Qualche settimana fa parlavamo dell’omaggio di Hudson Mohawke al brano più Phil Collins-inspired di Janet, The Pleasure Principle, singolo iconico del 1986 estratto dall’album Control; alla stessa era ci rimanda l’ultimo tributo a Damita Jo, confezionato dal duo synth-pop New Look. Sarah Ruba, la voce, incantevole clone di Natasha Khan (Bat for Lashes), e il compagno Adam Pavao hanno rilasciato poche ora fa una versione in hq del brano semplicemente rinominato Janet, già inserito all’interno del mix composto da Jamie XX per la BBC1 Radio (Far Nearer, ultimo singolo di Jamie, campiona a sua volta un successo datato della Jackson, Love Will Never do Without).

Che fosse inevitabile era ormai chiaro. Sono emozionato come una fan di Lenny Kravitz che in piazza del Duomo a Milano vede il proprio beniamino per la prima volta affacciarsi dal balcone di TRL con Giorgia Surina e Marco Maccarini, anche questi discretamente apprezzati da ella.
Per raccontarla con razionalità, quest’estate il cantautore californiano Active Child, ossessionato dalle arpe e dalle proprie lentiggini, rilascia, come secondo singolo dal proprio album di debutto, You Are All I See, un brano intitolato Playing House.
Il brano in questione è in featuring con How To Dress Well, un artista originario di Chicago, tra i maggiori esponenti della fulgida rinascita dell’R&B in chiave Lo-Fi.
Certo, posta in questi termini la notizia sembra non aver alcun valore minimamente considerevole, ma provate voi a crescere fin dalla tenera età di 9 anni con sulle spalle il fardello della rassegnazione per aver appurato che nulla dopo la hit The Boy Is Mine cantata da Brandy e Monica e prodotta da Rodney “Darkchild” Jerkins nel 1998 sarebbe suonato più armonioso alle vostre orecchie. Ecco, io sento che è arrivato il momento di rialzarsi dalla polvere e tornare a vivere.
Active Child e How To Dress Well, che per amor di cronaca, e decenza, chiameremo da ora in poi coi rispettivi nomi di battesimo, Patrick Grossi e Tom Krell, hanno confezionato non solo il perfetto seguito del sopracitato capolavoro di Brandy & Monica, ma sono addirittura riusciti nell’impresa di plasmarlo alla maniera più dreamy-synth possibile, per cui via libera a riverberi come se grandinasse e arpe come piccioni, tutto legato insieme dal falsetto cristallino che i due sintonizzano fino a confondere del tutto le proprie voci, su modello degli intrecci vocali tra B-Rocka e Mo’ (non conoscere gli also known degli artisti più rilevanti del panorama black è una condanna, oggi, ad una vita di stenti intellettuali).
Vani i precedenti e imbarazzanti tentativi di raggiungere lo status di The Boy Is Mine Part.II ad’opera di R.Kelly e Usher, nel 2007, con Same Girl, o Keyshia Cole e la stessa Monica nel 2009 in Trust; l’unico lenitivo, che negli ultimi mesi ha quietato le mie pene, è un estratto dal mix Perfect Lullaby del duo NGUZUNGUZU, autori di una rivisitazione del magnifico giro di arpe presente nella produzione di Darkchild. Due minuti di pura trascendenza.
Questione a parte è quella del videoclip che accompagna il singolo Playing House. Provate a fare una somma tra Laura Pausini diretta da Gaetano Morbioli e Beyoncé/Shakira dirette da Jake Nava, in più aggiungete una dose del miglior playback al quale vi ha abituati Christina Aguilera e amalgamate con la capacità espressiva di Jennifer Lopez; quello che otterrete neanche lontanamente sfiora il grado di pateticità che appartiene a questa clip, ma siamo seri, non conta ritrovarsi nel video due sagome che si baciano nelle retine di un adulto affetto da rutilismo, ciò che davvero ha importanza è lasciare che le arpe violentino le nostre orecchie e le voci avvolgano le nostre membra, così, come accadde in quel lontano 1998.

