Alessia Sciotto – Dance Like Shaquille O'Neal

7 anni fa i Nu Genea scrivevano la “Nuova Napoli”

Alessia Sciotto — Wed, 16 Apr 2025 09:28:16 +0000

“WARNING: We recommend listening to Nuova Napoli while walking in the alleys of Napoli’s historic center, around wet clothes hanging and street vendors on tiny three-wheelers”. Così venivamo ammoniti sul Bandcamp dei Nu Genea in quell’ormai lontano 16 aprile 2018, quando per la prima volta ascoltavamo “Nuova Napoli”.

Allora tutto era diverso. Noi lo eravamo, l’Italia lo era, e con lei anche le strade di Napoli. Andando a memoria, i famosi “panni stesi” non erano ancora macchiati di colonialismo, diversamente dalle ape car che forse già qualcosa di turistico avevano.

È davvero difficile guardare indietro al giorno in cui i Nu Genea hanno ridato luce alla musica di Napoli con “Nuova Napoli”, perché il punto panoramico da cui guardiamo è pieno, saturo delle declinazioni più disparate e disperate della città partenopea.

Eppure, se pensiamo che questo disco è nato in uno studio di Berlino, tutto prende un po’ più di senso.

Nell’ascoltare per la prima volta “Nuova Napoli” (e quella è una di quelle prime volte che non ti scordi), una strana nostalgia ha pervaso le nostre orecchie: una nostalgia gioiosa, febbricitante, scalpitante di ritmi e immagini ancestrali, fatte di suoni così familiari che ci sembrava di conoscerli da sempre, forse perché li conoscevamo davvero dalle vecchie audiocassette dei nostri genitori che contenevano tanto della gloriosa Italia degli anni ’70 e ’80.

Tuttavia la ricerca di Massimo Di Lena e Lucio Aquilina, in “Nuova Napoli” così come nei loro lavori precedenti e successivi, è tanto oltre l’Italia: è Jazz, Funk, Afrobeat, è Disco, è Samba. È una ricerca forsennata d’archivio e di innovazione, attraverso la quale la riproposizione di elementi della tradizione sonora partenopea si sono trasformati in una brezza marina così fresca che ci stiamo dentro ancora oggi.

Da quel lontano 2018 non c’è stata un’estate che al primo raggio di sole qualcuno dalla cassa bluetooth non abbia fatto partire una canzone di questo disco. E contro ogni pronostico (chissà, forse anche di chi questo disco l’ha scritto) questa musica per la nostra generazione è diventata la musica del sole, del caldo, del “bello” per antonomasia. Una strada, quella del Nuovo Funk “Mediterraneo”, che era esistita per tanto tempo, e che i Nu Genea hanno rinnovato, all’interno di un sistema di astri e artistə che, prima o dopo, hanno tutti egualmente contribuito a quella che oggi è una scena viva, effervescente e con un messaggio musicale diretto e concreto.

Tutto questo ci fa ben sperare per un futuro fatto di musica di cuore, in cui anche da uno studio di Berlino, o in capo al mondo, possiamo ricordarci chi siamo stati ieri e chi vogliamo essere domani.

“E poje nu juorno mamma me dice: “Tu t’e a scetà

A vita cha vulive e sunnave non a può fa’

A verità è che si cresciuto che ce vuo fa’

Sientete nu poco ‘e funk e nun ce penza’.

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“Overgrown”: quando crescere è un ostacolo

Alessia Sciotto — Wed, 16 Apr 2025 09:22:17 +0000

Quand’è che si può dire di essere troppo cresciuti? Se ti ricordi la prima volta che hai ascoltato questo disco, o anche solo uno dei brani che contiene, probabilmente sai anche tu quanto la nostalgia sia uno dei sintomi di una eventuale “overgrowth”. Pensi che tutto era meglio prima, che il vento soffiava più forte, il cuore batteva più veloce. Ora hai cominciato a lavorare, l’università è lontana e anche il suono di Overgrown di James Blake, disco che oggi compie ben 12 anni, ti sembra qualcosa di ancestrale e non più raggiungibile.

Tuttavia, quando questa pietra miliare della musica contemporanea veniva alla luce, James Blake aveva accennato tra le righe la ragione dietro la scelta di questo titolo: ha parlato di una poesia, che ai tempi Complex aveva identificato con All overgrown by cunning moss, che Emily Dickinson aveva dedicato a Charlotte Bronte, scomparsa qualche anno prima. In quel contesto, l’ “overgrowth” è quella dei muschi e delle erbacce che hanno soffocato la gabbia in cui l’amica riposa. La crescita eccessiva è un ostacolo, un soffocamento, qualcosa che non fa più passare la luce.

In riferimento al fatto che il disco è tutto autoprodotto e sulle speculazioni di una collaborazione con Kendrick Lamar, al tempo James aveva detto: “Ho prodotto tutte le tracce in camera mia; non ho l’abitudine di andare in studio e strofinare due bastoncini tra loro per vedere cosa si accende. Provo a fare tutto più organicamente possibile, per me è un requisito imprescindibile” aveva raccontato sempre a Complex.

Ed è proprio di organicità e contatto umano che James Blake ha a gran voce detto di sentire la mancanza, il giorno che su Instagram, a seguito dell’uscita del suo ultimo disco Playing Robots Into Heaven, ha comunicato che sarebbe diventato un artista indipendente. “Sembra assurdo dirlo, ma dire che sono un artista indipendente mi dà la sensazione di avere molte possibilità di connettermi con voi” ha detto in un video esattamente un anno fa.

L’ “overgrowth” dell’industria pare aver soffocato James Blake dentro un sistema in cui il contatto con la sua fanbase sembrava troppo lontano rispetto ai tempi in cui timido ma determinato saliva sul palco del David Letterman Show a presentare il disco e la sua “Retrograde”.

“Why can’t I promote a show to people who follow me? How else am I supposed to let people know I’m playing? […] I refuse to subject my fans to the ridiculous amounts of unexplainable hidden fees they have to pay to come see me live. […] For so long artists and fans have been kept in separate rooms, and prevented from talking to each other about how bad it’s been getting. I wanna be in the same room as you, figuratively and literally”. Denunciando uno stato dell’industria gravemente malato, in cui l’artista è ridotto a un fantoccio intorno al quale cucire e ricucire guadagni, James Blake ha non solo rotto il silenzio su un tema sofferto da molt* artist* contemporanei, ma ha anche dimostrato la coerenza di una sensibilità che va oltre i suoi dischi, oltre l’udito.

