una storia turbante che mi sembra di aver vissuto milioni di volte: i distacchi sono cose dure da digerire. Bellissima. Ci sono i Yo La Tengo in questo bosco sonoro e le straripanti idee di un quartetto che corre a cento all’ora.

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Con ogni probabilità questo è l’ultimo disco che ascolto con le fracassate Samson CH70, ormai stanno tirando le cuoia (e i dischi suonano tutti lo-fi, ma in fin dei conti è bello così). Oggi mi fanno visita —dritti dentro la mia testa— i Giardini di Mirò e l’occasione è troppo speciale per un commiato dalla musica. Attacco le cuffie e presto attenzione. Il giorno 23 marzo l’atteso Good Luck, in uscita per Santeria, sarà finalmente cosa di tutti.

A tre anni dal loro ultimo lavoro, l’acutissima e multiforme colonna sonora Il Fuoco, la band reggiana rientra sul proscenio italiano togliendo dal forno un album suggestivo: cupo e romantico, alle volte struggente, talvolta raggiante. Ma gli aggettivi in questo mestiere sono astrazioni che servono solo a complicare la vita; parliamo di musica. L’affascinante itinerario sonoro dei Giardini di Mirò è un autentico puzzle poetico che spazia dall’indie-folk dell’ouverture Memories, l’epigrafe a ricordo dei bei tempi, con la sua bellissima chitarra che a rilento svanisce; passando per la popular Ride, col rettilineo coro a due voci basso-batteria; spiegando le ali con There is a place edulcorata dal canto femminile e dal rullante lieve. La confidenziale ballad Rome è un crescendo di batticuore sonoro (il cambio di tempo finale è squisito). Le sonorità Broken Social Scene di Time on time mi mandano in solluchero, prima del sipario Flat heart society, cadenzata con i clap, alla Tonight di mister Lanegan.

L’apogeo di tanto romanticismo: You said heart has many rooms, so please furnish one for me.

Buona fortuna.

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Sono sul TGV Strasburgo-Parigi e la grande vitesse mi mette di buon umore, con tutto quel caffè che ho bevuto (figurarsi).
C’è la sera là fuori.
E nelle mie cuffie mi fa visita Giulio Calvino also known as Hot Gossip col suo ultimissimo disco che tra pochi giorni sarà cosa di tutti e strapperà un sorriso all’allegra combriccola di malinconici anni Novanta, già.
La copertina versione Loggia Nera di Twin Peaks evoca il caffè che ho ingollato poco fa e a questo punto fa il suo ingresso sul proscenio il canto a due voci grancassa-rullante di We were regulars, la potente overture di Hopeless, un lavoro coeso e ricco di nerbo che oscilla tra il surf-rock di New Sound e il garage-punk di Love Murders (col Bel mormorio del fuzz in sottofondo, ammesso che sia un fuzz, ammesso che sia un mormorio), raccogliendo il basso cadenzato di Wasting my time, fino alle rilucenti distorsioni British&popular di I’m out of here. A conti fatti è un disco risoluto ed abrasivo, in cui il sound del varesino -prima ancora degli arrangiamenti dei brani- è il primo attore della scena. A mio sindacabile giudizio è l’acutissimo mix operato sulle chitarre a tingere il paesaggio. Di nero, di marrone, di verde scuro, d’altronde siamo vicini a Twin Peaks, a due passi dal Canada. La voce eterea di People shooting banks, la straordinaria perla del disco, con la sua intonazione da filastrocca recitata milioni di volte e ai pranzi di Natale, mi manda in sollucchero perché corre a briglia sciolta su un tappeto di valvole sature e isteriche (i più isterici sentiranno il rumore delle corde della chitarra, i nostalgici hardcore sentiranno il parapiglia dei crash della batteria). E dopo un breve ed indisciplinato tragitto di sette tracce l’elegante litania funebre di March of the black umbrellas mi porta ai titoli di coda. Mentre la voce cacofonica e vagamente incazzata accompagna il passo del feretro.