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Il mio inizio settimana non è mai stato così garage. Due ore che son sveglio e già sono al terzo ascolto di quello che ho appena proclamato il mix migliore di Settembre. Dopo la colossale impresa di un mix dalla durata di due ore contenente quasi quaranta tracce che spaziano dalla post-dubstep alla chicago house, Jamie XX, uomo da sposare in previsione dei campionamenti che potrebbe improvvisare con gli utensili da cucina, torna più intimo e discreto con un’ospitata in quello che ormai è il Teatro Parioli delle nuove scene musicali, FACT Mag.
Poco più di trenta minuti che personalmente ho vissuto con la stessa intensità con cui si vive una visita di cinque ore alla National Gallery di Londra. Ah, a me piace andare per musei. Qualche brano inedito missato con delle re-edit di brani già famosi e tra questi un po’ di Elgato, un po’ di Dark Star, campionamenti di Rihanna e la voce di Romy Madley Croft. Tutto quello che di bello c’è al momento, a cui Jamie Smith ci ha sempre abituati.

Direct download: FACT mix 282 – Jamie xx
(Available for three weeks)

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Ho tentato di dare un senso a ciò, ma non ci sono riuscito. Voglio dire, i rockers californiani dovrebbero essere tipi tatuati con capelli lunghi e bruciature di sigarette sparse sul corpo, che nel bianco salone della villa a Laguna Beach hanno esposta una tela di Rothko affettuosamente da loro definita come “una cazzo di merda su una merda del cazzo”; dovrebbero perennemente vivere a torso nudo e con gli occhiali da sole, al limite dell’anafalbetismo. Invece ora mi ritrovo quei non-più-giovani dei Red Hot Chili Peppers in versione post-human con la cover del nuovo album in uscita ideata da Damien Hirst, l’artista contemporaneo meglio noto come l’imbalsamatore o ancor meglio noto semplicemente come Damien Hirst.
Sommando le carriere degli uni e dell’altro otteniamo mezzo secolo di colpi di testa, tra alti e bassi, di quelli eguagliati forse solo dalle spice girls col video di Wannabe. Gli elementi dell’artwork sono quelli tipici della produzione di Hirst, da più di venti anni impegnato tra formaldeide, insetti e medicinali, e per pura coincidenza proprio due di questi tre elementi citati compaiono sulla copertina dell’album I’m With You dei Red Hot, ovvero una mosca e una capsula contenente una miriade di micro pasticche. Uno scatto sterile e angosciante dal carattere iconico di cui i componenti della band, leggendo le opinioni rilasciate a riguardo, sembrano andare davvero fieri, come dire che nessuno è mai stanco di sentirsi raccontare ovvietà.
Ora, dato che la notizie di per sé ha già esaurito le proprie potenzialità, e dato che a nessuno interessa vivere un’esperienza revival attraverso la discografia dei RHCP, direi che sarebbe piacevol-didascalico, tuffarci in una carrellata random di robe concepite da Damien Hirst durante gli ultimi venti anni della sua carriera, a partire proprio dal celeberrimo squalo tigre.

