Baba Stiltz è passato da Milano e gli abbiamo fatto qualche domanda.
Perché?
Perché è sempre interessante provare a carpire nuove informazioni su questo artista; uno dei personaggi più eclettici della scena contemporanea, timido e introverso, ma profondo e scalmanato dietro alla consolle.
Di lui ci attira un po’ tutto: i capelli lunghi improbabili ma che a lui donano, una discografia pazzesca che ci ha fatto scoprire suoni nuovi e un modo di comunicare diverso e trasversale.

Debutta nel 2011 sulla label svedese Flogsta Danshall e due anni dopo inizia la collaborazione con l’amico Samo DJ sulla sua Born Free Records; insieme faranno altri tre dischi, l’ultimo uscito poco tempo fa.
La scena elettronica mondiale e la storia storia di Baba ci suggeriscono anche che la consacrazione ad artista internazionale è avvenuta in seguito all’alleanza stretta con Studio Barnhus, etichetta fondata dai celebri Kornél Kovàcs, Axel Boman e Petter Nordkvist.

Studio Barnhus è una label fondata a Stoccolma da concittadini di Baba, di conseguenza non è difficile immaginare come in poco tempo questa nuova house proposta dalla città scandinava sia divenuta nel mondo “Sound of Stockholm”.
Baba Stiltz stravolge dal 2011 i canoni stilistici della house, fondendola con nu disco, downtempo e vibrazioni sperimentali. Gli piace far ballare perché è il primo che vuole farlo quindi i suoi dj set a volte sorprendono per quanto siano energici ed acidi.

Gli abbiamo fatto qualche domanda in occasione della sua data al Dude Club a Milano.

What’s the track that symbolized your first encounter with electronic musical and cultural scene?

Can you name us a track you like from the catalogue of Stockholm techno scene?

And house one?

A track synonym of nu-disco sound?

Your favourite downtempo bomb?

Can you give us a track which describes best Studio Barnhus?

Name me a track that for represent the sound of the future

Is it any acid track that keeps inspiring you in your productions still today?

An old school track to finish off your set

A track to dedicate to Samo DJ

A track you received as demo and you went mad for it
somesan – no pressure

L'articolo Baba Stiltz è passato da Milano e ci ha raccontato la sua collezione di dischi proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

I Vessels non hanno bisogno di presentazioni.
Non siamo i soli a definirli una delle band pop electronic più importanti della musica contemporanea.
Lee J Malcolm, Martin Teff, Peter Wright, Tim Mitchell e Tom Evans non rilasciano spesso interviste: prendiamo quindi questa occasione come una prova di quanto sia importante per loro il quarto album The Great Distraction, uscito il 29 Settembre per la Different Recordings.

Il 28 Settembre è uscito il video di “Mobilise” con protagonisti gli stessi membri della band insieme al campione britannico di Jet Ski. Le riprese sono state fatte alla foce del fiume Tamigi e alla fortezza di Red Sands. Queste torri armate stendono un’ombra minacciosa sulla scena e la traccia al tempo stesso risuona come una chiamata alle armi per uno scontro imminente in un’ambientazione futuristica ed inquietante.
“Mobilise”, ci dicono i ragazzi, è il cuore del disco per via delle sue poliritmiche imprigionanti che rievocano un senso di malinconia e il desiderio di continuare a sperare.

Ciao ragazzi,
prima di tutto piacere di conoscervi. Quasi scontato dirvi che sono un vostro grande fan. Trascorsa una giornata intera con il vostro album in cuffia, mi sono venute in mente alcune domande oltre a quelle che avrei voluto farvi da sempre.
A mio avviso è il miglior album dei Vessels e uno dei migliori del mese.

Tom, inizio da te, chiedendoti se consideri ancora la vostra musica come “Live Dance Music”, definizione data da te qualche anno fa, o se ritieni che dietro a questo disco ci sia qualcosa di più.
Tom: Sì, questa definizione combacia ancora con quello che stiamo facendo ora. Potremmo anche definire le nostre produzioni come “live electronica” perché alcuni brani di questo album sono molto introspettivi e meno da dancefloor, ma penso comunque siano due definizioni interscambiabili.

Chi scrive di musica spesso è interessato a conoscere le influenze musicali dietro ad ogni uscita, io sarò uno di questi, ma vi chiedo se ognuno di voi può indicarmi una band, un produttore, una traccia o semplicemente una scena musicale in particolare, che ritiene esser stata essenziale per incanalare le energie giuste che hanno poi portato alla realizzazione di The Great Distraction.
Tom: Tim Hecker, perché riesce a creare con la sua musica un’atmosfera particolare, quasi tangibile e al tempo stesso ti fa vagare anche con la mente.
Il suo sound è impeccabile, denso e incredibile.
Tim:  Caribou – Our Love. Caribou e la sua band rappresentano per me un punto di riferimento per l’abilità con cui usano i synth, le percussioni (sia suonate sia come sample) e vocals, con un incredibile varietà di pezzi che si adattano al dancefloor ma al tempo stesso ti scaldano il cuore.
Lee: Rival Consoles – Night Melody. Mi perdo in questo disco. Le ritmiche e i beats che contiene ti lasciano senza parole.
Martin: Erik Luebs, perché nelle sue produzioni la precisione e il virtuosismo incontrano l’imperfezione e la fragilità umana.
Pete: Kamasi Washington – Truth. Ancora meglio sentirlo live!!

Tom, durante un’intervista hai affermato che la musica contemporanea non ha bisogno di essere rilasciata su formati fisici, ma questo album è uscito in vinile.
Penso che ascoltare la musica in vinile sia un’esperienza totalmente differente, direi un rituale e ci si concentra molto più sul processo d’ascolto di quanto si faccia nel caso di un file audio. La musica, insieme a molti altri elementi che compongono il background culturale dell’uomo, ha perso potenza ed è facile che passi inosservata per via della sua onnipresenza, ma la rinnovata popolarità dell’ascolto del vinile potrebbe bilanciare le cose, effettivamente.

Avete coinvolto molti artisti. Perché proprio loro?
Tom: Nel caso di Katie Harkin posso dire che è un’amica da diverso tempo, figura di spicco della scena musica a Leeds e la sua voce era perfetta per il sound di “Deeper In A Sky”.
Siamo grandi fan di The Flaming Lips e quando hanno accettato di collaborare ci siamo sentiti tutti e cinque sulla luna. Vincent Neff e John Grant hanno sempre scritto delle canzoni bellissime e l’hanno fatto anche per noi.

Quarto album, ragazzi. E’ stato difficile trovare le energie per questo capolavoro o tutto è venuto da sé?
E’ stata dura, non ti mento! Avevamo in mano il 90% del disco un anno prima di avere i master e abbiamo impiegato un altro anno ancora per raggiungere quel 10% che ci mancava. Penso sia uscito un ottimo disco, ma gli ultimi mesi sono stati faticosi.

Quando vi siete accorti che eravate sulla strada giusta?
Tom: Se devo scegliere un momento, direi quando abbiamo sistemato la track list nell’ordine giusto. In quell’istante ho capito che c’eravamo.

Ho visto che avete allestito un live show particolare.
Tom: Si abbiamo curato noi le luci, usando l’Infinity Mirror e programmazione sincronizzata LED, il tutto comandato via Ableton Live durante la nostra performance, per migliorarla e arricchirla di dettagli.

Cosa ricordate del vostro album di debutto?
Tom: Ricordo che eravamo molto ispirati dalla storia del Pachyderm Studio, in Minnesota, dove l’abbiamo registrato. Io ero ossessionato dai Nirvana e dal loro “In Utero” che è stato registrato sempre là, e per me è stato un successo anche solo stare tra quelle mura. Ricordo ancora l’emozione che ho provato quando Lee ha collegato tutti i nostri pedali per dare la giusta sfumatura alla nostra “Walking Through Wals”.

Siete voi a scegliere il nome dell’artista che apre i vostri concerti o è qualcosa di cui si occupano altre persone?
La performance che ci precede deve essere di un artista in grado di creare il giusto mood e ci deve piacere musicalmente ovviamente, ma spesso l’aspetto cruciale da tenere in considerazione è quanta strumentazione questo o questi si portino dietro perché il nostro setup è piuttosto ingombrante e sarebbe complicato e stressante rimontare tutto poco prima del nostro inizio. Quindi deve essere un live set conciliabile con la nostra strumentazione già sul palco, senza ulteriori modifiche o cambiamenti.

Non mi piace parlare al posto degli artisti, quindi chiedo direttamente a voi che cosa è cambiato dall’ultimo disco dei Vessels.
Allora, il nostro Lee si è dato alla sintesi modulare e questo penso si noti in questo album anche perché è lui per lo più che scrive i brani. Non abbiamo modulari sul palco, ma molti suoni saranno fatti dal suo Eurorack.

Lo slogan di questo disco?
“Making noise from light in dark times”, penso sia appropriato!

Cosa fate tutti insieme quando non siete i Vessels?
Mangiare, bere qualcosa insieme, andare a ballare, condividere molta musica, giocare ai videogiochi, guardare film, stare con i nostri figli e disperarci per quello che accade nel mondo.

Il mio evergreen: tre nomi di remixer e perché.
Dark Sky, perché sono i numeri uno.
Bicep, per la loro capacità di produrre dance music.
Four Tet, perché tutto quello che tocca Kieran diventa oro. Non ho mai ascoltato un suo remix che non mi sia piaciuto.

Ci siamo incontrati tempo fa all’Ex Diurno, a Milano. Non siamo riusciti a prenderci una birra. Ho qualche possibilità la prossima volta?
Tom – Certo! Speriamo di tornare in Italia il prossimo anno!

L'articolo La nostra intervista ai Vessels proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

L’8 Settembre 2017 usciva Solchi (Fresh Yo / La Tempesta International), il terzo disco di Godblesscomputers a sei anni dall’inizio di questo progetto.