E poi fa buio nella Loggia.

Tolgo le cuffie e ringrazio di cuore Giulio e gli Hot Gossip.

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Un giorno Andrea mi telefona tutto concitato e su di giri. E quando finisco di leggere anch’io il tour diary dal sito Internet dei Drink to Me (http://www.drinktome.net/), afferro il motivo del suo fervido godimento. Sorrido perché è davvero bellissimo, è scritto con nobile maestria e mi dà l’idea che loro siano un gruppo molto unito. Assisto a tutti i loro concerti leggendo soltanto i loro resoconti, è spaventosamente viva certa letteratura. A quel punto è avvenuto il mio primo incontro con loro; giornata di sole, sottofondo Brazil, il loro secondo full-lenght; il mio umore a bordo dello Sputnik.

Da allora sono passati due calendari ed il trio torinese torna a farmi visita, dritto dentro le mie cuffie.

Mentre fuori la neve.

Il 9 marzo sul proscenio di Unhip Records uscirà il loro ultimo lavoro, S, a pitturare tutto questo grigio. La stupefacente sinergia tra i noise-levels del sintetizzatore, i bassi alterati, le dissonanze, i ritmi ancestrali di batteria e gli ariosi riverberi sulla voce, sono la stropicciata cartolina spedita da una regione exotique (L.A. 13 pt. 1 non a caso è la perfetta sintesi di un disco warm, estatico, lenitivo, edulcorato dalle bellissime melodie che danno colore, che danno mimica alla pasta). L’ouverture-singolo Henry Miller, col suo pattern afrobeat di batteria e l’inquieta e commovente melodia di voce, mi manda in solluchero insieme alla criptica sentenza finale this is just a secret, this is our secret. The Elevator e Future days si avvicinano alle sonorità trip hop e l’album decolla per far scalo a Dig a Hole with a Needle, l’apogeo di oscillatori e distorsori (il mix operato sulla batteria è geniale). La drum machine di Disaster Area fa da pedana per un monologo-filastrocca hip-hop, prima che il sipario cali con l’intima, onirica e travolgente Airport song; presente -no?- quando tutti dormono nella sala d’aspetto, prima di salire su quel maledetto mostro con le ali.

In fondo, penso, questo disco è un portagioie con le ali e dentro ci trovi il riverbero, il ritmo tribale, il synth distorto, il coro, l’inno, il pop lisergico. E il cruccio sulla pronuncia del titolo: S, sh, ss, ésse, èsse, ès, és.

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Girovaghi e gira giramondo, che incanto.

Oggi è il giorno del mio compleanno (iea!), guardo indietro con un po’ di nostalgia e mentre prospetto di andare a Strasburgo e al prossimo Edinburgh Film Festival mi vengono a far visita, dritti dentro le mie cuffie demolite dai tanti calendari, i Vermillion Sands a raccontarmi di loro e del loro 7” che l’amabile Shit Music For Shit People ha recentemente rilasciato.
Loro, girovaghi e gira giramondo. Ed è dalla loro Treviso che sono partiti alla volta dell’Europa centro-occidentale, dell’East Coast (!) e di Pechino (!!!), con le valige piene di garage rock di matrice rhythm&blues e con le armonie smaliziate che al palato sono surf e sono molto buone, provare per credere. Il sette pollici è un itinerario lungo due stagioni, fisicamente distinte nei titoli e nella collocazione sul supporto-vinile: lato A Summer Melody, lato B A sweet bitter Winter. Il primo luminoso, arioso, che sa di bagnasciuga stracolmo di persone su una cartolina color seppia, con la voce-filastrocca dolcemente riverberata, con la batteria dal groove profondo e mixata da un genietto, con il fuzz sulla chitarra che è tanto cremoso. Un gelato. Il secondo più aspro e più blues, con la chitarra acustica e sue le corde che ronzano, il basso ammorbidito e cadenzato che a mio sindacabile giudizio fa la differenza.