– Diego Giovannettone

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Pensate che questa sia l’era del minimalismo asettico? Credete che in giro si abbia voglia solo di essenzialità? Vivete su un altro pianeta. Kanye West ha in serbo un altro pacco bomba da incartare e far scoppiare tra le mani della sobrietà. E stavolta ha degli alleati davvero spaventosi. Ma riordiniamo le cose.
Watch the Throne è il progetto che Kanye, il paladino dei caf, ha messo in piedi insieme a Shawn Jay-Z Carter, il rapper furbo con lo sguardo tardo; un lp registrato interamente a 4 mani dai due e almeno 8 occhi diversi a seduta, data la mania per gli occhiali da sole che contraddistingue entrambi. Il punto è che la storia poche volte ci ha regalato occasioni del genere, in cui poter ascoltare un’intera tracklist divisa tra due giganti della musica, e di certo l’album collaborazione tra Omarion e Bow Wow non rientra tra queste. Il giusto hype ha già preso fuoco attorno questo colossale progetto e ancora poco ci è dato sapere a riguardo. Conosciamo solo una prima traccia estratta dal Lp, H.A.M., magistralmente composta da un certo Lex Luger, classe ’91, famoso per non aver prodotto niente di famoso, in cui soavemente un rullo epilettico fa a pugni con inserti di canto lirico; la traccia l’abbiamo vista accompagnata da un’anteprima dell’artwork studiato per il Lp, a cura di Riccardo Tisci (direttore creativo della maison di moda Givenchy), chiamato a chiudere questo trio della non-eleganza.
Qualche settimana fa si vociferava di una possibile uscita a sorpresa dell’album il 4 Luglio, e nonostante i rumors siano rimasti tali, qualcosa si è mosso. Da ieri infatti sul sito della Island def jam, label dietro al progetto, è possibile pre-ordinare la propria copia di Watch the Throne, sia in versione Standard che Deluxe. All’interno del sito è inoltre apparsa quasi a dimensioni d’uomo la cover ufficiale dell’album, ad opera di Tisci, come già anticipato; una frizzante rappresentazione del gusto che incarna questa sfavillante triade, a metà strada tra Luigi XV e Gianni Versace, ma molto più coatta.
Radicalismi a parte, nel progetto saranno coinvolti nomi già frequentissimi nei lavori precedenti di Kanye e Jay-Z, come quello smilzo di Swizz Beatz e sua maestà No I.D., più guests quali la signora Carter, Beyoncé, e Bruno Mars.
Per seguire gli aggiornamenti ufficiali circa le avventure baroque-caf di Kanye e Jay-Z, basta dare un like alla pagina facebook del progetto.

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Finalmente può permettersele anche Kanye West le inquadrature a torso nudo senza dover ricorrere alla vecchia self irony, non come Rick Ross che ha bisogno di paragonare la sua cucina alla borsa di Chicago ogni volta che decide di togliersi la camicia.
Monster è, secondo i nostri calcoli, il terzo singolo estratto da quel testo sacro che My Beautiful Dark Twisted Fantasy è, ammesso che venga fisicamente estratto, ammesso che Power fosse conteggiato come primo singolo, ammesso che Runway fosse un secondo singolo e non solo una scusa per rimorchiare quel tocco di Selita Ebanks; in ogni caso il videoclip è tutto ciò che un rapper dell’Illinois può desiderare.
Jake Nava, il regista, che è un po’ il corrispettivo a stelle e striscie del nostro Gaetano Morbioli, e non solo per l’ampio ventaglio di clienti, ma più che altro per essere un ordinario petulante con diffusa maestria in ciò che fa, ha rielaborato una bella serie di clichè e cose già viste ma che in realtà non dispiace mai rivedere, ha piazzato slow motion quanto basta e nelle pause pranzo riguardava come guida un vecchio lavoro di Jonas Akerlund che non stiamo qui a citare per esteso.

Ma non è Kanye a petto nudo ad’attirare la nostra attenzione, tantomeno Jay-Z con la solita inadeguatezza nel muoversi a tempo col playback (tra l’altro se questo significa sfatare il mito che i neri hanno il ritmo nel sangue, credo sia il caso di aprire un tavolo di discussione riguardo al resto dei luoghi comuni sugli afro), è Nicky Minaj a ringalluzzirci, con una performance da circa un minuto e venti secondi che getta vergogna su qualsivoglia Lil Kim o Foxy Brown rappando un verse da bocca prosciugata e mostrando un re-verse da mano arrossata. Senza dubbio la prestazione migliore di Nicki, nulla a che vedere né col suo misero album di debutto né con l’abominevole quantità di featuring precedentemente realizzati. Un face-to-face tra la Minaj barbie e quella monster che oscura l’intera evoluzione dell’imbarazzante tema double diva fight brutalmente adottato dalle più grandi esponenti del pop, da Madonna a Victoria Beckham.

Certo il video lo conosciamo ormai tutti, essendo out già dalla fine dell’anno scorso, ma solo ieri è stata rilasciata la versione ufficiale (final cut), con uno strategico remark:

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“Non si butta via niente”. Che è un po’ la filosofia cardine dell’arte povera. “Non c’è abbastanza spazio per i giovani”. Che è un po’ il tumore dell’arte nostrana, e in senso lato dell’intera baracca nazional-popolare.