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Chi lo segue assiduamente sa anche che la piattaforma a cui Blake ha deciso di affidarsi si chiama Vault, ed è uno spazio che promette di mantenere il contatto artista – audience vivo e diretto.

L’industria è un macchinario imperfetto e abbagliante, la cui crescita selvaggia sempre più spesso rischia di soffocare la creatività e il contatto con la realtà di chi l’arte la crea, la pensa e ne fa una ragione di vita. In un mondo che ci ha abituato a credere che la musica sia gratis, e che l’attività degli artisti sia qualcosa che ci è dovuto, supportare i progetti artistici che amiamo, andando ai concerti e seguendo attivamente i loro canali più diretti per rimanere aggiornat* sulle iniziative, è sempre più importante. Oggi, a 12 anni dall’uscita di uno dei lavori più poetici e segnanti di James Blake, vogliamo ricordarlo.

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5 documentari sull’evoluzione di Pharrell Williams

Alessia Sciotto — Sat, 05 Apr 2025 13:37:50 +0000

Che Pharrell Williams sia uno dei geni musicali del nostro tempo lo abbiamo detto tante e mai troppe volte. Ma qual è il percorso che ha portato Pharrell Lanscilo (questo il suo nome di battesimo completo) a diventare l’icona pop che è oggi?

Si può dire che la percezione di Pharrell come autore e compositore di brani famosissimi sia arrivata non troppo tempo fa, quando Genius ha sviscerato in un video l’ormai celebre “four count start” che in molti dei brani da lui firmati fungeva da producer tag.

Lì ci siamo accorti che quel ragazzetto con l’occhio allungato che spuntava come un fungo su tanti videoclip dei nostri artisti preferiti, da Justin Timberlake a Snoop Dogg, passando per Madonna, Gwen Stefani e tantə altrə, non era una semplice comparsa: era lì per cambiare la storia.

Per capire quale sia il manuale per arrivare a produrre i brani più di successo di un’intera generazione musicale, abbiamo provato a mettere insieme un pacchetto di documentari disponibili su YouTube per conoscere a fondo ognuna delle fasi della carriera del produttore più prolifico di Virginia Beach.

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Nella “FURÈSTA” con LA NIÑA

Alessia Sciotto — Fri, 28 Mar 2025 13:19:55 +0000

“FURÈSTA” è il nuovo, ribelle album de LA NIÑA. Tra ritmi ancestrali, atmosfere tribali e strumenti ora popolari, ora cortesi, questo disco è un viaggio corale nella crisi della contemporaneità, in cui la matrice d’ispirazione meridionale antica si abbellisce di interventi contemporanei senza snaturarsi.

Per capirci di più, abbiamo fatto qualche domanda proprio a LA NIÑA e al suo producer, Alfredo Maddaluno, che ha accompagnato la genesi di questo disco sin dalle origini.

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“Je sto vicino a te”: 70 anni di Pino Daniele

Alessia Sciotto — Sat, 22 Mar 2025 11:02:25 +0000

Se stai leggendo, probabilmente hai in mente il tuo brano preferito di Pino Daniele.
Il tuo disco preferito di Pino Daniele.
Una specifica fase della tua vita legata a lui.

Lo hai sentito nell’autoradio dei tuoi genitori mentre andavate al mare, magari nel tuo vecchio iPod andando a scuola, nella tua stanza preparando l’ultimo esame, in cuffia guardando fuori dalla finestra per andare di nuovo a lavoro.

Il legame con i cantautori italiani è qualcosa di atavico e inspiegabile. Capita spesso di sentir nominare Guccini, De Gregori, De Andrè come coloro che hanno cantato le nostre piccole vite rendendole grandi. Nelle loro parole, le emozioni piccole e apparentemente banali, sono diventate poesia alata e nobile. D’improvviso, anche chi aveva una storia misera aveva il diritto di raccontarla con onore.

Nell’olimpo dei cantautori però, il nome di Pino Daniele in qualche modo viene sempre dopo, non per importanza, ma per qualche forma di distacco. Eppure, ha raccontato così tanto di noi: quando abbiamo pianto, lui aveva una parola perfetta per descrivere quel momento. Quando abbiamo riso, ballato, lui aveva il groove. Quando volevamo buttare gli occhi al di là del mondo che ci circonda, lui ci ha preso per mano e ci ha portato nel blues, nel jazz, ci ha portato fino in America, anche quando “nun ce vuleva ‘i”.

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In una delle sue prime interviste, al programma “Teen” in cui la RAI presentava i talenti della nuova generazione di cantautori, Pino Daniele canta la sua Che Calore. Al sentire il titolo, la presentatrice lo incalza “Ah, ‘Che Calore’, Napoli, il sole, il mare…”. Pino le risponde: “Io lo sapevo che dicevi così. Purtroppo Napoli è stata sempre vista sotto questa veste… ma sotto il sole e sotto il mare c’è tanta miseria, ci sono tanti problemi che bisogna risolvere. È diventata un’etichetta dalla quale dobbiamo liberarci”.

Forse non è tanto l’olimpo dei cantautori ad aver tenuto Pino su un capitolo separato del racconto, quanto lo stesso Pino ad essersi imposto sin dall’inizio una missione unica, completamente diversa, più specifica ma allo stesso tempo più universale di altri. “Io racconto la Napoli di oggi, con tutti i suoi problemi, e lo faccio in una maniera abbastanza particolare, cioè tenendo presente di esperienze musicali avute in precedenza, cioè cantare in dialetto su un certo tipo di musica”, dichiara Pino in quella stessa intervista RAI nel 1976 presentando il suo primo disco, Terra Mia. Un solo obbiettivo dunque: denunciare, dando voce a chi voce non aveva, una condizione precisa e da lui conosciuta e vissuta in prima persona.

E se qualcuno non capisce le parole? Non importa, perché la musica di Pino è sempre stata altro, è sempre arrivata dove doveva. La scelta di lasciare quasi completamente il dialetto nella fase finale della sua carriera su dischi più leggeri, come Dimmi cosa succede sulla terra o Come un gelato all’equatore, è risultata così naturale proprio perché era una scelta. Nessuno, fin quando Pino ha voluto, ha potuto spostarlo dal parlare la sua lingua, la lingua dei suoi. E all’inetto che a Pescara nel 1980 gli diede dell’ignorante urlandogli dalla platea “Impara a parlare!” (nonostante stesse parlando in italiano), Pino risponde in dialetto “Nun fa niente parlà, l’importante è sapè sunà”.