E nella bocca resta un sapore appetitoso e faccio repeat senza pensarci due volte. Già, dimenticavo, le illustrazioni sono di Gennebra, disegnatore e grafico portoghese. Quasi quasi parto anch’io.

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Ricordi la capanna che facevi da bimbo con le coperte, le sedie, la torcia e qualche cuscino? Io ci portavo anche il mangianastri. Autismo. Prima dell’alcol e qualche droga indigesta. Prima c’era la capanna, lo sballo, l’unica via per sconfinare il mondo tangibile. È da là sotto che nelle cuffie mi fa visita l’ahahaha di un ragazzino di nome Raniero Spinelli, barba e capelli brizzolati, divertito, l’umore e l’energia di chi sperimenta forme di scrittura pop molecolare, semplice, sostanziale, divertente.

E quel piccolo grande bambino si è trasformato in Capitan Love che col suo The wasted years of Capitan Love racconta storie chimeriche di aerei in avaria nella sua testa multiforme (far repeat sull’omonima seconda traccia dell’album), di Rosa che non ne vuole sapere di tornar a casa anche se è lì che tutti tornano quando le cose girano male, di notti col naso all’insù mentre le stelle sfavillano in silenzio. E il lavoro di Raniero ha il grossissimo prestigio della genuinità, del facile ascolto, dello svago, dell’inglese pronunciato a cazzo-di-cane, dei coretti in falsetto ad edulcorare la pasta, del noise, di qualche piano, sequencer e drum-machine a mettere il suggello su un lavoro popolare smaliziato e adorabile. I fruscii da bassa fedeltà mi fanno andare in solluchero, le chitarre e le trombe sono come il pennarello magico che passa sui puntini neri. E tutto si colora. Presente? I giudizi come questo sono sindacabili, ma la frivolezza anarchica è sempre una boccata d’aria fresca.

Full Download » Capitan Love – The wasted years of Capitan Love
Ascolta in streaming e leggi i testi » http://www.capitanlove.it/musica/

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Il revival hardcore-grunge è qualcosa adorabile, con tutta quella commistione di bassa fedeltà, di ruvidezza ed accurato lerciume sonoro, tanto da diffondere nella mia testa un (poco) velato senso di incazzatura e viscerale odio verso il mondo intero. Endorfina. Ieri sera mi hanno rubato il motorino sotto casa e stamattina nelle mie cuffie vengono a farmi visita i Silver Rocket, quasi a confortare un’anima in pena. La mia. E il trio ferrarese mi dà del tu col loro primo full-lenght Old fashioned, un lavoro diretto, a senso unico.
Dritto dentro l’umore vitreo di ‘sta giornata dimmerda. E le dieci tracce del bellissimo album racchiudono tutta la autorevolezza degli anni Novanta, dai Nirvana meno popular (repeat sull’attaccabrighe Failure and disaster), passando dai Dinosaur Jr. (The Getaway), con qualche cartolina all’indirizzo dei Pavement (l’outro That’s life da studiare a memoria; strepitosa), degli Happy birthday e dei conterranei Modotti. Ma commemorare altri gruppi è sempre una perdita di tempo. L’album dei SR è uno scrigno coerente, privo di contraddizioni, un ordigno da ascoltare tutto d’un fiato, un portagioie aggressivo stracolmo di distorsioni (il gustoso fuzz sulla chitarra e le alterazioni sul basso sono notevoli), di perizia in fase di mixaggio (a mio sindacabile giudizio la scelta della voce più indietro rispetto alle chitarre e alla batteria [eighties e suonata con potenza] è ottima) e di vivida naturalezza. Come se fossero nell’altra stanza a suonare. Non ci sono peli sulla lingua, ornamenti superflui. Conta solo la collisione. Mi mangio le mani per non averli visti al Covo di Bologna, la loro nicchia ecologica.