E allora quale modo migliore avrebbe potuto scegliere il MAXXI, torniamo a parlarne, per tuffarsi tra i luoghi comuni che ci animano se non quello di proporre un’epocale retrospettiva sull’opera del vetusto Michelangelo Pistoletto, meglio noto come “l’uomo che ti impedisce di guardare il film al cinema a causa dalla sua acconciatura tragicamente voluminosa proprio lì davanti a te” dell’arte italica. Sì, c’era una velata critica qui.

Il punto è che ogni istituzione museale italiana non sarà mai tale senza una degna esposizione di glorie dell’arte povera, questo movimento che per decenni, dalla metà degli anni sessanta, ha pompato sangue per la nostra scena artistica con indiscutibile carisma, ma che ora rappresenta un ingombro per le giovani e inibite generazioni.
Così il nostro Museo delle Arti del XXI secolo ha inaugurato lo scorso 4 Marzo una monumentale esposizione sul maestro Pistoletto che sfoglia i cataloghi dal 1956 al 1974, inglobando quel lasso di tempo che ha visto l’arte povera come dominatrice dei palcoscenici artistici di tutto il mondo e ripercorrendo i temi più vivaci della produzione pistolettiana.
Quindi troveremo la serie degli stracci, apoteosi delle filosofie del riuso, compresa la meravigliosa venere (non abbiamo mai espresso disprezzo verso l’operato di Pistoletto, sia chiaro, anzi lungi da ciò), piuttosto che i metafisici quadri specchianti, promessi in un allestimento da luna park in cui poter perdere ogni cognizione fisico-materiale.
L’esposizione, curata in collaborazione con il Philadelphia Museum of Art, rimarrà al MAXXI fino al 12 Agosto e se siam qui a parlarne non è solo per tornare a far critica circa le scelte del cda del MAXXI tese a fossilizzare nel passato un’istituzione nata per guardare al futuro, ma è anche e soprattutto per fornirvi spunti coi quali possiate nutrire la consapevolezza di far ancora parte di un colosso culturale che dopo aver cavalcato l’onda per secoli è arrivato alle soglie del terzo millennio ancora a testa alta grazie agli accattoni dell’arte povera e non solo (non dimentichiamo il grandioso movimento della Transavanguardia fondato nel ’79 e le ultime generazioni di artisti “scostumati”). Per il resto, magari, nei prossimi mesi quei nostalgici del camioncino Volkswagen a capo del MAXXI ci grazieranno di attenzioni alle nuove promesse italiane come Daniele Galliano o Maurizio Cannavacciuolo (citazioni da spocchia never without).

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Di sicuro ora va in giro con capi neo-gothic della Demeulemeester e citando Edgar Allan Poe ad ogni rutto. E’ maturata dai tempi delle ballate naive di Youth Novels, Lykke Li. O almeno questo racconta a chi le chiede se è maturata dai tempi delle ballate naive di Youth Novels. Ovvie verità insomma. Si descrive più noir e introspettiva, si confessa più consapevole e cosciente.