Chissà cosa avrebbe detto Pino dei nostri giorni, giorni in cui Napoli viene tirata per la giacchetta, strattonata a destra e a manca: tutti ne vogliono un morso, tutti vogliono parlare la sua lingua reclamandola come propria, tutti ne fanno il baluardo di un Sud standardizzato, omologato, “spensierato”, fatto di panni stesi, sole e mare.

Ma il sole, quello cantato da Pino, non era mai uguale a se stesso: un giorno “basta na jurnata e sole e quaccheduno ca te vene a piglià”, quello dopo “sotto ‘o sole […] saglie sulamente ‘a voglia e jastemmà”.

Il mare di Pino non è gioioso, non è il mare di Gino Paoli o di Edoardo Vianello. “Chi tene o mare ‘o ssaje, porta ‘na croce”. Non ci sono acque cristalline davanti agli occhi del popolo, ma un mare “tutto spuorco, chino ‘e munnezza, e nisciuno ‘o vo’ guardà”.

Forse neanche lui avrebbe immaginato quanto queste parole sarebbero arrivate lontano, quanto ancora oggi il Sud sia travestito di una bellezza fatta solo per occhi viziati, assetati di consumo, di possesso, di individualismo. Neanche lui avrebbe immaginato quanto, a 70 anni dalla sua nascita, avremmo ancora avuto bisogno di lui.

Pino, stai ancora vicino a noi.

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“To Pimp A Butterfly”, dieci anni dopo

Alessia Sciotto — Sat, 15 Mar 2025 13:50:49 +0000

Keep calm. All is well.

— Kendrick Lamar (@kendricklamar) March 16, 2015

“Keep calm. All is well”. Esattamente 10 anni fa con queste parole Kendrick Lamar introduceva l’arrivo di To Pimp A Butterfly, suo secondo concept album e terzo tassello di una discografia colossale.

Già allora era difficile pensare di stare calmi all’uscita di un disco di K-dot, ma se si pensa che la release era stata prevista per la settimana successiva e che l’arrivo del disco il 16 marzo era un errore di Interscope e dunque una sorpresa bella e buona per tutti, Top Dawg compreso, il concetto di calma si allontana parecchio.

Abbiamo parlato davvero tantissimo di TPBA in questi anni: abbiamo scavato nel disco traccia per traccia, abbiamo raccontato i sample al suo interno e disaminato le produzioni nel dettaglio, con amore e devozione. Ma cosa augurerebbe il Kendrick di ieri al Kendrick di oggi? Cosa è rimasto di quel Kendrick, se è mai andato via? Dieci anni sono tanti, e la prima doppia cifra di questo disco iconico ci da l’occasione per farci delle domande importanti e per provare a capire Kendrick Lamar nel presente.

Ogni volta che ha scritto un concept album, Kenny è stato nominato al Grammy per Best Rap Album. Paragonare l’accettazione del grammofono d’oro per TPAB e quella per Mr Morale & The Big Steppers ci dice tanto di quanto la sua missione si sia evoluta e al contempo sia salita di difficoltà.

Celebrare i 10 anni di TPAB significa non solo ricordare l’emozione di aver sentito questo disco per la prima volta: un tuffo in una vera e propria enciclopedia della black music, con contributi che vanno dalla scena jazz contemporanea di Terrace Martin, Kamasi Washington, Robert Glasper, al soul funk vecchia scuola di Ronald Isley e George Clinton, e al nuovo di Bilal, Lalah Hathaway e Anna Wise, fino ai colossi del rap West Coast Snoop Dogg e Dre. Culmine di tutto, la pseudo intervista con Tupac in Mortal Man.

Se escludiamo GNX, lontano (fortunatamente, nell’opinione di chi scrive) dall’essere un concept album, il capitolo più recente con cui tentare il paragone con TPAB è proprio Mr Morale & The Big Steppers, un disco in cui la storia di Kendrick mantiene un grado importante di universalità, ma in cui il dramma centrale diventa quello personale.

Nel percorso tra questi due dischi il mondo di Kendrick si è praticamente capovolto.

In Alright, Kendrick plana sul mondo, vola, si erge sui suoi e copre loro le spalle, “If I got it, then you know you got it / Heaven, I can reach you”.
In Silent Hill, vorrebbe essere ovunque possa stare da solo, “Shh, be quiet, I’m stressed out”

In King Kunta, si prende il trono, “I run the game, got the whole world talkin”.
In Savior, chiede di riconoscere la sua umanità e rinnega la corona in senso biblico, , “Heavy is the head that chose to wear the crown”.

In momma è tornato a casa, la sua famiglia è Compton, e quando Kenny prega i suoi di riprenderlo indietro dopo il successo, viene accolto da un coro di voci rasserenanti, “We been waiting for you”.
In Mother, I Sober la famiglia è trauma generazionale, dolore, negazione, paura, “I’m sensitive, I feel everything, I feel everybody”.

In ogni ambito della vita, gli anniversari sono dei momenti in cui vogliamo ricordare cosa è successo ieri per capire meglio ciò che sta succedendo oggi. E anche se non servono occasioni da calendario per palpare la crescita e l’evoluzione di Kendrick Lamar, è curioso pensare cosa direbbe il Kendrick di TPAB, pieno di speranze e di voglia di lottare per un mondo migliore, al Kendrick di oggi, carico più che mai di responsabilità morali perché consacrato a star internazionale tra le più influenti del nostro secolo.

Pensandoci, se c’è qualcosa che in questi anni sembra non essere mai cambiato in lui è il suo equilibrio. Forse, allora, il vecchio Kendrick rassicurerebbe il nuovo con le parole con cui rassicurò il mondo all’uscita improvvisa di To Pimp A Butterfly: “Keep Calm. All is well”.

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Che ne pensava Roy Ayers del sampling?

Alessia Sciotto — Fri, 07 Mar 2025 13:10:13 +0000

In un anno in cui sembra che le buone notizie scarseggino ogni giorno di più, anche Roy Ayers ha da poco lasciato questa caotica dimensione terrena, non senza uno stuolo di menti creative che lo hanno omaggiato ringraziandolo del suo contributo alla fioritura spirituale e politica della musica moderna.