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Attendo la gelata natalizia che tarda ad arrivare e dal cielo bianco di questa città piovono i Don Turbolento dritti dentro la mia testa. E nelle cuffie l’amabile synth-pop del duo bresciano, condito di noise levels (Attack! mi fa andare in solluchero), compressori e arpeggiatori carini carini, mi tiene compagnia celebrando il sound di LCD Soundsystem (e i colleghi Hot Chip), i nostrani Low Frequency Club ed evocando alle volte i Kraftwerk (mettere repeat sulla [assai] splendida Desert Line), quanto basta e senza esagerare.
Alla fine credo che questa storia dei rimandi sia nociva per tutti e in realtà i Don Turbolento nel loro d.i.y. Attack, che ha visto la luce il 22 novembre scorso, imperniano un lavoro personale e di carattere che dal funk passa al pop-elettronico, dando un passaggio anche alla nuova onda anni Ottanta. La ricetta dell’album è molto semplice, ma non per questo risulta sciocca e frivola. E sono convintissimo del fatto che il full-lenght rispecchi pedissequamente il loro approccio live irruente e passionale (spero di constatarlo personalmente in una delle loro appetitose date nei più bei club de noantri), con la grancassa dritta,i pad di drum machine, i pulsantoni (per dirla alla Calafuria’s Brothers), le distorsioni (Don T e Tanzen Dusseldorf su tutte), gli effetti digitali, i modulatori, le vocine semplici. Dio benedica i giapponesi.

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E Mamba nero, redatto pochi giorni fa dalla To lose la track, è un extended-play profondo, ricolmo di vigore e di fame. Un bel morso ad un limone con lo zucchero. È spietato, è punk, è acido, è Burroughs, è Céline, è Bukowski. IL TRIO delle meraviglie. Che cosa tifi stasera? Io, una coperta elettrica e non andrò a fare nulla di che nella vita. Ascolto e riascolto l’EP, lo ingollo e decido che uscirò di casa per vedere se è cambiato qualcosa. A fine giornata. Sono su di giri, come dicevo. Foglia di fico mi evoca i Suis la Lune, corrosiva e infelice, con le chitarre sporche in secondo piano che mi mandano in orbita e le dinamiche che sono un ottovolante. Ma l’apogeo di questo scrigno è Astronomie, dico io. Con un basso violento e una melodia della voce che mi fa tornare a galla.

Questo lo streaming.

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L’ultra-pop all’italiana è l’unica cosa che riesce a squarciare la monotonia delle mie giornate e oggi a pranzo, nelle mie cuffie, ospito i Dadamatto che dal 4 novembre hanno alzato il sipario sul divertente Anema e core, un album ironico e dissacratorio, dalle amabili ed intelligenti sonorità popolari. Armonici, acuti. Poi stronzi e satirici. E sembrano aprire la finestra sul frastuono metropolitano, sulla Eighties-generation, sui supporti a nastro magnetico, i sintetizzatori, la nuova onda, l’uomo alienato del Piccione di Süskind. Abbiam finito per perdere, non ha più alcun senso vincere, siam morti da troppi anni ormai, ma lo sappiamo solo noi, dicono i Dadamatto che con la Infecta Suoni & Affini/Face Like a Frog redigono un lavoro dall’acustica raffinata (il basso distorto e il mixaggio di Scilla e Cariddi prendono a pugni in faccia il sottoscritto), dai testi stupefacenti ed eleganti (Il cantico delle creature per un bolognese insonne come me è una preghiera da conoscere a memoria), dalle cadenze ingegnose e graffianti de Il netturbino, in cui la batteria e l’arpeggio di chitarra ti ricordano che sei in ritardo per andare a lavorare. Ma è sull’assurda e allucinogena Canzone 3d (mettere il repeat e trovare il bandolo) che gli chiedo di rimanere nelle mie cuffie fino a sera. A muovermi dentro, quel meccanismo emotivo per cui le canzoni febbricitanti e leggere mi fanno gongolare.