“Legno, metallo e microchip”: partiamo da questa definizione coniata dallo stesso Lorenzo tempo fa.
Il disco Solchi, così come i precedenti, è uno storytelling musicato, un percorso autobiografico in cui i suoni hanno sapori, profumi, colori e sensazioni che appartengono a Godblesscomputers e a lui soltanto. Noi ascoltatori siamo visitatori attratti, incantati e a volte imprigionati in queste bolle di ricordi in cui ci piace cercare qualcosa di noi e al tempo stesso immaginare qualcosa di lui.

Lorenzo, per gli amanti della scena elettronica made in Italy, non è certamente un nome nuovo, direi piuttosto un’autorità.
Nada nasce a Ravenna, passa da Bologna, dopo una parentesi berlinese di cui poi ci parlerà lui stesso, per poi tornare nel capoluogo emiliano.
Il suo mondo fatto di elettronica, hip hop e black music piace agli addetti ai lavori, al pubblico e alla stampa. L’Italia nel suo live ha trovato un prodotto musicale completo, raffinato e puro. Senza fronzoli e sovrastrutture, senza finzioni o adattamenti.

Al telefono riconosco lo stesso ragazzo educato, disponibile, chiaro e preciso che aveva descritto Francesco Abazia tempo fa, sempre su dlso.it.
Veleno era nostalgico, Push and Safe era il disco sull’ossessione umana di controllare ogni singolo segmento della nostra vita, Solchi invece è l’album dei ricordi, un bilancio sul presente e passato.
Qui di seguito la nostra chiacchierata.

Ciao Lorenzo,
quasi un mese fa hai pubblicato Solchi. Ci aiuti a capire cosa c’è dietro a questo disco?
In questi due anni ho ascoltato poca elettronica e mi sono concentrato su roba vecchia, ascolti passati. Molto jazz per esempio.
Ho riscoperto molti classici della Golden Age, gli anni Novanta; mi hanno influenzato e ispirato parecchio nell’attitudine.
Ci sono dischi fondamentali che fanno parte della mia collezione come quelli di Mobb Deep, Tribe Called Quest. Quel sound molto monolitico ed essenziale che poi da ragazzino non ascolti veramente bene. Ho anche acquistato molti classici se non li avevo.
E’ un disco eterogeneo però nonostante abbia toccato vari territori, il modo di comporre e alcuni elementi sono ricorrenti e caratteristici del mio processo creativo.
Nei miei pezzi cerco sempre di condensare le mie emozioni e sensazioni. L’elettronica è il mezzo che più mi aiuta a trasmetterle, anche se in realtà preferisco parlare di produzioni piuttosto che di elettronica. Elettronica vuol dire tante cose, io preferisco parlare di elementi sintetici, perché poi quello che faccio contiene anche tanta roba che appartiene ad alto, che poco centra con l’elettronica; bassi, chitarre e fiati.
Elementi suonati e samples in stile hip hop.

Chi è Lil O?
E’ una persona che mi conosce molto bene. Intorno a me. Le ho chiesto di scrivere io qualche riga su quello che ha visto e sentito ascoltando Solchi e le ho inserite nella traccia Brothers, la prima. E’ una poesia ma anche un manifesto che si amalgamava benissimo nel brano, che contiene tutti gli elementi ricorrenti nell’album, quindi ritmiche hip hop, samples, pianoforte elettrico… E’ un brano che mi rispecchia tantissimo e volevo renderlo un punto di riferimento nel disco inserendo questa poesia.

Descrivendo la traccia Adriatica, ti sei immaginato una scena di un film girata lungo il litorale. Questo disco secondo me si presta molto al mondo cinematografico, sei riuscito a visualizzare il tipo di film al quale Solchi si presta?
Il disco ha tanti momenti e tante storie. Più che un unico film, riesco a visualizzare diversi videoclip per ogni brano.
Adriatica è un pezzo con suggestioni non tanto cinematografiche secondo me. Io mi immagino più un videoclip girato con un drone su questa spiaggia deserta, nel tardo pomeriggio.
Con Just Slow Down mi sono immaginato invece un viaggio nel tempo ed è poi quello che abbiamo cercato di realizzare nel videoclip.
Ti posso dire che ci saranno altri contenuti in uscita legati ai brani e non ti nascondo che mi piacerebbe lavorare molto in questa direzione per il futuro; insonorizzare le immagini per esempio. Sarebbe un’esperienza del tutto nuova e partire dalle suggestioni delle immagini per arrivare alla musica è una cosa che mi affascina molto.

Hai coinvolto molti artisti per questo disco. Ci parli della collabo con Inude?
Con loro ho un rapporto d’amicizia e di stima. Non abbiamo mai realmente condiviso lo stesso palco, ma sono venuti a sentirmi spesso e io ho fatto lo stesso.
Quando c’è feeling, se c’è una bella energia come in questo caso, ha senso sfruttarla per fare qualcosa. La loro musica è molto distante dalla mia: è un sound più freddo, acido, evocativo. Io ho sonorità più soul ma sono persone con cui mi trovo bene perché credono davvero in quello che fanno quindi chiudersi insieme in studio è stata una conseguenza naturale.
Il brano che abbiamo composto forse si distanzia leggermente dagli altri, anche per
questo ho deciso di metterlo per penultimo.

Una figura importante nella stesura di Solchi?
Giulio Abatangelo, bravissimo musicista con un background jazz. Suona chitarra e basso. Sarà con me sul palco per il nuovo live concepito per questo tour, in cui suoneremo sia brani nuovi sia quelli degli anni precedenti. Saremo un trio, a tutti gli effetti una band.
Abbiamo trascorso l’estate in saletta ad aprire i brani, smembrarli e donare loro anche una nuova energia proprio in chiave band. E’ una direzione naturale del progetto Godblesscomputers.

Mi sembra che dietro al disco e in generale al progetto intorno a questo, ci sia uno sforzo maggiore rispetto gli anni precedenti.
C’è molta più attenzione al groove, intendo lo scheletro proprio del disco; le batterie, i giri di basso. In Plush and Safe erano più dei sub bass che ti colpivano allo stomaco, lavorati con i compressori. In Solchi molti bassi sono suonati, anche con sintetizzatori, sviluppando una linea armonica all’interno di ogni giro di basso e questa è una novità per me, non mi ero mai concentrato più di tanto su questo aspetto.
Riccardo Cardelli in questo mi ha ispirato tantissimo; è un artista incredibile con un approccio molto fisico alla musica.

Riccardo Cardelli lo seguo anche io. Un musicista molto talentuoso ed un tuo caro amico vero?
Certo. Ho citato lui, prima Giulio ma tutti gli artisti coinvolti in generale, sono persone con le quali mi trovo benissimo in primis a livello umano. E’ questo quello che conta quando vai in studio. Io sono una persona tesa di mio quindi ho bisogno di essere a mio agio con chi condivido lo studio.

Solchi è un’altra testimonianza della tua collaborazione con Fresh Yo. Ma alla luce anche di quanto detto prima, ti piacerebbe anche trovare qualcosa fuori dall’Italia?
In realtà ho avuto contatti all’estero, realtà anche parecchio grosse. Ci ho parlato a lungo con queste persone. Volevo capire cosa avevano in mente loro.
Alla fine ho preferito continuare con persone con cui ormai un rapporto vero, genuino.
Fresh Yo comunque sta spedendo copie del disco in tutto il mondo.
PIù che un discorso di etichetta però, a mio avviso sono importanti la comunicazione e la distribuzione del disco ed è proprio per questo che avevo bisogno di persone vicine e che mi conoscono bene.
E’ triste pensare che se si voglia uscire dall’Italia, sia necessario appoggiarsi a realtà straniere. Io cerco di produrre la mia musica qui, tessere rapporti veri con le persone con cui lavoro e crescere tutti insieme.
E’ vero che all’estero ci siano realtà più radicate, in Italia a volte gli addetti ai lavori sono scollegati tra loro…
Comunque i risultati stanno arrivando: avremo una data molto importante a Londra, a Dicembre.

Più volte mi sono chiesto perché la tua musica si sia avvicinata poco alla dimensione del club. Per me questa tendenza è da rimproverare alla scena italiana.
La tua musica si presta a concerti, ma anche a molte altre situazioni.
Io sono soddisfatto dei risultati ottenuti e ti dico non mi sento tanto da club. Sono un artista da palco, da concerto. Penso che la mia musica non possa piacere neanche più di tanto a chi frequenta i club, poi magari mi sbaglio. Io mi sento da un’altra parte, ecco.
Le mie ambizioni sono solo quelle di fare musica sempre migliore, non seguire le mode e fare cose che mi rispecchino. Questo per dire è un disco che non avrei mai fatto quando ho composto Veleno.

Chiudiamo tornando indietro nel tempo. Cosa facevi a Berlino nel 2011, quando hai iniziato il progetto Godblesscomputers?
Ero programmatore informatico presso una Web Agency, fresco di studi. Sono partito perché avevo questo aggancio lavorativo, ma anche spinto dalla curiosità di vivere in un contesto particolarmente creativo. Ci ho vissuto quattro anni ed è stata una bella esperienza.

Ripensamenti?
No, è stata una mia scelta, dettata da motivi personali. Una volta tornato mi sono concentrato sulla musica e poi è iniziato tutto…

L'articolo Al telefono con Godblesscomputers proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Dal 24 al 30 Settembre a Ragusa si terrà la terza edizione di FestiWall, il festival dedicato all’arte pubblica più a sud d’Europa.
Questa manifestazione nasce intorno al desiderio di portare a Ragusa, una delle cittadine più belle della nostra Sicilia, il meglio della Stree Art, facendo attenzione a rappresentarla in tutte le sue sfumature.
FestiWall è un evento culturale che per il terzo anno consecutivo interverrà sulla città stessa.