Tyler, The Creator (che nel 2015 lo aveva ospitato sulla sua FIND YOUR WINGS) ha detto nelle stories: “Ho imparato tutto da quest’uomo. Ho cercato di parlare di lui il più possibile. Lui è alla base del mio suono. Un vero alieno”. Nel 2016, quando era andato a vederlo a Los Angeles (città natale di entrambi), aveva postato un breve video, commentandolo così: “Grazie Roy, ti amo. Vedere ‘Searching’ ieri è stato incredibile. Non sono nemmeno riuscito a fare un video, i miei occhi erano incollati alle due sfere blu elettrico (le mazze del vibrafono, ndr.) che emettevano vibrazioni parallele agli accordi in cui le mie orecchie galleggiavano. […] Spero un giorno di poter unire persone di diverse età provenienti da mille posti diversi alla stessa maniera”.

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Kaytranada ha postato nelle sue storie il brano Keep on Movin’ per omaggiare questo artista che tante volte nel suo passato aveva shazammato, come dimostra questa sua vecchia playlist.

Questlove ha dichiarato che il suo sample preferito di tutti i tempi è J Dilla che campiona Ain’t Got Time di Roy Ayers per la traccia Little Brother dei Black Star.

Ma che posizione aveva Roy Ayers, un artista che negli ultimi 30 anni ha segnato con la sua musica così tanti capolavori, nei confronti dei sample?

In molte interviste gli viene posta questa domanda, e lui non è mai stato reticente nello spiegare il suo sentiment nei confronti di questa pratica ancora tanto dibattuta. “Io penso che l’Hip Hop sia qui per restare”, ha affermato nel 2016. “Nella mia mente immagino uno stile che fonda Jazz e Hip Hop insieme. Molti gruppi hanno provato a farlo campionando roba, ma non l’ho ancora visto fare nella maniera in cui me lo immagino”. Le sue posizioni nei confronti della street culture, dunque, sono di grande apertura, e sarebbe strano il contrario visto che nel lontano 1994 a seguire il tour promozionale di Jazzmatazz Volume 1 di Guru accanto ad altri giganti del Jazz c’era proprio Roy Ayers. Di quel tour, il re del vibrafono (come lui stesso amava definirsi senza falsi convenevoli) aveva raccontato che “è stato bellissimo, perché il Jazz aveva portato il pubblico maturo, mentre il Rap aveva portato il pubblico giovane, una vibe incredibile”.

Nelle occasioni in cui poi gli viene esplicitamente chiesto cosa ne pensa di chi ha campionato la sua musica, ha sempre avuto una posizione coerente: “Un giorno i miei figli mi hanno detto ‘papà, qualcuno sta suonando un tuo disco, ma suona strano, diverso’. Ho pensato fosse incredibile”. In un’altra intervista, sempre nel 2016 ha detto di sentirsi onorato che grandi menti come Erykah Badu, Jill Scott, A Tribe Called Quest avessero deciso di attingere al suo catalogo. E senza peli sulla lingua, ha commentato quella volta in cui Mary J Blige cantò su un sample di Everybody loves the sunshine dicendo: “è bellissimo quando hai una hit che dura per sempre, soprattutto quando ti entra il denaro!”. Una posizione dunque chiara: puoi usare la mia musica e sono felice di ispirarti, ma devi dare a Cesare quel che è di Cesare.

La prima volta in cui un duo di Brooklyn, gli X-Clan aveva campionato la sua Red, Black & Green, lui non era stato nemmeno avvisato, ed era sicuro di aver perso molto denaro che gli sarebbe spettato di diritto dall’uso di un suo brano.

Tuttavia, questo non gli ha mai tolto l’emozione di poter costruire un nuovo pubblico proprio grazie all’uso della sua musica da parte di altri artisti, e anzi in molte occasioni risulta mega critico nei confronti di chi è restio al sampling. Di Rick James, che al tempo si era adirato perché MC Hammer aveva campionato un suo brano nella sua iconica U Can’t Touch This, Roy Ayers ha detto: “He didn’t like the sample but I’m sure he did like the money!”.

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DtMF di Bad Bunny non è (solo) nostalgia

Alessia Sciotto — Thu, 16 Jan 2025 15:23:12 +0000

Quelle due sedie di plastica così, diverse tra loro, vuote, lasciate lì come se qualcuno si fosse appena alzato, nel giro di pochi giorni hanno già conquistato il pianeta.

Un titolo forte, incisivo, che parla tutte le lingue. Quelle di chi in questo mondo o in un altro ha qualcuno di così lontano che non può più essere visto, sentito o raggiunto.

“DeBÍ TiRAR MáS FOToS” di Bad Bunny è già una hit per gli annali e molti, nel descriverlo, hanno parlato di “nostalgia”. Nostalgia di una terra lasciata, lontana nel quotidiano ma ancora così vicina nel cuore. Se vogliamo guardare meglio dentro casa nostra, poi, moltə italianə fuori sede si sono completamente rivistə in quelle sedie e in tutto ciò che in quelle sedie si incarna, dalla frustrazione di una famiglia lontana, a quella di non poter crescere nel posto che ci ha vistə nascere.

Tutto molto vero, ma come nostro solito ci siamo presə un attimo per pensarci meglio. Davvero un disco nostalgico è tutto quello che Bad Bunny e la sua squadra volevano portare al mondo?

La risposta è no, e si trova nei lavori precedenti di Benito, ancor prima che tra le righe del disco stesso.

Due anni fa nel video di “El Apagón”, Bad Bunny inseriva quasi a tradimento un documentario di circa 15 minuti, in cui si parla della diaspora portoricana come un fenomeno forzato. Dalla demolizione massiva dei complessi popolari alla costruzione di resort di lusso, passando per la privatizzazione coatta delle spiagge e dall’elargizione di benefici fiscali appetitosi, negli ultimi 20 anni il governo portoricano ha portato avanti una serie di politiche dedicate al privilegio della borghesia Statunitense a cui di fatto, purtroppo, lo “Stato Libero Associato di Porto Rico” (così si chiama formalmente) fa ormai capo. Senza dilungarci troppo, noi torniamo a parlare di musica ma tu puoi approfondire tutto in questo video, con tanto di testimonianze, numeri e dati.