Wounded Rhymes è un album che ha il sapore della Scandinavia, è recitato da una Scandinava, è prodotto da uno Scandinavo, ma è registrato a Los Angeles, dove la giovane Li ha pedinato le ombre di Joni Mitchell e Neil Young, ha atteso invano un fortuito incontro con David Lynch e ha trascorso pomeriggi visionari e grotteschi guardando il film cult di Jodorowsky, The Holy Montain.
Ora anche la svedese dei nostri cuori, non Robyn, l’altra, ha il suo bel LP dove mostrarsi incazzata e cupa, e di certo non stiamo qui a darle torto, inibiti come siamo dalle inquietanti percussioni di Bjorn Yttling, il produttore; quello di mezzo dei Peter, Bjorn & John; quelli di Young Folks, loro.
Naturalmente Lykke Li potrà anche elencare tutte le più alte ispirazioni alle quali ha tenuto fede per questo suo secondo lavoro, ma il nostro orecchio lo percepisce in assoluto come l’album post-Salem, post- witch wave in cui il synth-rumorismo della band del Michigan è stato sostituito da un’overdose in drum machine, a tal punto che nel brano di chiusura Sylent My Song, il ridondare della parola “sylent” quasi suggerisce un accostamente fonico con la parola “Salem”. Roba da maniaci dell’occulto.
Psichedelismo noir e atmosfere da conifere lapponi infestate da troll e renne o altri esseri immaginari, momenti di compenetrazione naturalistica e nostalgie random.
Un clima così nordico da essere quasi polare, come se in Love Out Of Lust Lykke cantasse seguita dall’eco prodotto nella cupola di un igloo o come se I Follow Rivers fosse accompagnata da uno xilofono composto da stalattiti di ghiaccio.
Quella giusta dose di minimalismo da straccioni intellettuali e la fermezza di poter seguire lungo tutta la tracklist un unico filo conduttore, che leviga ogni singolo brano e lo modella come un anello di una catena più lunga. Poche le concessioni al di fuori del registro comune, Bjorn mette a stecchetto la svedese e al massimo le concede un accenno di blues sincopato, Get Some, o in apertura, You Knows No Pain, le offre di giocare con una tastiera che ci ricorda un po’ lo psychedelic rock degli Iron Butterfly e la solenne In A Gadda Da Vida (il brano che Bart Simpson fà cantare in chiesa ai cittadini di Springfield facendo collassare la vetusta suonatrice di organo, nell’episodio “Bart vende la sua anima”, per intenderci).
Se al termine dell’ultimo brano vi sarete tramutati in omaccioni con la barba bionda, sudorazione eccessiva e il maglione con fiocchi di neve ricamati, sarà perché Lykke vi avrà davvero travolto.

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Anni ’10 del ventunesimo secolo. Quell’Italia, che rimpiange i tempi delle avanguardie in cui poteva vantare di essere se stessa in una contemporaneità proiettata ai futurismi, ostenta con affanno una voglia di rivalsa nei confronti di quel panorama che ancora sente di poter dominare. Oggi sceglie di tornare alla ribalta al fianco delle nuove potenze culturali promuovendo a larga scala le attività del neonato MAXXI, il museo delle arti del ventunesimo secolo, appunto.

E proprio da questo legame legittimo nasce quella che, a quasi un anno di distanza dalla propria inaugurazione, rappresenta in realtà la prima e vera operazione del MAXXI rivolta alle generazioni degli anni ’10, dato che, facendo un primo resoconto delle attività promosse, pare che il nuovo fiore all’occhiello della cultura italiana effettivamente sia specchio della nostra tipica capacità di promuovere con furore e dimenticarci poi di agire, almeno questo è quello che mi suggerisce un calendario di eventi ed esposizioni che sceglie di ripiegare su generazioni dell’arte e dell’architettura italiana ormai estinte, anagraficamente perlomeno.

Ad aggiudicarsi la competizione per il piazzale del MAXXI è il giovane studio romano stARTT (fondato nel 2008 da due architetti classe ‘78), che ha proposto un arcipelago immaginario composto da isole mobili, da disporre con configurazioni differenti a seconda delle necessità e degli usi. WHATAMI è il nome del progetto che invaderà da Giugno per tutti i mesi estivi il piazzale intitolato ad Alighiero Boetti, l’artista famoso per le sue mappe geografiche, alle quali un po’ l’arcipelago di stARTT strizza l’occhio. Questo paesaggio artificiale sarà inoltre costellato da fiori giganti in grado di fornire ombra durante il giorno e luce di sera, ma anche acqua e musica. L’allestimento prevede un doppio processo di riciclo: le colline saranno realizzate prevalentemente con materiali di riuso e, dopo lo smontaggio, saranno donate al quartiere per essere riutilizzate, insieme con gli elementi luminosi.