In che senso?

La cinque opere murali realizzate per questa edizione da altrettanti artisti di rilevanza mondiale, si sommano infatti ai dieci muri dei due anni precedenti, dando così la possibilità alla Street Art di colorare la città, arricchire il territorio e contribuire al fermento culturale di Ragusa.
In quest’ottica non è certamente fuori contesto ritenere FestiWall un vero e proprio motore della Street Art, al tempo stesso un appuntamento importante per gli abitanti della città e territorio circostante. Un esempio di contaminazione culturale, quanto di una Sicilia che giorno dopo giorno si apre sempre di più al mondo.

Ragusa accoglierà l’iperrealismo dell’australiano Guido Van Helten, la complessità dal gusto meccanico del francese Zoer, lo spagnolo Sebas Velasco, l’astrattismo caldo del nostro connazionale Gue, Marat Morik dalla Russia e Dulk, un altro spagnolo abile a confondere il confine tra realtà e fantasia.

Noi di DLSO.it siamo orgogliosi di essere media partner di questo festival, per quanto riguarda i contenuti musicali; FestiWall ha infatti affidato ai ragazzi di Ortigia Sound System Festival la direzione artistica del closing party.
Per l’occasione sono stati scelti i nostri amici Stump Valley, i local heroes Andrea Montalto, Cheval e Salvatore Porto.

Ospite d’onore Damiano Von Erckert, che si è gentilmente offerto per un’intervista un po’ diversa dal solito.

What’s the track that symbolized your first encounter with this musical and cultural scene?
There’s not THE track but something like Tralopscinor – Always Did, Always Will or The Order – Untitled [X-Ray]

You live in France now, can you name us a track you like from the extensive catalogue of French old school?
Well I have to name at last 3 tracks here which could stand for french sound but obviously those are just 3 of many wonderful tracks I know:

But there are also groups such as Cortex and incredible Pop music from France.

Have you been playing any hip hop tracks in your dj set that has set any european dancefloor on fire?
Not just one but one to mention is surely A.D.O.R. – One For The Trouble (1994) not just because of the famous house re-edit, his flow but also the message which is still current.

Do you reckon that this lo-fi house scene refers some how in hip hop? If so can you give us a lo fi track which describes best this similarity?
This so called lo-fi house is just a rough sounding version of dance music and refers as every other modern music to Jazz which is very simplified said a fusion of african drum rhythms and european classical harmony structures.

Hip hop has always been a tool for social protest. A movement that starts from the bottom of the society. Can you think of any techno or house tracks with a strong social meaning or that can somehow have played the same role of a certain kind of hip hop?
As Jazz and its poetic aspects Techno, House and Hip Hop used to be and partly still is a movement against establishments and mass consumption. You can take hundreds of songs from the mid of 80s till mid/end of the 90s wether it’s House from Chicago which for example spread the message of sexual equality or Techno from Berlin which stood for freedom. Underground stands for unity. One big Hit here and its message (unfortunately) describes still the current situation of the world is Joe Smooth – Promised Land

Name me a track where jazz and hip hop blend together perfectly
Strange love by Haruomi Hosono

This track contains many elements of jazz and rap. We should all try to check the lines inbetweeand stop thinking in genres or stigmata. Everything’s too serious.

It is any hip hop track that keeps inspiring you in your productions still today?
A lot but one album to mention is The LP by Large Professor.

An old school track to finish off your set
The Countach – Aqua Marina (Paradise Mix)

A track to dedicate to Mall Grab
Haha. Well… Jordan is for me like Paul Johnson – Welcome To The Warehouse

A track for DLSO readers
Wyndell Long – She

L'articolo Damiano Von Erckert ti prepara al FestiWall di Ragusa proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Incontro i Mount Kimbie all’Ortigia Sound System Festival. Dom e Kai arrivano con il loro tour manager di due metri, sono un po’ stanchi ma ci mettono poco a riprendersi quando vedono la cena che lo staff ha ordinato per loro. Kai sportivo con la maglietta grigia della Champion x Wood Wood e Dominic in camicia a quadratini verdi e neri.

Nel 2013 avevamo intervistato i Mount Kimbie di Hotflush, dell’era Uk Techno, della diatriba sulla post-dubstep; quando dal loro piccolo studio erano passati ai grandi palchi e la macchina mediatica intorno a loro si era appena messa in moto.
Oggi abbiamo due artisti maturi che quattro anni dal loro ultimo album, presentano “Love What Survives“, di cui sta già parlato tutto il mondo.
“Love What Survives” è il titolo, ma suona più come una sentenza.
Synths vintage e korg (MS-20 e Delta); gli ingredienti impreziositi di volta in volta dalle doti artistiche di James Blake, Andrea Balency, Micachu e King Krule.
Kai a Londra da sempre e Dom dal 2016 a L.A. ma la voglia di fare musica insieme ha vinto sulla distanza, che è invece diventata il punto di forza di questo album.
Come mi dicono fin dall’inizio, spostarsi continuamente da uno studio all’altro li ha “costretti” ad incanalare le proprie energie su ogni singola traccia, piuttosto che preoccuparsi di mantenere lo stesso mood in tutto il disco. Si sono poi resi conto che era il modo giusto di lavorare, quello che cercavano e grazie a questo mutamento di prospettiva il disco ha tutta un’altra forza.
Mentre iniziamo a parlare ho ancora in testa “Blue Train Lines” con King Krule che si supera per l’ennesima volta e i ragazzi confermano il suo talento assoluto, destinato a brillare a lungo. Pensando ai due features nel disco con James Blake, chiedo se in questa occasione avessero dato indicazioni precise al loro caro amico ma mi viene risposto che la collaborazione è nata per caso in realtà, così come per tutti gli altri nomi. L’obbiettivo era semplicemente quello di coinvolgere amici ma anche artisti formidabili per poter dare alla loro musica una nuova dimensione.

“Volevamo più voci in questo album, ma ognuno di questi artisti per noi rappresenta qualcosa di più”

Ascoltando tracce come “Auditon”, “T.A.M.E.D.” troviamo l’essenza dei Mount Kimbie 2.0: vibrazioni alternative rock, pop sofisticato e l’influenza di Las Angeles. Così come qualche suono divenuto cavallo di battaglia o marchio di fabbrica se preferite ed è il caso di SP12 Beat. Il duo inglese attinge anche da sonorità post-punk, e subito dopo scalda il cuore con note soulful.

Mi sorge spontanea allora la curiosità di sapere se il nuovo tour sarà accompagnato anche da un visual show per dare una nuova veste al loro live.

“Abbiamo fatto tante date e ci sono ancora molti festival a cui dobbiamo prendere parte in questo periodo. Appena ci fermiamo un attimo ci penseremo ma probabilmente sarà ad Ottobre. Posso dirti che l’intento sarà quello di creare l’atmosfera giusta ma un visual show può essere anche fonte di distrazione per il pubblico.”

A questo punto dobbiamo capire come e se è cambiato il loro modo di comunicare e di promuove: “Avevate un weekly show sulla prestigiosa NTS Radio. Apprezzate ancora la radio come mezzo di comunicazione? O volete esplorare nuove strade?”

“La radio per noi è un mezzo fondamentale, che abbiamo usato tanto e ancora useremo. Internet è uno strumento pericoloso perché oggi attraverso algoritmi vengono consigliati solo ascolti simili, invece con la radio l’ascoltatore può scoprire generi nuovi e ritrovare il piacere di scoprire nuova musica.”

Mi confidano di essere cresciuti con i programmi radio di John Peel.

I Mount Kimbie fanno parte del colosso Warp che nell’immaginario comune è una major che detta legge sul mercato discografico. Mi interessava però anche approfondire il rapporto di questa label con i ragazzi; quando chiedo loro quale fosse stata la reazione dei capi al primo ascolto del nuovo album, ridono perché entrambi non si ricordavano le parole precise, bensì la reazione del festaiolo Steve (uno dei tre fondatori) quando è andato a sentirli la prima volta in Francia e loro avevano appena firmato. Non hanno mai visto persona più scalmanata e l’hanno definito una figura mistica.

“Loves That Survives” è il genere di album su cui partiranno le scommesse per indovinare i nomi dei futuri remixers. Anticipo che i due favoriti di Kai e Dominic sono William Basinsky e Nina Kravitz.

A quanto pare nessun brand si è ancora aggiudicato una traccia del disco da utilizzare nelle pubblicità ma i ragazzi ci sperano perché farebbe bene alle loro tasche dicono scherzando.

Mi lasciano indicandomi la loro artista italiana preferita: Suzanne Ciani, precisando che sono al corrente sia solo in parte italiana.

Li saluto e intanto ripenso al disco e a quanto abbia ragione il nostro Dariush: lo scopo dei Mount Kimbie è essere irripetibili.
L’ultima immagine, che mi piace inserire in chiusura, è quella di un mio amico che si avvicina a Kai per parlargli di come la scena siciliani si stia svegliando e si sente rispondere: “Grande! Ma me non interessa, io adoro la Sicilia per i pomodori…“

L'articolo L’energia del suono – Una chiacchierata coi Mount Kimbie proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

L'articolo Il ritratto di Hunee proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Abbiamo intervistato uno degli artisti più attesi del Fat Fat Fat Festival 2017; l’evento che nel cuore dell’Italia è già divenuto un’istituzione.
Domenica 6 Agosto si esibirà sul palco immerso nel verde della Grancia di Sarrocciano (Corridonia), dalle 19.00 alle 20.30, preceduto da Harmonized SoundSystem e a seguire Tama Sumo & Volcov, Jayda G e Moodymann.