Anche la campagna promozionale del disco era “site-specific”. Gli ultimi giorni di dicembre, Bad Bunny ha condiviso sui social una serie di coordinate da Google Maps, ciascuna delle quali svelava il titolo di un brano del disco. Tra questi, alcuni si sono rivelati brani particolarmente pungenti, come “BOKeTE” (“buca nell’asfalto” – “Un giorno invecchierai, ti guarderai indietro e ti pentirai / ‘Che la cosa più reale che tu abbia mai avuto nella tua vita lo hai lasciato andare”, velato riferimento alle politiche del governo portoricano che forzano irrimediabilmente la diaspora), o ancora “TURiSTA” (“Nella mia vita sei stato un turista / Hai visto solo il meglio di me e non ciò che stavo patendo”, frecciata non troppo pallida ai grandi favoritismi nei confronti del turismo coatto americano).

DEBÍ TIRAR MÁS FOTOS (HASTA AHORA) 👇🏻📸

2 – VOY A LLEVARTE PA PR
3 – BAILE INOLVIDABLE
5 – WELTITA
7 – EL CLUB
8 – KETUTECRÉ
9 – BOKETE
10 – KLOUFRENS
12 – SANSE? (FIESTA?)
13 – PITORRO DE COCO
15 – EOO
17 – LA MUDANZA

Track 1?
Track 4?
Track 6?
Track 11?
Track 14?
Track 16? pic.twitter.com/wWX8SfTDjj

— Bad Bunny Network (@badbunnynetwork) January 1, 2025

Inoltre, tutti i visualizer del progetto siano delle vere e proprie slide in cui viene raccontata la storia, la sociologia e la politica di Porto Rico: la bandiera portoricana descritta nel visualizer di “NUEVAYoL“ , il racconto della rivolta dei Lares portoricani (rivolta tentata contro la dominazione spagnola) in quello di “TURiSTA”, la diaspora portoricana riassunta su “CAFé CON RON” e così via.

Una riflessione finale importante sull’intero progetto riguarda la partecipazione quasi esclusiva di artisti e artiste portoricanə, che trova la sua massima espressione nel video ufficiale di “DtMF”, diretto dallo stesso Bad Bunny. Il video vede la partecipazione di un’icona nazionale di Porto Rico, il regista e attore Jacobo Morales che vive in un futuro distopico ma tremendamente realistico in cui Porto Rico è ufficialmente diventata terra americana, e dove tutti gli usi e i costumi tradizionali sono spariti insieme alla lingua, ai luoghi, al cibo e alle persone native boricua.

“Quando ero piccolo, una volta mia madre comprò dei biglietti per andare in vacanza a New York. Quando ci fece la sorpresa ‘Indovinate? Andiamo negli Stati Uniti!’, io cominciai a piangere urlando disperatamente “No! Non me ne voglio andare, voglio restare a Porto Rico”, ha raccontato Bad Bunny a Zane Lowe.

C’è una nostalgia buona, che è la nostalgia del passato. Quella per le cose belle che abbiamo vissuto e che non torneranno, ed è una nostalgia che non può essere vinta, figlia del fluire del tempo e delle cose. Eppure con “DtMF” Bad Bunny è riuscito a raccontarcene anche un’altra, quella di un futuro ipotetico in cui il diverso è da distruggere, da capitalizzare. È una “nostalgia” brutta, una paura oscura e ombrosa, contro la quale però siamo ancora in tempo a lottare.

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Tutte le donne di Chromakopia

Alessia Sciotto — Mon, 11 Nov 2024 11:37:15 +0000

In queste due settimane abbondanti dall’uscita di Chromakopia abbiamo avuto modo di assorbire gran parte del contenuto di un disco molto diverso rispetto a quelli di Tyler, The Creator che abbiamo imparato a conoscere in tutti questi anni.

Stiamo parlando di un artista che è sempre stato se stesso dal giorno zero, eppure scopriamo solo oggi che da quel giorno zero, quello stesso artista ha tenuto nel suo cassetto dei segreti una serie di paure, timori, fastidi e ansie che ai nostri occhi avrebbero potuto renderlo più fragile. Dalle innumerevoli e multiformi recensioni a disposizione, poi, abbiamo appreso che il tema dell’età che avanza è il perno principale del disco, perno che in effetti accentra molta dell’attenzione dei temi generazionali millennial a cui Tyler si mette a disposizione: la paura di perdere i nostri genitori, la pressione psicologica di sentirci indietro rispetto a persone coetanee, e il timore eterno del giudizio delle altre persone sulla nostra vita, che nel suo caso specifico si traduce nell’intrusività del pubblico nella sua sfera privata.

Se per un attimo, però, ci allontaniamo dal mirino, ci sono due elefanti (bellissimi) nella stanza di cui si è ancora parlato molto poco, ma che per un artista uomo che viene dall’hip hop, costituiscono una mossa di rottura importante: non solo, infatti, la tracklist è costellata di nomi femminili, ma anche i racconti del disco lasciano moltissimo spazio a riflessioni su temi importanti del femminile contemporaneo, con un focus gigantesco sulla maternità.

Avevamo già visto fare questa operazione a Kanye West, con Donda (te l’abbiamo raccontata qui), ma qui l’approccio è molto diverso. È vero, i racconti di Tyler sono filtrati dall’occhio di un uomo e di un figlio, e possiamo certo individuare molti errori di ingenuità, ma più che prese di posizione sul piedistallo, Tyler si mostra completamente coinvolto in una serie di argomenti che a un orecchio superficiale sembrerebbero riguardare esclusivamente la figura femminile e in particolare della “madre”, ma che invece da un certo punto della vita in poi riguardano tutte e tutti senza distinzione.

Hey Jane, il problema di una gravidanza indesiderata che potrebbe essere l’ultima, accompagnato alla possibilità di essere un’altra madre single.

Judge Judy, la passione raccontata liberamente, senza la necessità di preservare una figura angelica, illibata e monogama della donna che ha amato.

Take Your Mask Off, il dissidio interiore di una donna che dopo la maternità vede la propria persona oscurata e risucchiata dall’incombente ruolo di “madre”.

Like Him, una donna che sbaglia e che ha il diritto di farlo, in nome delle battaglie che ha vissuto per restare viva.

Le donne nel racconto di Tyler sono personaggi con un’aura umana, non divina. Intervengono nei momenti chiave della storia illuminando l’intreccio del percorso di Tyler (che, ricordiamo, sta comunque raccontando di sé e della sua vicenda personale), ma lo fanno con l’importanza di chi fa 100% parte degli eventi, di chi non plana con un ruolo fatale e materialista, o peggio ancora divino, austero e interventista. Le donne di Chromakopia hanno pieno spazio per raccontare il loro punto di vista, e sono dentro la storia tanto quanto Tyler.