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Naturalmente il confronto tra i problemi sorti sui due cantieri si rivela l’ennesimo gesto mortificatorio per il nostro paese. Parigi infatti lotta impugnando ideologie e diritti fondamentali, data l’urbanizzazione selvaggia, per contrastare la nascita dell’ennesimo sfarzo architettonico in un territorio sempre più mancante di verde.
Mentre Roma, ecco, Roma è semplicemente l’ultimo esempio di quel torpore burocratico che ormai ha sostituito il mandolino nella triade dei simboli genuinamente italiani. Il caro Frank Gehry, poco avvezzo ai “No”, vede così sfumare la sua nuvola con la facilità che appartiene alle cose evanescenti e impercettibili sotto le sbuffanti polemiche dei parigini, sostenuti dall’amministrazione comunale. 

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Robert Gligorov – Guernica

E’ solo l’ultimo episodio, triste e sconfortante, di una tormentata storia d’amore tra il comune di Milano, ma non solo, e la maleducazione dilagante dell’arte contemporanea.

In principio furono le discutibili scelte artistiche della Fondazione Trussardi, poi arrivò l’uragano Sgarbi e la sua mostra omo-friendly e più recentemente Cattelan e il suo bisogno impellente di mandare tutti a quel paese con l’installazione L.O.V.E.; ora a ricoprire il ruolo di eretico nella città dei perbenismi arriva Robert Gligorov, macedone illuminato, riflessivo e fulmineo a cavallo tra i concettualismi delle installazioni e la cruda passionalità della body art.

H20

Dal 25 Gennaio il Pac di Milano apre i suoi spazi per una personale dedicata al discusso artista che qui, nella città in cui vive e lavora, ha incontrato difficoltà che neanche il pubblico più ostile gli ha riservato inciampando in quella pratica abominevole che i burocrati chiamano “Censura”.
Guernica è un muro lungo 15 metri e alto 5 completamente ricoperto di carne animale, bistecche insomma; H2O è invece un acquario che al suo interno, come una matrioska, contiene una voliera con uccelli vivi. Ecco le serpi che hanno fatto inorridire i buon governatori della metropoli cosmopolita. Fa sorridere sapere che entrambe le installazioni hanno già dovuto rapportarsi con l’opinione pubblica essendo lavori esposti in precedenza, la prima a Firenze e la seconda a Madrid; ma Milano no, non può accettare.
La solita associazione animalista di turno e l’autorevolezza dell’Asl non potevano non unirsi al coro di sconcerto montato dal Comune per quelle fette di carne destinate sì a marcire entro tre giorni, ma, con tecniche neanche troppo sofisticate, promesse ad una vita più lunga e dignitosa, corredata dalle buone intenzioni di voler indirizzare poi le carni ad un canile comunale, terminata l’esposizione.
Altisonante e irremovibile, il No dell’amministrazione ha un sapore amaro: si faccia pure questa personale di Gligorov al Pac, ma quei due mostri dovranno essere abortiti.
Mi raccomando, dite a Lady Gaga di non indossare assolutamente il suo abitino di bistecche in un ipotetico incontro col sindaco Moratti!

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Prendere la morte e tradurla in lusso.

Ci è riuscito Damien Hirst rendendo glamour un teschio umano attraverso la meticolosa incastonatura di diamanti da milioni di dollari con l’opera For The Love of God, ormai famosa tanto da meritarsi una propria pagina su Wikipedia. Quattro anni fa il più quotato esponente dei non più giovani YBA (Young British Artists) rinfacciava così al pubblico una fragilità terrena in perenne contrasto con la gloria della morte; oggi lo rifà, ma stavolta in modo più cinico e agghiacciante, scomodando quei puri sentimenti di tutela verso l’infanzia umana.

Heaven’s Sake è il titolo della nuova creazione di Hirst, il teschio di un neonato di soli quattordici giorni, anche stavolta, travolto dai diamanti, i più puri, ottomila per l’esattezza. L’infinita perpetuazione della morte entra in collisione con la delicata imperfezione dell’infanzia.
Dal 18 Gennaio la Gagosian, già incontrata parlando di Vezzoli, espone in anteprima questo gioiello di tecnica e provocazione nella neo-augurata sede di Honk Kong. Inutile elencare le associazioni di genitori, tutori ed’estimatori vari dei diritti della minore età, e in senso più lato del buon senso, che già hanno urlato allo scandalo.