L’etnomusicologo Awesome Tapes From Africa aka Brian Shimkovitz è il selector di musica africana più famoso di sempre; cresciuto a Chicago, ha vissuto tanti anni a Brooklin ma la sua avventura è iniziata a LA.
ATFA non è solo un alias ma è la vita intera di Brian; è in primis il blog che ha messo in piedi una volta tornato dal suo primo viaggio in Ghana, tramutatosi in seguito anche in label su cui ristampa in vinile o su formato cd alcuni artisti che ha scoperto durante le sue “spedizioni” musicali.
Una ricerca volta a riscoprire e tutelare il patrimonio di una terra vastissima e che al suo interno cela una miriade di suoni, sfumature e vibrazioni.
Dal 2006 Brian attraversa il continente in cerca di vera musica africana. Proprio questo è il punto; Awesome Tapes From Africa raccoglie da oltre dieci anni cassette spaziando dall’african funk alla disco, passando dall’hip hop, dal rap senegalese e il jazz etiope fino a riproporre sonorità pop-folk nella loro versione originale.
I suoi dj set con queste tapes sono enciclopedie musicali, mappature preziose per chi ama la musica e terreno fertile per curiosi che voglio scoprire i sottogeneri della fuji, benga, tsonga disco, soukous, ed ethio-soul.
Brian è mosso dal fine nobile di voler far guadagnare gli artisti che coinvolge grazie alla loro produzioni, non sempre è facile raggiungere un accordo o contattarli, ma quando riesce è poi compito di Jessica Thompson fare il mastering adatto per dare nuova linfa vitale a quelle cassette. Quando gli ho chiesto cosa pensa del recente interesse per la musica africana e se si può parlare di “hype”, risponde da signore: “Ci sono dentro da troppo tempo per esprimermi”.



Nelle prossime pagine la sua collezione di dischi.

L'articolo Mettiti comodo e scopri la collezione di dischi di Awesome Tapes From Africa proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Dario e Guglielmo ci hanno raccontato poco tempo fa “Riva”, l’album che ha inaugurato il progetto Aquarama. In quell’occasione si sono definiti i contorni del disco, ci hanno regalato le immagini e le sensazioni che trasmettono a loro i 9 brani che compongono la release.

Questo secondo incontro è invece dettato dalla stima e l’affetto verso questo progetto che porta a nostro avviso il pop italiano ad un livello superiore.  Così come loro stessi vogliono dare una svolta ad Aquarama e iniziare a fare sul serio, volontà testimoniata dal coinvolgimento di Marco Olivi che ha collaborato con Ghemon, Ex-Otago e Selton. Per il mastering si sono affidati a Giovanni Versari, vincitore di un Grammy per “Drones” dei Muse.

Ho incontrato i ragazzi al Frida di Milano e con una birra, insieme ai rivenditori di rose e agli schiamazzi della zona Isola, ho provato ad entrare nella loro dimensione e capire come sta cambiando la loro vita.

Buona lettura.
 
Raccontateci i concerti di Firenze alla Flog per l’uscita del disco e a Base per la Design Week di Milano.
Dario:
Il concerto alla Flog, locale storico di Firenze, era anche il release party del nostro disco. L’occasione era l’apertura del concerto dei francesi La Femme. Abbiamo suonato insieme ad altri sei musicisti: tre coriste e una sezione di fiati, arrangiando il disco ed il live per una formazione ad undici. Il risultato è stato davvero potente.

La serata è andata sold out in poco tempo e si è avvertita la doppia affluenza, sia per noi che ci siamo esibiti alle 23:00, sia per La Femme. E’ la prima volta che suonavamo  con loro anche se io li avevo già portati a Firenze in occasione del tour per il primo disco.

Guglielmo:  Proprio quella volta preparai un visual set per loro.

Dario: E’ stato molto bello perché ci siamo esibiti davanti ad un locale pieno, finalizzando la nostra aspettativa di arricchire il numero di artisti per un live al massimo del suo potenziale. Ci piacerebbe poi che crescendo si portasse avanti la formazione in undici.

Guglielmo: La sezione di fiati è poi particolarmente importante perché tutte le linee soliste di chitarra sono state scritte e pensate come se fossero degli ottoni a suonarle. E’ stato un live alla sua massima realizzazione. 

A Base per la Design Week c’è stata un’ottima risposta, la macchina promozionale intorno a noi si era già messa in moto e per lo più quel giorno ci erano arrivati i dischi freschi di stampa. Location fantastica, ci siamo divertiti moltissimo e abbiamo iniziato a vedere le persone con i nostri album in mano; una bella sensazione!

Presentatemi “lo zoccolo duro” del live Aquarama: Giacomo Mottola, Theo Taddei e Alessandro Pezzano.
Guglielmo: Sono tre grandi musicisti e cari amici, tutti di Firenze. Theo è un polistrumentista, abile con qualsiasi cosa produca un suono. Riesce davvero a fare musica con i sassi ed è un batterista “di pancia” , quindi il suo approccio alle percussioni è incredibilmente e totalmente personale.

Giacomo è un jazzista che studia al Conservatorio, con una voce che si impasta molto bene con quella di Dario. Entrambi, Giacomo e Theo, fanno parte di Le Furie.

Alessandro invece ha iniziato a suonare molto giovane, ha una grande forza di volontà che gli ha permesso e a diciotto anni di fare sostituzioni in band piuttosto grandi; ha anche una discreta esperienza internazionale.

Quindi quando è nato il progetto Aquarama avete pensato subito a loro?
Guglielmo: Allora in realtà sono due fasi distinte. Alessandro e Giacomo hanno iniziato ad aiutarci in una fase precedente alla registrazione del disco, quando i pezzi erano già tutti pronti ma avevano bisogno della levigatura finale. Il loro ingresso ci ha aiutati molto a portare quanto fatto fino a quel momento fuori dal nostro studio, ci stavamo un po’ alienando per la verità e loro sono stati di grande aiuto in questo senso. Il disco nella sua struttura, i testi e gli arrangiamenti sono opera nostra.

Perché vi siete trasferiti a Milano?
Dario: è una scelta di vita presa per dare maggior respiro al progetto Aquarama. Il disco l’abbiamo poi inciso qui negli studi di Schema Records insieme al produttore Marco Olivi con cui ci siamo trovati benissimo, tanto da continuare la nostra collaborazione.

Dietro questo disco c’è un grande lavoro. Sembra che abbiate studiato quanti più dettagli possibile e vi siate circondati delle persone giuste per fare il salto di qualità. Giusto?
Guglielmo: Si è creata una grande famiglia; ci sono persone che collaborano con noi dietro le quinte per la comunicazione e il marketing.

Dario: La nostra amica Martina Toccafondi ha curato con noi l’edizione speciale del disco con un poster a cura del suo magazine Moodboard e lei quando ha la possibilità ci segue e ci fa i visual del nostro live. Sono un insieme di persone insomma che sono entrate a far parte della nostra vita per “Riva”, ma continuano a farne parte.

Ora che state cavalcando l’onda, avete fame di date o siete selettivi?
Dario: Il progetto ora ha sicuramente bisogno d’esposizione, ma sono necessarie alcune garanzie per far sì che tutto vada bene. Nonostante questo siamo riusciti a mettere insieme tante date per tutta l’estate.

Le prossime?
Dario: Il “Riva Tour” è iniziato a fine marzo e per il mese di agosto avrà già collezionato più di 25 date in tutta Italia, dal Piemonte alla Calabria! A fine giugno torneremo in Puglia, poi qualche data in Toscana e una grande serata al Magnolia di Milano coi Badbadnotgood, una bella soddisfazione. A Luglio poi faremo un bel giro che parte da Sud attraverso tutto il centro Italia per poi suonare di spalla ai Selton del nostro amico Daniel Plentz. Ad agosto invece saremo al Color Festival la stessa sera di Brunori Sas e One Dimensional Man e poi su fino a Cuneo!

Guglielmo: La maggior parte delle date sono al mare; una sorta di rivalsa. Abbiamo fatto il disco chiusi in studio, d’estate e ora andiamo a suonare al mare.

Da Settembre parte il tour europeo e centra anche il mare.

Guglielmo: La maggior parte delle date sono al mare; una sorta di rivalsa. Abbiamo fatto il disco chiusi in studio, durante l’estate e ora ci riprendiamo l’estate facendo quello che più ci piace al mondo! Da Settembre poi partirà il tour europeo che col mare avrà un legame speciale.

Il vostro disco è un caleidoscopio di pop, funk, soul e tropical. Datemi un titolo di un disco che rappresenti ciascuno dei generi che vi ha ispirato.
Guglielmo e Dario: “Pet Sounds” dei Beach Boys per il pop. Per il soul “Otis Blue” di Otis Redding, per il tropical ci assolutamente “Acabou Chorare” dei Novos Baianos, disco brasiliano degli anni 70. Per il funk è James Brown “In the jungle groove”.

Cosa avete detto alla vostra illustratrice quando avete commissionato la copertina del disco?
Dario: Clèmence Chatel lavora nel mondo della moda tra Firenze e Milano. Quando l’abbiamo conosciuta a Firenze ci ha fatto vedere alcuni suoi lavori di cui mi piacevano i colori ed il tratto che si avvicinavano a quello che avevamo in testa musicalmente. Lei ha fatto l’artwork del disco ascoltando le demo, molto prima che “Riva” arrivasse alla sua stesura definitiva. Al secondo tentativo ci ha presentato proprio quello che volevamo.

Guglielmo:  Non ho fatto io la copertina per non essere autoreferenziale e ci tenevamo che si coinvolgessero più artisti possibili e al femminile. Ci piace pensare che “Riva” abbia un tocco femminile. Le foto promozionali ce le ha fatte la bravissima fatta Sara Mautone, per esempio.

Una traccia delle nove che vedreste bene in un film?
Aquarama, la strumentale, potrebbe essere da 007, ricorda i vecchi film anni ’60 di James Bond. Questi brani sono delle storie e ci piace pensare che qualcuno ci possa poi scrivere una trama attorno.