Ascolta: Dadamatto – Il cantico delle creature
(mp3) » Dadamatto – William Shakespeare

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Nelle mie cuffie quest’oggi echeggia il cadenzato mantra di How we danced, il raffinato disco d’esordio dei romani City Final, un signorile dipinto a colori che ha tutto il sapore dei vecchi quadri impressionisti, quelli in cui un paesaggio ricoperto di neve si dipingeva utilizzando il rosa, il marrone, il celeste, il verde imbrogliando l’occhio umano che lo credeva completamente bianco. Candido. Esordio dal gusto popolare, ricco di profondi riverberi e di cartoline anni Sessanta, malinconico ed evocativo. E pulito. E garbato. La meticolosa cura del suono e degli arrangiamenti dominano il proscenio e intrattengono gli astanti senza mai annoiarli, guidandoli nelle reminiscenze di una vita. I viaggi in Olanda. La pioggia in Portogallo. L’overture pop Dance with me schiude le porte verso una pianura ultra-melodica che commemora gli Smiths e i Byrds con chitarre dolcissime, sfumature di organetti e pianoforti ed una batteria squisita che -a mio condannabile parere- è il bocciolo prezioso di tutto il lavoro (chiudere gli occhi su The Lion’s tears). Sono i tremoli di chitarra e il nobile cantato di North on Canvas (il ritornello sopraffino mi colpisce al cuore) a chiedermi se voglio ballare con loro, mentre il mandolino della conclusiva Home from home è un giro in giostra. E mi ritrovo ad avere cinque anni.

facebook by City Final

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Scroscia il cielo. E l’intera città è intrisa dell’incazzatura della gente che odia questa stagione, me escluso (tiè). Poco importa. Il clima è consono ai Frozen Farmer e allo squisito extended-play targato Ghost Records che mi riporta alla memoria un giorno di una vita fa. La maestra legge senza fretta il dettato e la classe scrive meticolosamente sul quaderno. Poi alzo lo sguardo e vedo il mio compagno di banco che non sta affatto scrivendo. Guarda la pioggia fuori dalla finestra con fare rapito e a quel punto ho posato la penna e ho fatto lo stesso. Ora, ad anni di distanza, ho nelle cuffie Lay in my grave del quintetto folk varesino e l’appeal evocativo del brano, e di tutto l’EP, lascia uno residuo nostalgico davvero niente male. Gli arrangiamenti corposi e voluminosi di chitarra conditi dal mandolino e da una splendida batteria country rendono il lavoro amabile ed inappuntabile. Le atmosfere si trasformano a seconda dell’umore dell’ascoltatore e Death è prima tragica, poi fastosa; l’overture Pain of sorrow celebra le migliori pellicole di Kaurismäki (voce e basso a dominare il proscenio), Highways è una Camaro che galoppa, mentre Snow ritrova il pop e il buonumore. Da consumare preferibilmente in questa stagione, d’altro canto I’d better stay home.

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A volte c’è una colonna sonora ninnante e tormentosa ad accompagnare il finale dei film. Quasi ad amareggiare il sangue, o a farti sorridere debolmente. Quasi a darti un pugno nella pancia fino a toglierti il fiato. Ti ricordi Magnolia? E l’autostrada bloccata che corre verso il mare ad agosto (non è un film, anche se il confine è sottile). Oggi nelle mie cuffie passeggia la carica accorata e minimale  di Emphemetry, progetto solista di Richard Birkin che nel nuovissimo album A lullaby hum for tired streets scatta una bellissima fotografia a colori dalla finestra di casa sua. Forse è tardo pomeriggio, forse non c’è nessuno per strada, le foglie sono arancioni. Forse l’umore non è dei migliori mentre l’impeto artistico che ne scaturisce, riversa nelle dieci tracce del full-lenght malinconia e tepore, donando al composto un’aura elegiaca, romantica, metti anche struggente ed evocativa. Sono i suoni di chitarra e la levità del pianoforte ad edulcorare la torta (chiudere gli occhi sulla straordinaria Francis Thompson), mentre le distorsioni alla voce e i rumori del traffico di Every other second day aggiungono pop ed ingegno ad un nobile lavoro che con Houses, empty as holes (e i suoi fruscii e i suoi pianoforti brulli e vibranti) arriva sulla Luna. Da questo disco-ninnananna se ne esce soltanto riaprendo gli occhi. E oggi è festa, quindi non vedo perché svegliarsi.