In questo senso, i nomi femminili che colorano la tracklist del disco e che sono addirittura più numerosi della loro controparte, costituiscono un’altra chiave di lettura fondamentale per la comprensione di questo disco onestissimo. A questi nomi femminili poi se ne affiancano altri che, anche se non vengono citati espressamente all’interno del racconto, possiamo identificare con sufficiente certezza senza speculare troppo.

Abbiamo già parlato abbastanza, ma un giretto veloce nel dettaglio dei nomi di tutte (o quasi) le donne di Chromakopia, non può che completare il quadro di quello che diventerà l’ennesimo highlight della discografia di uno degli artisti fondamentali della scena contemporanea.

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C2C Festival 2024: l’olimpo della musica del futuro

Alessia Sciotto — Tue, 05 Nov 2024 13:39:19 +0000

Ogni anno ce lo ripetiamo: la lunga notte di Torino al C2C Festival è un evento religioso a cui non si può mancare. Che tu sia lì per ascoltare e imparare, o solo per ballare e dimenticare, il festival avant-pop tra i più all’avanguardia d’Europa è lì ad aspettarti tra ottobre e novembre, come un premio per aver superato la fine dell’estate e aver ricominciato l’anno per portarlo a termine.

Quest’anno la line up costruita intorno agli headliners è stata più sperimentale del solito, a dimostrazione del fatto che se si chiama avant-pop c’è un motivo, e che la paura di “non piacere” non è contemplabile come ostacolo a un cartellone che per definizione deve sperimentare.

L’esperienza mistica di questo ventiduesimo anno di C2C Festival portava il claim “Living With The Gods”, un viaggio nell’olimpo della sperimentazione elettronica che al suo primo giorno, dopo un trascendentale set di Mica Levi, ha aperto le danze con uno dei nomi più controversi della scena underground targata UK: Dean Blunt. Com’è comprensibile, il set ha lasciato stupefattə moltə astanti, e se non conoscevi il personaggio probabilmente trovarti lì è stato parecchio strano.

NPR in un’intervista aveva usato dei termini perfetti per descriverlo, dicendo che “la musica di Dean Blunt può essere un’occasione per l’ascoltatore di esistere nel momento, in modo austero, al di là delle aspettative delle etichette di genere”. In quella stessa intervista, il padre di Babyfather, Hype Williams e di altri mille progetti sotto altri mille pseudonimi, dichiarava: I make sure the place is too smoky for me to even feel anyone else being there, and so I can smoke. So I don’t know about people.

In effetti, sullo Stone Island Stage (che poco si presta a mostrare l’artista, a parere di chi scrive scelta molto interessante e di rottura, perché ti obbliga ad ascoltare la musica e a tenerti il telefono in tasca) l’approccio è stato proprio questo. Salvo che la prima nota che esce dall’impianto è il riff di chitarra di Hexagram dei Deftones. Da lì, è tutto un capitombolare di tracce metal / punk rock dai Metallica ai Pantera, passando per Ramones, Misfits e Danzig. La setlist l’abbiamo snitchata per te e la trovi in questa playlist. Se eri lì per l’esperienza e non stare nella comfort zone, di certo ti sei divertitə in mezzo al pogo, ma soprattutto sul momento finale del set in cui, sulle note di One dei Metallica le persone hanno tirato fuori gli accendini. Che momento epico.

Se vuoi approfondire Dean Blunt, puoi farti un’idea del personaggio da questo mini-documentario dove a un certo punto dice “non mi piace la musica”.

Tanto spazio per Dean Blunt, perché in realtà il resto degli act non ha bisogno di presentazioni, visto che subito dopo sullo stesso palco nella cornice del Lingotto si è esibita Yaeji, diamante di punta della nuova scena elettronica di stampo koreano (ti ricordi? te ne avevamo parlato qui) in un set dritto ma dal suono stondato con tracce occasionalmente più melodiche, non derivativo dalla sua attività di artista e anzi, molto identitario di un’attività da DJ parallela e non sovrapponibile a quella discografica.

La stessa sera, poi, non potevamo perderci l’evento pensato appositamente da Bulldog Gin in una delle cornici più iconiche del festival, ovvero le stupende Officine Grandi Riparazioni, dove Mace ha coronato il suo debutto al C2C Festival con un DJ set esclusivo, per poi fare doppietta il giorno dopo sul main stage del Lingotto, in cui ha chiuso una serata già ricchissima con il suo nuovo imponente progetto audiovisivo Voodoo People!.

Sul suo stesso palco si erano già esibiti Nala Sinephro, uno stupendo Sega Bodega che ci ha regalato anche un inedito con Kiss Facility (esperienza sonora mistica vederlo live, super raccomandata), dei toccanti Darkside d’annata, primissima band universitaria di nostro padre Nicolas Jaar, e una rilucente Arca che come suo solito più che un concerto ha messo su una vera e propria performance.

Il sabato poi, dopo l’apertura spirituale di Shabaka, è stato un continuo avanti e indietro per acchiappare tutto il bello: da una parte l’area più sperimentale dello Stone Island Stage, con nomi come il rapper Billy Woods (della famiglia di Earl Sweatshirt, Alchemist & co.) e John Glacier (da cui forse ci saremmo aspettatə qualcosa di più), dall’altra il main stage con un live a dir poco estasiante di Sofia Kourtesis tra suoni estatici, colori e un mapping incredibile fatto di immagini femminili raccolte in tutte le forme (foto, sculture ancestrali, passaporti, video, …). Quando eravamo abbastanza caldə poi, da Torino Lingotto è passata di nuovo Romy (che a differenza di due anni fa stavolta ha portato un live set), la quale ha poi lasciato il posto ai Bicep, anche loro di ritorno sul palco del C2C Festival con un nuovo progetto live, Chroma.

Il fatto che infine l’evento più catartico sia stato quello di chiusura dei tre giorni di festa al Lingotto, fa pensare e apprezzare che davvero nulla di questo calendario sia lasciato al caso: A. G. Cook, semplicemente il producer di BRAT e di quasi tutti i lavori di Charlie XCX dal primo album in poi, ha deciso che tutte le persone presenti a quel set di chiusura dovevano essere stregate e uscire da lì senza capire nulla. Un set stupendo, dove tutti i sottogeneri dell’elettronica di stampo UK si sono incontrati in una sorta di religioso rito collettivo di epurazione finale, a chiusura di un’edizione divina che, come del resto tutte le altre, difficilmente dimenticheremo.