Che storia c’è dietro al coinvolgimento nel video del batterista dei Selton?
Dario: Ho conosciuto Tomaz Di Cunto (detto Toco), bravissimo musicista di San Paolo, quando lavoravo come conduttore presso Controradio dove lui aveva un programma di musica brasiliana. È stato lui che ci ha fatto conoscere Marco Olivi e lo stesso Daniel Plentz, suggerendoci che se volevamo un tocco tropical  era la persona giusta da coinvolgere.

Il festival in Italia a cui ambite?
Mi Ami 2018.

Se vi dovessero chiedere il nome del dj più adatto per aprire il vostro concerto, quale sarebbe?
Biga senza ombra di dubbio. Collezionista e selezionatore unico. Ha firmato anche il remix del nostro singolo “Coral” e siamo compagni di etichetta (Fresh Yo!).

Vi piacerebbe come format o è troppo usato?
Certo! Se c’è coerenza Aquarama è aperto ad ogni possibilità di djset prima e dopo il nostro concerto!

Chi è l’artista che vorreste ascoltasse “Riva”?
Beck, ci ispiriamo molto a lui perché nei suoi dischi mette dentro di tutto, denunciando al tempo stesso in modo chiaro la sua personalità artistica. Lui però ci riesce da una vita, vediamo se riesce anche a noi…

L'articolo Gli Aquarama fanno sul serio proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Nato in Italia, cresciuto a Parigi, Romain Azzaro trova il suo groove suonando, durante l’adolescenza, la chitarra e le drums in band punk e coldwave, per poi dedicarsi al piano frequentando il Conservatorio della capitale francese e poi da autodidatta.
Esce come Rouge Mécanique (progetto live) su Pyramids of Mars di Radio Slave, nel 2015 condivide il disco con il duo rivelazione Red Axes su Edit Service, un successo assoluto.

Nel mentre inizia a girare le capitali europee con i suoi dj set in cui è in grado di incanalare tutte le influenze e quanto scoperto su di sé durante le jam sessions in studio a Berlino.
L’album “Don’t Touch My Syster” e l’ep “All Will Be Changed” per Discos Casablanca mostrano quanto Azzaro sia in grado di fondere il post punk alla disco psichedelica, l’ambient alla jazzy house e tutto questo con il suo alter ego Rouge Mécanique, un progetto che nasce con l’idea di proporre un live in continuo mutamento come se fosse un flusso energetico inarrestabile e imprevedibile che incanala tutte le emozioni filtrandole attraverso la chitarra e le altre gears.

È anche il co-fondatore del party berlinese dell’anno “African Acid Is The Future”; un luogo di culto per i veri appassionati di musica che ne prendono parte con la consapevolezza di immergersi in un viaggio che partirà dal blues per finire all’acid.

Romain è stato ospitato da Berlin Community Radio, ad Amsterdam da Red Light Radio e ha collaborato con Chanel.

The first record you bought: 
The first one was in paris in 2003, i think it was a Prince record, i was always a big fan of him

The record you own you are most proud of:
A very rare Ravi Shankar that brought me and the crowd into far away galaxies.
 
A record that made you want to start making music:
I´ve been making music since I am 13 years old, way before i started to buy records.

A record that inspires you production-wise:
Steve reich – Electric counterpoint: it is a big production lesson, very simple to hear, but the technique is unique.

A record that makes you always want to dance:
The first one i bought: Prince

A record that makes you go all emotional:
Full blown grand Piano: Claude Debussy, Maurice Ravel, Gabriel Fauré – Great Masters Of The Keyboard Volume I

The record that you use to come down and relax:
One of my favourite: Jan Jelinek – finding loop Jazz lp

Your favourite record of the 2017 so far:
The Iyes Tumor on Pan.

The last record you bought:
Vakula – Cyclicality Between Procyon and Gomeisa

L'articolo Romain Azzaro (Rouge Mécanique) ci racconta la sua collezione di dischi proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Il weekend passato, in occasione del FORM Arcosanti Festival in Arizona, James Blake si è presentato sul palco in versione inedita.
Lasciata a casa la band, James si è esibito solo con una tastiera e durante la performance ha offerto al pubblico una personalissima rivisitazione del brano, alla cui stesura ha collaborato, “Godspeed” di Franck Ocean.
Insomma tanta carne al fuoco per ora, ma non finisce qui.

Il colosso The Fader, che presenziava al concerto, lo blocca per un’intervista e viene fuori che i chords di Blake sono arrivati fino allo studio di Kendrick Lamar. Come questo sia avvenuto è la cosa divertente della rivelazione dell’artista britannico perché al giornalista ammette di avergli mandato musica via email, come farebbe qualsiasi musicista emergente, ammesso che abbia l’email di Lamar.
Visti i protagonisti della vicenda e il loro valore nel panorama musicale mondiale, ci si aspettava un incontro in qualche super studio americano; invece no, nulla di tutto questo.
Durante l’intervista torna anche il nome di Franck Ocean e in particolare all’impatto che ha avuto questo artista anche sulle produzioni di James. Non sappiamo per certo se si intravedono nuove collaborazioni all’orizzonte, ma fatto sta che quest’estate il cantautore tornerà con nuova musica, mettendosi alla prova anche con l’hip-hop.
La performance dell’Arizona è la preview di un Blake 2.0?
Attendiamo il caldo estivo per scoprirlo.

L'articolo James Blake vuole pubblicare nuovi brani già quest’estate proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Nu Guinea convocati da Discosafari per il 14 Aprile nel delizioso Osservatorio Astronomico, il gioiello del Dude Club di Milano.
Ma procediamo con ordine.
Discosafari è il cavallo di battaglia di Cristian Croce, noto alle cronache anche come Henry Cane: un party che tra gli anni 2008 e 2011 ha fatto scatenare nel capoluogo lombardo anche chi con il mondo delle feste ha poco a che fare. 
 
A fare gli onori di casa la sempre vincente accoppiata Cristian + Nicola (proprietario del celeberrimo negozio di dischi Serendeepity), che insieme fanno i The Barking Dogs. A Milano li conoscono tutti, non esiste locale in cui i due produttori e dj non siano stati, non c’è pista che sia rimasta vuota o pubblico deluso. Negli anni Discosafari è rimasto attivo come blog e come piattaforma di eventi, ma era ora di tornare.
 
Dal Settembre 2016 ha preso vita Discosafari Reloaded, rito mensile presso l’Osservatorio Astronomico del Dude Club e nella nuova avventura si è lanciato anche la personalità più eclettica della Valtellina; Sir Andrea Barbieri che vale la pena di incontrare prima di morire.
 Nella stagione che sta volgendo al termine il team ha voluto esplorare e dare spazio al mondo del “live”. Si sono alternati Whodamanny, The Mystic Jungle Tribe, Backwords, Underspreche, Brioski e 291outer space.

 
Gli ospiti di questo appuntamento “animalesco” sono il duo italiano Nu Guinea, ora di base a Berlino. Dietro a questo nome esotico si celano Massimo Di Lena e Lucio Aquilina, in passato accostati ad una scena musicale che nel 2010 li aveva stancati definitivamente e privati di stimoli, hanno dato inizio ad una ricerca silenziosa e meticolosa in terreni fino ad allora poco esplorati. Mettendo al setaccio la musica del passato, come la definiscono loro stessi, sono arrivati a rielaborare una loro personale formula di groove attingendo da molteplici fonti.
Nu Guinea è disco, balearic, funky, boogie, electronic, folk e molto altro ancora. Un live che arricchisce ma fa anche divertire. 

Il resto ve lo dicono loro perché li abbiamo intervistati.

In occasione della data all’Osservatorio Astronomico del Dude Club, per il party Discosafari, vi esibirite in un live dj set. Che cosa ci dobbiamo aspettare e perché questa scelta?
Quest’idea è nata dall’esigenza di poterci esprimere in quello che sappiamo fare meglio: Massimo dedica molto del suo tempo alla ricerca musicale mentre Lucio allo studio armonico e melodico. Di conseguenza questa performance ibrida rappresenta la configurazione ideale fra noi due.
 Con il nostro setup, non miriamo alla perfezione, piuttosto ad un approccio improntato al divertimento e alla spontaneità della performance. L’uso di un synth dal vivo, aiuta ad instaurare una maggiore connessione con il pubblico, 
Raramente abbiamo l’occasione di esibirci Live, ovvero con la band al completo che comprende anche bassista e percussionista. Purtroppo, spesso per problemi di spazio nei club, è difficile poterci ascoltare in questa formazione.



Cosa ha significato per voi l’incontro con Tartelet Records?
Emil (il “boss” della label)  ci ha sempre supportato. Una volta arrivati a Berlino ci siamo finalmente conosciuti di persona e da lì è nata una grande amicizia che dura tuttora ed un EP su Tartelet.

Non penso capiti tutti i giorni che un cento Eric Trosset, manager del maestro Tony Allen, proponga a due musicisti di mettere mano alle preziose drums del suo artista. Cosa vi ricordate ancora a distanza di anni di quella serata?
E’ stato abbastanza imprevisto come incontro. Quel giorno eravamo a casa nostra con Kes, aka Wayne Snow, per parlare del suo progetto da solista. A quel meeting c’era anche Eric, che all’epoca era il suo manager (forse lo è ancora adesso). Parlando del più e del meno, ad un certo punto gli abbiamo fatto ascoltare qualcosa del nostro progetto Nu Guinea. Crediamo che il sound gli sia piaciuto, perchè sulla porta, prima di salutarci, ci ha proposto di mettere mano alle batterie di Tony Allen, per un nuovo disco. Noi lì per lì abbiamo cercato di mantenere un certo contegno, poi, una volta chiusa la porta di casa, ci siamo lasciati andare a manifestazioni di gioia un po’ più “rumorose”.