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Oggi nelle mie cuffie banchettano i My foolish heart e gli chiedo di raccontarmi una storia che sia coerente con il mio stato d’animo, con il maglione che indosso, con la cronaca politica e con il caffè. Schiaccio play e incrocio le dita dietro la testa. Ocean Ocean è il primo album (dopo l’omonimo EP di due calendari fa) dell’eclettico duo astigiano che con la Happy/Mopy redige un disco coeso e privo di contraddizioni che rimanda i miei pensieri all’etimologia della parola simpatia, che ad Atene significa partire insieme. E il viaggio è un good-trip sonoro che racchiude arrangiamenti pop e arzigogoli psichedelici di pregevole fattura che rendono il lavoro uno scrigno ricco di memorie e di vibrazioni sonore (mi chiedo quanti strumenti esistano al mondo). La voce è dolce e sognante e fa surf su chitarre e pianoforti educati che vengono a cena portando una bottiglia di vino (mettere repeat sull’overture After eight). Le trombe di Nothingness commemorano Il pasto nudo di Cronenberg, mentre i reverse e le melodie di Sootiness, sonsy girl ballano smodatamente su una bellissima batteria che corre veloce in autostrada. Ma il vero trattato di poesia dell’album lo si scorge nei titoli di coda, precisamente nel ponte della cacofonica e geniale Ocean Ocean con un inquietante e divertentissimo gioco di voci. Che ho detto è ora di scrivere. E non è mai facile metter nero su bianco le sensazioni piacevoli. 

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Sono in piedi in fondo alla sala del Locomotiv: quando si invecchia si ha la tendenza ad arretrare. Con me c’è Andrea, il miglior compagno da concerti, e sul palco gli A Toys Orchestra danno spettacolo. Quel genere di cose che definisci belle senza saper spiegare a parole il vero perché. C’è il punk e il pop e la ballad e dico: wow! Non c’è molta gente e credo siano cazzi di chi non è venuto dato che l’atmosfera è calda, anche se l’espressione inglese warm rende meglio l’idea. E ad un anno di distanza da quella sera ho nelle cuffie il cupo e nobilissimo Midnight (R)Evolution che oggi, 18 ottobre, spiegherà le vele e andrà per mari. La Urtovox alza il sipario su un pregevole lavoro che ha tutti i tratti distintivi e storici del gruppo, le scale minori, le tastiere a tingere uno spazioso ambiente agreste e i riverberi ad addolcire l’amalgama in autentico stile Toys. Si scorgono gli Arcade Fire (chiudere gli occhi sull’overture Midnight (R)Evolution e cantare BrancaBrancaLeonLeon! con la erre rotante all’inglese), c’è il tiro dei Modest Mouse (mettere il repeat su Welcome to Babylon) e c’è una cura delle vibrazioni e degli arrangiamenti che è da chapeau lanciato all’aria (organi, fuzz, sussurri e rullante vellutato a profumare l’automobile ferma nel traffico). Un disco il cui apogeo si stringe nelle sublimi Mutineer Blues e Goodnight again. E credo che quando torneranno al Locomotiv farò lo sforzo di andar lì sotto per mormoragli fatemi la cortesia di non aver pietà per chi non è venuto, dateci dentro.

• Qui, le info per il contest che vi permette di vincere un biglietto per uno dei loro live.
• Guarda il video del primo singolo.

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Lunedì  10 nella trasmissione radiofonica “Gli IndiePatici” (fusoradio.net) ci sarà una chiacchierata in diretta con Dente. Il programma inizia alle 19.
Presto altre news.