La notte di Torino quando c’è il C2C Festival dura circa 4 giorni. Se al Club to Club non ci sei mai statə, ci sentiamo abbastanza safe nel dirti che è un’esperienza che va fatta almeno una volta nella vita. Se invece non è la tua prima volta e sei andatə a cuore aperto, sai già che tutti i momenti del festival, anche quelli che ti fanno storcere il naso, subito dopo ti porteranno curiosità e voglia di scoprire cose nuove. L’olimpo deve proprio essere così: un posto paradisiaco, dove vorresti che la notte non passasse mai.

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Perché alcuni artisti non scrivono più dischi?

Alessia Sciotto — Tue, 22 Oct 2024 08:53:00 +0000

Le scorse settimane hanno richiesto tanto autocontrollo per non esplodere alla notizia che non uno, bensì due dei nostri artisti del cuore usciranno a breve con un nuovo disco. Ma quando abbiamo pensato di scrivere questo articolo, prima che tutto questo succedesse, l’idea era nata da un post in cui Steve Lacy si lamentava della troppa pressione su di lui: “Album di qua, album di là, dov’è finito il ‘ciao’?”.

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Subito sotto, Tyler, The Creator si affrettava a commentare “Ti capisco è una noia, soprattutto se non è mai uscito dalla mia bocca che un album era in arrivo, io voglio fare l’attrice lmfao”. Un paio di giorni dopo il commento è sparito, poco prima che Tyler pronunciasse per la prima volta la parola Chromakopia. La lamentela, poi, è continuata ieri, quando con il testo di Noid, lo stesso Tyler ha manifestato, verbalmente e visivamente in un video pazzesco con la sua ormai bestie Ayo Edebiri, il suo estremo disagio nel convivere con la fama e il bagaglio emotivo che deriva dall’essere famoso.

Ma perché lamentarsi? In fondo scrivere la musica è il loro mestiere no? Perché io vado in ufficio tutti i giorni e Frank Ocean non può entrare in studio e buttare giù 12 tracce e un concept? Con tutta la gente che lo circonda e che potrebbe aiutarlo, davvero non può fare un album? Scrivere un disco è questione di pressione sociale, di voglia di fare, o di dovere verso i fan?

Queste sono le domande che almeno una volta nella vita ci siamo fattə, quando stanchə di sentire Pyramids per la 500esima volta abbiamo puntato il nostro dito pieno di risentimento contro Frank Ocean o altre figure oscure del panorama musicale che, per qualche ragione, hanno una frequenza di pubblicazione molto più dilatata rispetto ad altre.

Per rispondere a questi e ad altri quesiti, ci toccherà porcene almeno altri due.

Il primo: qual è il vero motivo per cui alcunə artistə non scrivono più dischi?

Mettendo da parte per un attimo il risentimento e concentrandoci un attimo, le ragioni possono essere infinite. When I Get Home di Solange usciva completamente a sorpresa ben 5 anni fa, ma il fatto che da allora non sia spuntata sua nuova musica su Spotify, non significa che sia rimasta con le mani in mano. La mente di Saint Heron, infatti, negli ultimi anni ha messo da parte la centralità della propria figura per lavorare dietro le quinte come compositrice classica e direttrice artistica per progetti teatrali e intersezionali tra architettura, moda e design.

Per pensare ad altre casistiche, la mente vola ad André 3000, eternamente inseguito dai fan per avere qualcosa di nuovo. Nessuna preghiera, però, è stata più forte della sua forza (e del coraggio) nell’uscire non solo con un disco (di cui abbiamo parlato qui) che ha marcato una separazione importante dal passato che lo ha reso una divinità, ma anche con una serie di interviste in cui non ha nessun timore nel confermare questa rottura e nel dire “Io il rap non so più farlo, non penso di avere più nulla che valga la pena di essere raccontato”.

Non ci dilungheremo a parlare della nuova carriera beauty di Rihanna, né di quella da testimonial di A$AP Rocky, che l’ultimo album lo ha pubblicato nel 2018. Insomma, i motivi per cui non scrivere un disco dunque possono essere tanti, tutti leciti e sempre diversi, come diverso è il caso di artistə come Lauryn Hill, che con un solo disco ha cambiato (insieme a tutte le persone che quel disco hanno contribuito a costruirlo) la storia della musica, e le è stato sufficiente praticamente per sempre.

E poi è arrivato internet, e con lui il secondo quesito.

Fino a che punto abbiamo davvero il diritto di decidere cosa un artista debba o non debba fare?

Il web ci ha fatto credere di essere così vicini ai nostri artisti e artiste preferitə quasi da poterli toccare, da poter essere loro amici. Ci fa sentire come se vivessimo con loro, e dunque quasi come se sapessimo che cosa vuol dire fare i conti con il peso sia della fama che dell’estro creativo. E quando il venerdì apriamo la nostra playlist e ascoltiamo un nuovo brano, è come un giocattolo nuovo che all’inizio è il più bello del mondo, ma che ci stanca subito. Non ci lasciamo il tempo di affezionarci, perché dopo due, tre volte ne vogliamo (e generalmente ne abbiamo) subito uno nuovo.

È come un vestito di pacco, lo apri, lo indossi e ti senti dio. Dopo il primo giro in lavatrice perde smalto, perde significato. Ci serve un capo nuovo. E così è con il nuovo consumismo musicale. Forse abbiamo dimenticato l’umanità degli artisti? Il loro diritto a vivere di ciò che vogliono? Il loro diritto a potersi fermare?

Quando si parla di Kanye West, che tra i personaggi da citare è forse più controverso, qualcuno potrebbe dire: è vero, non è il Kanye di un tempo, ma lo si vuole bene per quello che è stato. Anche se adesso fa altra musica, parla di altri temi, sceglie altri linguaggi. Anche se ultimamente i suoi prodotti non funzionano come un tempo, è pur sempre lui. Meglio lui che almeno la musica la fa, di altri che la musica non la fanno.

Kanye non ricade certo nella sfera di chi non fa nuova musica (sulla carta, il suo nuovo album Bully sarebbe in arrivo in data da definire). Rientra però nella sfera degli artisti che ultimamente non ci danno quello che (in tantə, non tuttə) ci aspetteremmo da lui. Ye, così come Frank Ocean quando si alza dal palco del Coachella, come Steve Lacy che con rabbia distrugge una camera sul palco davanti a tuttə, come Tyler che dice “Don’t call me King, I’m not your twin / I’m not your brother, we just met”. Tutti esseri umani, con le loro fragilità, le loro ferite, come me che sto scrivendo e te che stai leggendo. Solo con gli occhi di tutto il mondo puntati addosso.