Cosa ci raccontate della vostra esperienza all’Atlas Electronic, attualmente uno dei festival africani più interessanti? Sono ormai due anni che vi esibite da loro…
Siamo felici di essere stati chiamati anche quest’anno dei ragazzi dell’Atlas Electronic Festival. L’anno scorso ci siamo divertiti un sacco, è stato lì che abbiamo conosciuto i ragazzi di Redlight Radio che ci hanno invitato per un radioshow il giorno dopo la nostra performance. Durante il soundcheck è nata una Jam session con una band tradizionale marocchina che suonava prima di noi. 10 minuti di percussioni, synth Fm e canti tradizionali, fantastico! 

Siete stati chiamati da Radar Radio, Boiler Room, NTS ospiti di Charlie Bones….insomma le autorità del settore che hanno storicamente avuto sempre un occhio di riguardo per la sperimentazione e la fusione tra sottogeneri vi tengono da tempo sott’occhio. Cosa colpisce maggiormente all’estero di Nu Guinea? 
Passiamo molto tempo alla ricerca di brani del passato, è incredibile quanta bella musica sia stata composta. Questo lavoro ci dà grande ispirazione soprattutto in fase di composizione, ma è anche bello poter condividere queste scoperte con chi ci ascolta. E’ un onore per noi essere chiamati questi network, a volte qualche gratificazione non fa male, soprattutto in un mondo di nicchia come il nostro.

Penso che il vostro live sia uno dei più accreditati ora come ora, in Italia iniziate ad avere il vostro meritato spazio. Ricordate quale è stato l’anno in cui avete iniziato a capire che con questo progetto stavate toccando cuori, menti e orecchie delle persone? Insomma quando avete capito che era la strada giusta e che avevate trovato il linguaggio adatto per esprimere tutti voi stessi?
Trovare il proprio linguaggio è sempre un processo lungo e, quando sembra di averlo trovato. poi si va inevitabilmente verso qualche altra direzione. Ogni volta che riascoltiamo i nostri brani fatti un anno prima ci rendiamo conto di quanto siamo cambiati nel frattempo. C’è stato un momento, forse nel 2010, nel quale entrambi ci siamo resi conto che la musica che stavamo facendo non ci rappresentava al 100%, e da quel momento è iniziato un viaggio, un’esplorazione attraverso vari generi musicali che ci ha portato al progetto Nu Guinea; che non è solo lo specchio della nostra visione musicale, ma anche il risultato di esperienze di vita che abbiamo condiviso insieme e da soli. 

Anche l’incontro musicale con Mark Barrott ha dell’incredibile come con Tony Allen? International Feel Recordings può essere un punto di riferimento per Early Sounds?
International Feel è un’ottima etichetta, e siamo stati felici di poter mettere mano su un brano di Mark Barrott, che in precedenza aveva rilasciato un album dalle sonorità molto interessanti. Tuttavia non la consideriamo un vero e proprio riferimento per Early Sounds.

Non so se siate in contatto con Gilles Peterson, ma se doveste trovarvi faccia a faccia con lui che cosa gli chiedereste? 
Probabilmente qualche basement dove fare digging a Londra o meglio ancora in Brasile :)

Penso abbiate notato anche voi che forse negli ultimi mesi molti addetti ai lavori abbiano dirottato le proprie direzioni musicali verso i confini disco, boogie, funky e balearic per cavalcare “l’onda”. In pochi casi è uno sviluppo professionale, per lo più parliamo di hype e strategie delle agenzie. Mi date il vostro parere, visto che non avete mai dato retta a certe cose e avete iniziato il vostro percorso lontano da tutto e tutti.
Proprio perché abbiano iniziato il nostro percorso lontano da tutto e da tutti, e non essendo “animali sociali”, non siamo al corrente di quali artisti e promoters stiano cavalcando un’onda per questioni di “Hype” o per una vera passione. Fatto sta, che in un modo o in un altro, molta musica di diversi generi e derivazioni è stata divulgata, alimentando negli individui la voglia di conoscere e fruire tipi di musica che precedentemente erano relegati a nicchie ben più piccole di mercato. Questo da una maggiore possibilità di espressione a noi, che amiamo poter spaziare attraverso diversi immaginari musicali, sia in un contesto di Club che in fase di composizione. 

Amate sporcarvi le mani nei negozi e mercatini in giro per il mondo. Qual è stato l’ultimo disco che avete acquistato? 
I mercatini riservano sempre sorprese inaspettate. Ultimamente, a Napoli, abbiamo trovato un disco che cercavamo da tempo, Space Craft’s Men – Adventures, rilasciato in tiratura limitata su Music Scene rinomata etichetta italiana di sonorizzazioni. Questo non è l’ultimo disco trovato ma sicuramente uno tra i più interessanti. 

Il negozio di dischi in cui vi sentite a casa? 
Sicuramente Futuribile, un negozio di dischi aperto da pochi mesi a Napoli, dai nostri colleghi e amici di Early Sounds. 

Cosa avete in uscita nei prossimi mesi? 
Stiamo finendo di lavorare ad un nuovo Album, incentrato su sonorità legate alla nostra amata terra partenopea. Per il momento non possiamo dire di più, preferiamo dare maggiori dettagli quando il lavoro sarà ultimato al 100%. 
Inoltre stiamo già lavorando al follow up del disco “The Tony Allen Experiments”. Ad agosto scorso siamo stati due giorni con Tony Allen nei Red Bull Studios di Berlino per registrare le batterie del nuovo disco. E’ stata un’esperienza incredibile avere a che fare con un musicista di questo calibro e un grande onore per noi poterci collaborare di persona. 

Qual è l’artista che  ancora oggi presenta un live da non perdere?
Azimuth Live, senza alcun dubbio. Ascoltati a Berlino qualche mese fa, non hanno deluso le nostre aspettative. Eravamo un po scettici rispetto al nuovo tastierista, che sostituiva il maestro Roberto Bertami, che invece si è rivelato essere più che all’altezza del ruolo. Vedere Ivan “Mamao” Conti, cantare e suonare la batteria come se avesse ancora vent’anni, è stato a dir poco emozionante.

Tre titoli per i lettori di dlso.it
Rick Asikpo pres. Afro Fusion – Love Love,  

Franco Micalizzi ‎– Vier Fäuste Gegen Rio (Original Motion Picture Soundtrack)

Edit Point – Help Yourself

L'articolo Nu Guinea: ritmi tropicali e groove caldi per Discosafari proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Un talento puro dall’orecchio fine, abile dietro ai giradischi quanto talentuoso in studio; è quanto ci sentiamo di dire su Simo Cell.
Il ragazzo di cui sta parlando tutta la scena elettronica francese è il nome che chiuderà questa stagione di Habitat, il progetto che a Bologna ha portato nomi raffinati del panorama europeo e non solo. L’appuntamento è Sabato 8 Aprile all’Ateliersi.
Per l’occasione non potevamo non farci due chiacchiere.
Simo Cell è uno dei pochi ragazzi che ha saputo prendere il treno giusto al momento giusto. Non ha mai avuto fretta di esplodere, di rincorrere festival o club di fama mondiale. E’ cresciuto piano piano, seguito dal suo manager e spronato da una realtà estremamente ricca e stimolante quale quella dei cugini d’Oltralpe.
Il treno è passato due anni fa, come mi dice lui stesso, quando è uscito il disco sulla sub-label di Livity Sound (“Cellar Door/Piste Jaune” Ep) e da quel momento è entrato in contatto con la community della UK Bass. Molti di questi sono di Bristol e da fuori sembrano davvero una piccola famiglia.
Oscar meglio noto come Facta, fondatore della Wisdom Teeth insieme a K-Lone, l’ha contattato via email e poco dopo si è deciso che Simo Cell sarebbe stato uno del roster, che tra l’altro già vantava nomi come Hodge e Chevel.
Quando gli ho chiesto di descrivermi quello che è per lui il timbro di Livity Sound e l’estetica del suono mi ha detto senza esitazione che è club music psichedelica. E ha precisato che la sua peculiarità consiste nella bivalenza; la sua doppia natura di musica da dancefloor e da ascolto. “It’s a boundary-pushing sound”.
Questo ragazzo dal viso fresco e pulito di Nantes vive oggi l’esplosione della scena francese. Brothers From Different Mothers o Macadam Mambo a Lione sono realtà incredibili, Fragil Musique nella sua città natale, Gravats Édition, Collapsing Market, Antinote e molte altre a Parigi.
La scena è in continua espansione e negli ultimi due anni ci conferma che la sensibilità e la passione sono cresciute a vista d’occhio. In due anni di gigs in giro per la Francia ha incontrato molti professionisti con voglia di emergere.
“Siamo parte di qualcosa di nuovo ed eccitante, la nostra generazione è piena di talenti, ci rispettiamo reciprocamente e siamo buoni amici”.
Trasferitosi da un po’ a Parigi, sfortunatamente afferma di non riuscire a suonare spesso a Nantes, ma le cose stanno andando bene anche là. Ci sono feste tutti i week end con buone line up. Due realtà su tutte a cui si deve tale dinamismo; Faktice e Input Selector. Ma confessa che la città avrebbe bisogno di posti nuovi.
Simo Cell, oltre a produrre i dischi, li compra e anche molti. Se non è in studio va da DDD a Parigi. Xavier, il proprietario, si è appena trasferito in uno degli uffici del Club Maté, ed è abbastanza divertente la cosa, mi dice. Ovviamente controlla ogni settimana Hardwax. Ma nel tempo libero vede gli amici, gioca a bocce vicino al canale di Ourcq. Qualche volta va al Palazzo di Tokyo o al Centre Pompidou a vedere delle mostre. E’ un amante del calcio e ci gioca due volta a settimana.
Ultimamente viene da un periodo di stop dalle date in giro per l’Europa, probabilmente per trovare la concentrazione e la giusta energia in vista di nuovi dischi. Sul finale infatti ci anticipa una sua release su Brothers From Different Mothers, precedentemente citata, a Maggio. Più tardi usciranno alcuni remix con il connazionale Bambounou, su Will & Ink.
Al momento è concentrato anche su diversi progetti che vedranno la luce entro la fine dell’anno.
Quando gli ho chiesto di indicarmi il suo producer italiano preferito ha risposto Leo Anibaldi, ma menzionando anche Donato Dozzy e Chevel.