Ascolta il singolo “Saldati”

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La Urtovox schierava sul rettangolo di gioco la Mezzala Michele Bitossi a dar manforte alle punte. Esordio solista dall’aroma retrò e popolare quello dell’ex Numero6 che ne Il problema di girarsi evoca tempi, arrangiamenti e lessici dimenticati a dir poco eccezionali. Sprezzante, nostalgico e -gigantesco- figlio di puttana, Mezzala toglie dal forno un’opera ultra-pop divertentissima, con sonorità da far gola (sintetizzatori e chitarre da mangiare a pranzo) ed aforismi aguzzi e dissacranti che lo erigono ad un piano superiore. Buttate via il sovradimensionato e spettacolarizzato calcio moderno, accartocciate la Gazzetta, premete il cazzo di freno una volta tanto. Ritagliatevi un’oretta, mettetevi comodi. E ritrovate il gol.
Otto su dieci.


Ecco lo streaming via sentireascoltare.

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È con sincerissimo piacere che mi ritrovo a spendere qualche parola sui torinesi Vernon Sélavy e il loro omonimo sette pollici dalle fosche arie blues che ricorda un’elegante e cadenzata marcia funebre fuori dal tempo.
Già, fuori da questo tempo.

Ed io che non conto un cazzo e discendo dagli anni Novanta me li vedo a suonare a Twin Peaks in mezzo a nani e giganti che parlano al contrario, mentre il tremolo della chitarra di Vincenzo (directly from Movie Star Junkies) tinteggia le pareti di rosso e la livida ritmica di Roberto (directly from Ten Dogs) fa strada al feretro della signorina Palmer. La Shit Music For Shit People va nuovamente a segno con un lavoro sopraffino che custodisce nella sua semplicità arrangiamenti signorili (su tutti la mesta -ed inquietante, dico io- The way it goes, con uno straordinario tema portante e un organo che dalle quinte dà colore al componimento) e accordi più cupi e malevoli (fare repeat su l’overture 15 apple seeds) che danno al piatto nero un sapore amaro.
A questo punto non reste che aspettare la pioggia (santocielo!), stendersi sul divano, aprire Rose Madder mentre girano i Vernon Sélavy. E fare attenzione che il gatto non assuma strani atteggiamenti.

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Ma il piccolo grande neo di questa succosa produzione Mono Records è che le analogie con la Banda Agnelli non si limitano all’aspetto dell’arrangiamento, perché l’approccio al canto (specie nelle belle Morire di noja e Treno di mezzanotte) fa sembrare il club nero una succursale dei colleghi milanesi. Senza voler oltraggiare un buonissimo lavoro di mixaggio (ascoltare Un crepuscolo qualunque) e di parole (alzare il volume di Ci sarò), nel complesso i rimandi sono tanto inevitabili quanto necessari. Nonostante la brutalità di questo mestiere che porta a vomitare sentenze, il disco è senz’ombra di dubbio un prodotto squisitamente rock’n’roll, con tutta la polemica, la cruda ironia, la rabbia e gli slogan che richiede il genere. 

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Quando ai tempi del liceo scoprii che J Dilla era dietro al 70% delle produzioni che mi piacevano iniziai a cercare qualcosa di suo e mi innamorai dei suoi dischi  (Donuts e Shining su tutti). Poi ho scoperto Chinoiseries ed anche lì è stato subito amore. Ora, c’è questo Vol.3 di Bop SingLayer e l’effetto è sempre lo stesso. Giacomo, che con le parole è bravo, prova a descrivervelo.

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Dal fondo, laggiù. A capo chino. Un fiume di persone col lutto al braccio; ché questi in fin dei conti sono giorni pesanti e l’aria è greve. Il quartetto romano se ne sta seduto in sulla via dei sobborghi dell’Urbe e ascolta i Massimo Volume, non disprezzando Brondi, mister Appino e i fratelli Ferrari. A me vengono in mente loro, così a caldo. Scompongo Ferirsi e trovo seducente l’impatto sonoro dell’EP, con il sintetizzatore a scaldare e legare (mettere il repeat per la bella Il giardino segreto), con le chitarre acustiche a dar profondità e con quelle elettriche nobilmente saturate senza ostacolare una voce sempre in primo piano. La voce, già. Parole che – parlo a titolo personale – non mi convincono ne In fondo al mare, ma che hanno un ruolo da primo attore in Olio, benzina e cherosene e in All’interno (la più bella, dico io). Venticinque minuti warm, avvolgenti, dai patrizi colori autunnali.