Ma Damien Hirst non è solo mera provocazione. Nella stessa mostra, Forgotten Promises, interamente dedicata al fenomeno britannico, sono esposti altri lavori in qualche modo legati al sadico realismo col quale l’artista tratta il tema della caducità terrena. Butterfly Fact Paintings è una serie di dipinti che catturano l’estrema bellezza e delicatezza delle farfalle, icona rimbombante nella carriera di Hirst, ossessionato dalla debolezza in ogni sua forma. Le tele sono realizzate con un iperrealismo degno del più accademico Chuck Close e con inquietante cura dei particolari più scientifici. Un trionfo di pura esteticità che nasconde risvolti di natura paranoica e morbosa.
L’esibizione, giusto per citare anche solo per patriottismo un nome italiano in ambito d’arte, è corredata da un catalogo ideato dal curatore-star, figlio tronfio del proprio tempo, Francesco Bonami, contenente un’intervista al divo Hirst. Bonami, per amor di cronaca è giusto renderlo noto, ha inoltre curato l’esposizione in corso dell’opera For The Love of God al Palazzo Vecchio di Firenze, aperta fino al primo maggio prossimo.

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Lontano dal cinismo e dalle cialtronerie di Cattelan, l’Italia dell’arte contemporanea è rappresentata nel mondo da ben altra figura. Icona del provincialismo, decadente, portatore sano di retaggi barocchi, omosessuale e conseguentemente dotato di buon gusto e sensibilità. Francesco Vezzoli incarna oltre i confini del bel paese lo stereotipo del neo-d’annunziano colto ed effimero, narcisista e ossessionato dalla vacuità.

A differenza del suo antagonista sulla scena mondiale, Cattelan ovviamente, ha un rapporto morboso con la propria cultura, ossessionato dal passato, Vezzoli non muove un passo senza dare uno sguardo indietro. Rema contro le dottrine dei nuovi figli della contemporaneità, senza terra e senza storia.

Un dandy al servizio della cultura popolare.

I divi dello star system, lusingati dal modo tutto italiano col quale Vezzoli sa essere ruffiano e calamitante, sono disposti a concedersi gratuitamente alle stravaganze del talento bresciano, sperimentando nuovi approcci al teatro di Pirandello o al cinema di Tinto Brass, inconcludenti per rispetto ai temi della futilità dell’arte.

Erudito, sfacciato e terribilmente vulcanico com’è, non poteva che essere protegè della galleria d’arte più prestigiosa al mondo, la Gagosian, già madrina di colossi come Damien Hirst e Jeff Koons. Quest’anno, per la prima volta nella sua carriera, Vezzoli avrà l’opportunità di esporre una propria personale nella grande mela.

Sacrilegio è il nome del progetto che metterà in scena dal prossimo 5 Febbraio nel quartiere Chelsea di NY in cui proporrà la propria idea di santità rileggendo l’iconografia sacra rinascimentale puramente italiana attraverso le vergini di Giovanni Bellini, Sandro Botticelli e Leonardo da Vinci rivisitate e sostituite coi volti delle top model idolatrate dalla cultura contemporanea. Claudia Schiffer, Tatjana Patitz, Linda Evangelista, Stephanie Seymour, e Kim Alexis vestiranno, nelle stampe di Vezzoli, i veli di Maria nella re-interpretazione in chiave pop del fervore religioso nostrano.

La Gagosian prenderà così le sembianze di una cappella cinquecentesca, come nuovo tempio di una devozione tutta italiana, sospesa tra le millenarie icone della religione e quelle usa e getta dell’industria dell’apparire.

In uno spazio separato, battezzato come La Cripta della Memoria, verrà presentata una video installazione dai toni autobiografici nella quale Vezzoli riproporrà una vergine col bambino del Pinturicchio ripensata per ritrarre se stesso e sua madre. Uno slancio nostalgico che corona la genuina popolarità della figura di Francesco Vezzoli, così autentico e pomposo, melodrammatico e passionale, figlio di Visconti e Pasolini.

Opulenza, Tradizione, Fragilità. La Pop Art ha incontrato il Rinascimento.

Leggi il comunicato della Gagosian qui.

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