The first record you ever bought:
Black Machine – How Gee

The record you own you are most proud of:
It’s a record my dad released in 1982
Roberto Aussel – Récital de guitare

A record that made you want to start making music
I discovered electronic music with the institubes crew :
Surkin – Next Of Kin

A record that inspires you production-wise:
Subtonal – Dark Distortion

A record that makes you always want to dance:
Chaka Demus & Pliers – Murder She Wrote

A record that makes you go all emotional:
Joe Isaishi – Hana-Bi

The record that you use to come down and relax:
MC Solaar – Prose Combat

Your favourite record of the 2017 so far:
Ian Martin – Sea Of Vision

The last record you bought:
Visible Cloaks – Reassemblage

L'articolo Simo Cell ti racconta la sua collezione di dischi proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Palms Trax è uno dei giovani producer più rispettati della scena elettronica, ben voluto e stimato da tutti, con alle spalle performance nei migliori festival e clubs del mondo.
Lavorando da Phonica Records è entrato in contatto con la house e la techno music, sempre a Londra incontra Jimmy Asquith (boss della Lobster Theremin) che fiuta il talento ed è il primo a credere in lui e nelle sue produzioni. Da allora è stato un susseguirsi di successi.
Ora vive a Berlino, ha il suo programma su Berlin Community Radio (Cooking with Palms Trax), Red Bull Music Accademy l’ha scelto tempo fa per l’edizione giapponese a Tokyo e tutto sembra andare per il verso giusto.
Ma la storia di Jay è particolare e interessante proprio perché come lui stesso ha affermato quando si è trasferito a Berlino non aveva la più pallida idea di quello che avrebbe fatto. Non è stato un cliché da “Berlino è la città della techno”, ma piuttosto un’avventura finita bene perché lavorando in un’agenzia di pr, poi come freelance e infine in una booking agency ha avuto tempo per dedicarsi seriamente alla musica ascoltando preziosi consigli da tutti coloro che lo circondavano. È la storia di un ragazzo che è partito senza grosse aspettative o con “agganci”, ma con la voglia di ascoltare e la speranza di capire cosa davvero gli piacesse fare nella vita.
Cosa c’è da sapere ancora su questo ragazzo?
Uno dei fondatori di Dekmantel l’ha contattato via fb dopo l’uscita del debut EP su Lobster chiedendogli inviare qualche demo; sono impazziti per le tracks e poco dopo è uscito il disco.
Suo padre, amante di L.I.E.S. records è il suo più grande fan.
Prima del suo trasferimento in Germania, di clubbing non si interessava più di tanto.
Una sera ha sentito al Panorama, Luke Hess mentre metteva una sua traccia, ignaro del fatto che ci avrebbe suonato anche lui da li a breve.

In occasione della data al Dude Club, venerdì 24 febbraio, mi sono fatto dare qualche titolo. Buon ascolto/lettura.

L'articolo Palms Trax ci racconta la sua collezione di dischi proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Fa parte di questa seconda ondata TRP, all’anagrafe David Willenberger, Dj e producer tedesco, divenuto uno dei nomi più acclamati della scena raw europea.
Pubblica il suo primo EP su una label di rilievo quale Lobster Theremin, raddoppia con Shall Not Fade e conclude l’anno con il disco sull’etichetta del momento Unknown to the Unknown, fondata da DJ Haus.

Notizia fresca è il suo debutto su NTS, la radio più importante di Londra e la più autorevole sulla scena.

Tutti in UK, Germania, Australia, Francia, Canada stanno parlando del fenomeno lo-fi. Riferendosi a questo sottogenere con appellativi quali raw house o outsider house… Per essere chiari sulle definizioni: che cosa è per te la lo-fi music? È sinonimo di raw house?
Prima di tutto: “Lo-Fi” non è un genere per me, ma più un “sound design”. C’è l’Hi-Fi, c’è la Lo-Fi. È un trend al momento. Ritengo le persone abbiano sempre preferito la musica “imperfetta”. Tutti amano il suono impuro del vinile. Il genere Lo-Fi (anche se non impazzisco per questa parola) attinge dalla musica anni 80’ e 90’. Tutti questi producers da cameretta si sono divertiti con qualche gear analogico e una tape machine. In quel periodo non c’erano computers che potessero sistemare le tue tracce. Ecco perché tutti amano il suono raw delle prime produzioni, ma è la mia opinione.

Alcuni artisti in Italia hanno definite la Lo-Fi come “fake house”. Ritengono che non sia niente di nuovo se non “old school” house, forse con qualche kick più sporco ed elementi riverberati, ma è tutto qui.
Come ho detto, per me la Lo-Fi costituisce un sound design, può essere l’Acid-House di Paranoid London, può essere il suono funky di John Swing. È vero anche che alcune persone la definiscono musica da “home listening”. Io sono anche d’accordo con loro in molti casi perché alcune di queste tracce effettivamente non possono essere suonare in un club. È abbastanza strano suonare tunes del genere con un bel sound-system.

Come sei entrato in contatto con la Lo-Fi?
Non lo so precisamente. Ascoltavo tanto hip hop che ha qualche suono simile. Ho poi scoperto Relative, Restoration e materiale del genere, mi piaceva il calore delle loro releases.

Cosa hai provato il giorno dell’uscita del tuo primo ep su Lobster Theremin?
È stato ovviamente fantastico. Lobster Theremin è una delle mie etichette preferite. Non avevo programmato alcuna uscita con loro, quindi quando Jimmy mi ha contattato non potevo crederci. E’ bello vedere le persone sorridere per quello che fai.

Per chi segue la scena e gli addetti ai lavori, Jimmy Asquith è un capo, colui che ha messo in piedi un sistema indipendente, autosufficiente attraverso il quale scoprire e supportare attivamente una serie di etichette emergent e talenti.
Com’è far parte della famiglia Lobster Theremin?
Va pazzo per la musica nuova. Ed è fantastico, secondo tutto questo non sarebbe hype senza di lui. Lobster supporta artisti sconosciuti e da’ loro la possibilità di far arrivare le produzioni ad un pubblico molto più vasto. Salute a tutta la crew di Lobster, siete i migliori.

Cosa puoi dirci riguardo il tuo ultimo disco su UTTU? DJ Haus ti ha chiesto qualcosa di specifico, ti ha fatto qualche richiesta o ti ha lasciato libero di esprimerti in sostanza?
Un mio amico è uscito su UTTU un po’ di tempo fa e mi sono detto “Cavolo, sono geloso”. Ammiro molto ciò che sta facendo così ho mandato alcune tracce al mio amico e lui le ha girate a DJ Haus. Gli sono piaciute immediatamente e così è avvenuto tutto.

Chi è il tuo artista preferito tra quelli della Shall Not Fade?
Oh, è una domanda difficile. C’è tanta musica buona. Ok, se devo sceglierne uno: penso il mio preferito sia Steve Murphy. Man, lui è così bravo a produrre. È molto simile al mio preferito in assoluto, John Swing.

Noi abbiamo ascoltato tutti le tue produzioni via Soundcloud o social networks; Youtube è anche un intermediario importante, ma la tua credibilità non è stata costruita da uno di questi canali catalizzatori.
Certamente Soundcloud mi ha aiutato a guadagnare popolarità e lo uso ancora molto nel tempo libero per trovare roba nuova. Ma compro dischi da prima di venire a conoscenza della piattaforma. E lo faccio ancora se magari non c’è nulla su Soundcloud o sui social.

Quanto è stata importante la tua città di origine, Heilbronn, nel tuo percorso artistico?
Heilbronn è una cittadina abbastanza piccola e noiosa. C’è solo un club degno di nota. Un mio amico mi ha introdotto in questo mondo e siamo andati a molti eventi (e ancora andiamo). Alcuni ragazzi hanno organizzato una serie di eventi dal nome “Who the fuck” circa 8 anni fa, a cui ho preso parte come resident per fare i warm up. L’idea è di far conoscere alla gente artisti di cui non sanno l’esistenza. Chi viene a queste feste sa’ che c’è buona musica.

L'articolo TRP ti spiega cos’è l’Outsider House proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Apparsa magicamente su Instagram nel 2014, POORgrrrl è il culmine dei peggiori sogni e migliori incubi di Tara Long, originaria di Miami (che lei stessa definisce “extra city”).
Questa ragazza sfida gli ascoltatori con liriche contorte e suoni hip-hop, rap, lo-fi ed experimental.
POORGRRRL è l’evoluzione della pop culture con la sua attrazione per il “drama” e il desiderio romantico, nel senso letterario del termine, di far capire con le sue performances e la sua musica quanto sia oggi evanescente la linea di confine tra finzione e realtà.

Nel 2015, dopo la sua premier al iii Points Music Festival, realizza “Triptic”, un video di 11 minuti che tratta il tema della celebrità in modo non convenzionale facendo emergere le debolezze della macchina dell’hype quanto quelle umane di una persona che possiamo considerare “famosa”. Il progetto termina con il singolo “we Trashy”.

Durante Art Basel 2015 a Miami è apparsa sulla cover di Miami New Times Art basel edition e vi ha preso parte con l’installazione audio/visual “Littlest Sisters Art Fair” (Spinello Projects). Si è esibita con Shamir al The New Contemporary Art Museum (ICA).