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Tu-ts-tà Tu-ts-tà!
Whoo Whooooo!
Tiritiripà Tiritiripà!
Perché a conti fatti suona così Hooray, l’ultimo album dei pugliesi Spread Your Legs, un astuccio con dentro tutte le cose necessarie per scrivere i dettami del pop su una cartolina indirizzata a Glasgow (o Liverpool).
Chez Ferdinand (o chez Wombats). Sound smacchiato, lustrato e decisamente piallato quello contenuto nelle dieci tracce del disco. E io, che non conto un cazzo, dico che un atteggiamento molto più bassa fedeltà lo avrebbe arricchito e fatto rendere il doppio. Chitarre gaie e di buon umore, batterie danzanti ed essenziali, voci, vocine e cori briosi, sonorità raggianti da primavera che si trasforma in estate, melodie semplici e fin troppo educate. Un album troppo educato, questo è il punto (e forse il neo). Mi immagino una scolaresca in gita che canta i ritornelli di Hooray, anche se i cori contro l’autista vanno sempre per la maggiore.

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Convivere sotto lo stesso tetto non è mai stato semplice e l’amalgama tra i nostrani Panda Kid e gli irlandesi No Monster Club nello split cucinato e impiattato dalla Miacameretta Records, dimostra che la musica è in grado di rammendare le sdruciture geografiche che separano una penisola e un’isola. Lavoro di pregevole fattura quello che si cela dietro le quinte di Panda Kid Meet No Monster Club, con i vicentini concentrati sulle sonorità garage più ruvide con la grancassa della batteria ultra-compressa che crepita nelle cuffie producendo un suono così affascinante che viene il dubbio che non sia un synth o una drum machine (che cazzo di figura che ci faccio). Davanti le chitarre riverberate -suonate con un guanto di ferro- e dietro una voce melodica ad azzeccare i motivi più eterei e sognanti, un limone da mangiare con lo zucchero (su tutte A Long Long Summer). Poi c’è il trio di dubliners (lovely lovely Kill All Creeps, sissignore)che offre invece un pop maleducato molto Sixties che, chiudendo gli occhi, te li vedi ad esibirsi in piccole stanze condominiali gremite di bulletti e dalle annoiate ex creste della vecchia guardia (dove dieci persone sembrano occupare lo spazio di novanta). No Monster Club e Panda Kid sembrano la naturale evoluzione tra i primi nei secondi, come tra il battito di piedi nel ballo smodato. 

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E tra le chitarre sprezzanti dell’Annus Horribilis passato (e passante?), tra le distorsioni di sintetizzatori e microfoni che rigettano interferenze (vedi Untitled Frequency e Thirsty Dinosaur), viene a galla un panorama alienante. Hai presente (no?) quando gli eventi incombono e dalla tua bocca non escono altre parole che sfiducia e distacco? Questo è il degno accompagnamento (“Disappointmeeeeent! Disappointmeeeeent!”, vedi TEe_Box). Buonissimo lavoro lo-fi con distorsioni e contorsioni, con voci monofoniche, con suggerimenti pop e blues, con escoriazioni da caduta in bicicletta, con ritmi mai incerti e con una politica a livello di mixaggio che rende In the middle of Darkwhere sacra e profana. E quando la nebbia cacofonica traboccante di ironia e ruvidezza si dissolve, tutto ciò che resta è un outro edulcorato che, a dispetto del titolo della cassetta, chiude in bellezza questa portagioie.

The Intellectuals – A Cheap Religion 

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