Nel 2016 presenzia anche all’International Noise Conference a Miami e iii Points la include nella sua compilation Swerving Serpents per “Bored Games”, traccia composta con Nick Leon.

Il debut-ep con la label di Milano Parachute Records di Francesco Leali e Thomas Feriero è stato piuttosto inaspettato, ha affermato Tara, ma anche la scelta più giusta.

L’ep “PITIPARTI” è una collezione di lavori precedentemente usciti come il singolo “we Trashy” appunto. Il disco è un four tracker che congiunge sperimentazione, critica sociale, suoni rap & hip-hop e il desiderio di estendere i propri orizzonti artistici senza pensare troppo alle conseguenze.

The first record you bought:
ghostbusters2 soundtrack (specifically for the bobby brown song “on our own”)

The record you own you are most proud of:
poorgrrrl pitiparti

A record that made you want to start making music:
Darwin Deez – self titled

A record that inspires you production-wise:
Olaf stuut- run (specifically marlon penn vocal on ‘run’)

A record that makes you always want to dance:
Outkast – ATLiens

A record that makes you go all emotional:
Fiona Apple – Tidal

The record that you use to come down and relax:
Bauhaus – Mask

Your favourite record of the 2016 so far:
Willow – Workshop 23

The last record you bought:
It was a gift: Starfuckers – Sinistri (2016 re-release)

L'articolo POORgrrrl ci racconta la sua collezione di dischi proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Seguiamo il percorso artistico di IOKOI dal 2012, quando le abbiamo chiesto di suonare sul balcone –visione consigliata tra l’altro. Poi è stata la volta di Growing young e ora che c’è un nuovo album, Liquefy, abbiamo deciso di intervistarla per conoscerla meglio.

Ciao Mara, il tuo debut album è un lavoro intenso, si percepisce fin da subito. Hai probabilmente lavorato molto su te stessa e poi dopo sulla musica, ecco perché non hai avuto fretta di far uscire le tue produzioni. Il tuo è un percorso, più che un disco. Sei d’accordo?
Concordo assolutamente. La mia musica è cambiata molto con me negli ultimi anni; partendo dall’osservazione personale e del mondo a me circostante, dalla riflessione interna ed esterna della rincorsa tecnologica odierna e i cambiamenti collegati ad essa, positivi e negativi. Tutto questo si è diluito e contaminato ulteriormente suonando live in contesti fra loro molto eterogenei.

Una parola è particolarmente connessa con questo album; hyper-cyberealism. Ci spieghi la connotazione del termine e il filo rosso che lo lega alla tua musica.
Ho scelto il termine #HYPERCYBEREALISM per descrivere la percezione odierna di una realtà cibernetica aumentata che si fonde sempre più con lo spazio fisico che occupiamo. Questa “terra di mezzo” è uno spazio liquido, che ci permette di crearci e ricrearci in base alla percezione che abbiamo di noi stessi e all’immagine che vogliamo darci e dare agli altri. Conduciamo vite multiple, veloci e soprattutto abbiamo la possibilità di collegarci con chiunque da ovunque, in ogni momento. Ci si può trovare o perdersi completamente, sta a ciascuno di noi trovare il proprio equilibrio.
‘Liquefy’ parla esattamente di tutto questo in quanto composizione di riflessioni personali nate da osservazioni collezionate a casa, in giro e nel www.

Liquefy rappresenta la tua comfort-zone o è solo un aspetto della tua ricerca artistica? 
’Liquefy’ è una mia comfort-zone momentanea. Non amo però trattenermi molto nelle comfort-zones, per questo sono andata oltre già da tempo, in altri contesti artistici, ma anche in ambito sonoro.

So che hai preso parte ad un collettivo, qui a Milano. Quanto ha influito quell’esperienza?
MADAM (Many Atoms Develop A Mountain) è un collettivo che ho fondato assieme ad altri artisti, amici nella vita quotidiana. È nato d’istinto, da uno scambio di stimoli tra amici, dal passare del tempo insieme, dalla voglia di contaminarsi a vicenda e dall’esigenza di fare cose. E anch’esso molto dinamico, liquido (al momento tocca Milano, Zurigo, Friburgo, Londra, Amsterdam e Ghent) e proprio in questa sua forma ha influito e influisce senz’altro su di me, su Iokoi e su ‘Liquefy’.

Oggi avere una label vuol dire tutto come niente. E tu con OUS hai espresso il tutto a mio avviso. Questo progetto, come meglio mi dirai se vuoi, riserva una particolare attenzione sulla figura dell’artista e lo fa nei migliori dei modi; con i live. OUS e il suo roster si esprime attraverso la live performance. Allora non posso che chiederti tu come vivi il live e quale concept vuoi sviluppare negli anni al riguardo con la tua label.

Grazie Luca! OUS oltre a essere una label è una famiglia fatta da pochi componenti, con tanta voglia di fare e sostenersi a vicenda. In questo intento è molto simile a MADAM, con cui si fonde frequentemente. Più che attraverso la live performance OUS si esprime grazie alle visioni forti dei singoli artisti che ci rappresentano.
Per quanto mi riguarda la live performance è molto importante e va a pari passo sia con la concezione che con la produzione musicale. In ‘Liquefy’ le concederei addirittura un ruolo centrale. Con ARIA, mia compagna di viaggi (anche mentali) ormai da più di due anni, abbiamo ricreato una messa in scena di multipli “se”, proiettati e realmente performanti, che attraversano spazi liquidi e si fondono con texture statiche in tempo reale.
Detto ciò in OUS non vogliamo darci nessun tipo di etichetta che ci limiti a escludere artisti che in realtà ci entusiasmano ed è esattamente questo il concept: prendere l’entusiasmo singolare artistico e umano come punto di partenza collettivo per fare, portare avanti cose belle.

Io sono ammaliato da Senking. Come vi siete incontrati? Cosa pensi che abbiamo portato nel suo disco per OUS della sua esperienza nella mastodontica Raster-Noton?
OUS e Senking si sono incontrati tramite il mio socio feldermelder, con il quale ha collaborato a un progetto. Jens è fantastico, a livello artistico quanto umano, ed è per questo che gli abbiamo chiesto se volesse fare la prima uscita della nostra 7”-Series.
Riuscire a partire con un nome abbastanza noto a livello europeo ci ha regalato sicuramente della visibilità non indifferente, soprattutto perché OUS era in fase di nascita. Ma l’esperienza condivisa sui live per l’uscita del 7” e il rapporto creatosi durante la nostra collaborazione sono sicuramente la più grande soddisfazione.

Tornando invece al tuo album, io ammetto di far parte della fastidiosa categoria di persone che sceglie i dischi, anche, per la copertina. L’artwork è davvero interessante e sicuramente degno di nota per gli appassionati di arte contemporanea poiché riprende un tema ricorrente, quello del ritratto fotografico. Chi ha curato l’aspetto estetico di tutto il disco?
Avevo le idee ben chiare sulla sensazione che avrebbe dovuto trasmettere la copertina di ‘Liquefy’. Infatti la ricerca artistica per trovare la persona adatta con cui collaborare è stata veramente lunga. Alla fine arrivai a Mathieu Missiaen dello studio creativo parigino LE CREATIVE SWEATSHOP, che senza troppe spiegazioni ha interpretato perfettamente la storia di ‘Liquefy’ nel suo ritratto fotografico. Ebbi la stessa fortuna con FICHTRE, grafico di casa OUS, a cui ho lasciato carta bianca. Sono ancora molto felice del risultato finale e delle scelte fatte insieme!


Quanto è importante l’arte figurativa nel tuo processo creativo?
La componente figurativa fa parte del mio processo creativo quanto la parte sonora o testuale. Non ho un metodo di lavoro ricorrente, tutto parte a caso e di pancia prima di essere elaborato nel processare sensazioni e informazioni, sperimentando e facendo ricerca. Anche questo è parte del motivo per cui ci ho messo tanto a fare uscire ‘Liquefy’; sapevo bene quale sensazione avrei voluto trasmettere, ma ci ho messo un po a trovare la forma giusta per evidenziarne il filo rosso.

La tua musica ha incontrato i mondi del Teatro e del Cinema. Prima con lo spettacolo “Thank You For The Lovely Flowers” e poi grazie alla collaborazione con lo Swiss Institute of Incoherent Cinematography. Pensi che all’interno di queste due realtà possa trovare naturale sviluppo la tua musica anche in futuro?
Assolutamente sì. Mi piace come la musica, solitamente intoccabile, possa prendere una forma visiva nello spazio fisico attraverso l’incontro con altre forme d’arte. La mia collaborazione con lo Swiss Institute of Incoherent Cinematography va avanti da anni ormai, direi quasi a livello familiare e sicuramente continuerà. Amo l’incontro tra film muti datati e musica contemporanea ed è proprio in queste sonorizzazioni improvvisate che riesco a dare uno sfogo all’istinto contaminato dall’imprevedibilità del momento e dalla bellezza dell’imperfezione.

Yamamoto come ha commentato il tuo lavoro con il soundtrack? Chi è a tuo avviso il maestro del soundscape?
Ahahah, Yamamoto non ha commentato direttamente il mio lavoro, o almeno non con me. In generale però siamo rimasti tutti molto contenti del lavoro fatto insieme. Non credo io riesca a definire un maestro del “soundscape”, ma generalmente parlando, forse un maestro del suono e dell’ascolto mio personale: John Cage.

Ultima, la traccia che hai ascoltato prima o dopo aver risposto a queste domande.
Durante: Terry Riley – Aleph Part 2.

Ah quando i miei amici mi hanno chiesto di “riassumerti” brevemente, ho risposto così: Il raffinato incontro di Grimes e FKA Twigs. Può andare?
Ognuno è libero di riassumermi in base alla propria percezione, per cui sì, può andare. Anzi, grazie!

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