Possiamo pensare ai nostri artisti e artiste del cuore come a degli industry plant, che ci iniettano una dose regolare di un prodotto sintetico.

Oppure possiamo fare un respiro, avere pazienza e, facendo pace con il fatto che in potenza un nuovo disco di quell’artista potrebbe non arrivare mai, aspettare il prodotto sincero e onesto che ci cambierà davvero la vita.

La scelta sta solo a noi.

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7 anni del debutto-non debutto di Steve Lacy

Alessia Sciotto — Tue, 20 Feb 2024 12:44:22 +0000

“Steve Lacy’s Demo“, l’EP di debutto di Steve Lacy che in questi giorni compie già il settimo anno di età, non è un EP di debutto come gli altri.

Quando parliamo di “debutto”, infatti, pensiamo a un artista che abbia appena cominciato la sua carriera, che abbia messo insieme alcuni dei suoi pezzi migliori per regalarli al mondo e affacciarsi alla musica con la propria voce (sia essa fisica, o di uno strumento) per la prima volta. La storia di Steve Lacy, invece, è ben diversa: questa raccolta di brani, infatti, arriva a coronamento di una carriera surreale fatta non solo di felici coincidenze e di momenti fortunati, ma anche di una voglia sfrenata di entrare nel mondo della musica a qualsiasi costo e, soprattutto, con qualsiasi mezzo.

Un giorno Steve Lacy, che al tempo aveva appena 15 anni e suonava nella banda della scuola, incontra un tastierista di nome Jameel Bruner (sì, è il fratello di Thundercat), che in quel momento stava entrando a far parte della nuova formazione dei The Internet. Fino ad allora, infatti, la band di Syd e Matt Martians affiliata alla Odd Future, stava attraversando un momento di ricomposizione, dopo la dipartita dal gruppo del tastierista Tay Walker. La formazione originaria, poi, non prevedeva un chitarrista fisso, ma Jameel pensa subito che al gruppo avrebbe fatto bene averne uno, e Steve sembrava davvero calcare tutti i requisiti.

Fino a quel momento, Steve non si era mai pensato come un musicista di professione. Ormai leggendaria è la storia, da lui stesso raccontata durante una TED talk del 2017, che nella sua lista di Natale ogni anno ci fosse un Macbook, che la sua famiglia non aveva mai potuto comprargli. Tutte le persone creative di successo che lo circondavano ne avevano uno, ma quando lo scoglio si fa inarginabile e la possibilità di comprarlo erano ufficialmente a zero, ecco che Steve riesce a mettere le mani su un iPod Touch. Basterà un cavo per pluggare la sua fedelissima e piccolissima chitarra elettrica che possiede da quando era bambino (e che esibisce fieramente proprio sulla copertina del suo primo singolo “Dark Red”) per cominciare a registrare le sue prime demo.

Dall’ingresso di Steve Lacy, il suono dei The Internet cambia completamente: ascoltare “Feel Good” e “Ego Death” di fila, fa comprendere quanto del suo timbro e della sua cifra stilistica sia permeata nella poetica musicale già così raffinata della band. Per lavorare a “Ego Death”, Steve avrà l’opportunità di entrare in uno studio vero, con tutta la strumentazione professionale del caso. Eppure, molte delle cose che sentiamo in quell’album nascono dallo stesso workflow: un riff di chitarra, un tappeto di voci armonizzate e una linea melodica registrate sull’iPhone. Questo è il primo disco a cui Steve Lacy mette mano, un lavoro che a soli 18 anni lo porterà ad essere candidato ai Grammy per Best Urban Contemporary Album.

A quell’età, Steve Lacy non può fare tante cose: sono tanti i locali frequentati dai The Internet in cui lui non ha l’età legale per entrare, e sarà costretto a saltare una serie di date dell’Ego Death Tour a causa degli impegni scolastici (chi era al Biko a Milano il 22 marzo 2016 ricorderà sicuramente la sua grande assenza). Ma è proprio nella fase successiva alla vibrante febbre per “Ego Death” che cominciano ad aprirsi nuove strade per lui, di cui una in particolare lo consacrerà ufficialmente a produttore professionista: Kendrick Lamar lo porterà in studio con sé per registrare delle demo che porteranno alla nascita di “PRIDE.”, in cui Steve Lacy produce la strumentale e registra le voci principali del ritornello, il tutto senza mai compromettere il suo personalissimo stile e timbro.

In quel prezioso 2017, con una carriera già all’apice, Steve decide che è il momento di riaprire i suoi cassetti personali e raccontare la propria storia come artista individuale, oltre che come producer e membro di una della band più apprezzate della musica urbana di quel periodo. E così viene alla luce “Steve Lacy’s Demo”, una raccolta di brani che più che demo registrate con un iPhone suonano a tutti gli effetti come le canzoni fatte e finite di un artista che sa benissimo cosa vuole dire e come vuole dirlo.

Questo racconto non è solo la storia di un “sogno americano”, ma anche la base su cui ci sentiamo di smentire tutti coloro che hanno tacciato Steve Lacy di essere una meteora usa e getta dei social (il fatto che “Dark Red” abbia più play di “Bad Habit” è abbastanza indicativa in questo senso). Se nel 2017 il mondo (e forse lo stesso Steve) pensavano che per lui quello fosse davvero l’apice, il senno di poi sulla carriera in perenne ascesa di questo artista ci dimostra che se le cose vanno già bene, non è detto che non possano andare ancora meglio.

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R&B starter pack: 5 dischi fondamentali

Alessia Sciotto — Tue, 13 Feb 2024 11:35:40 +0000

Ti è mai capitato di chiederti quale sia la differenza tra R&B e Neo-Soul? Se per qualche caso li avessi confusi, non è assolutamente una colpa. In effetti anche Spotify sembra abbastanza confuso sul tema: la playlist R&B anni ’90, infatti, è un miscuglio di Sade, Erykah Badu, D’Angelo e Maxwell che potrebbe mandare in confusione.

È normale avere difficoltà a trovare differenze tra generi così simili, ennesima dimostrazione del fatto che i generi musicali sono probabilmente una trovata utile a commercializzare la musica più che a riconoscerla. Eppure, oggi con voi vogliamo provare a distinguere i confini di questo genere che nella finestra tra gli anni ’90 e i ’00 ha avuto il potere di consolidare alla massima estensione pop e radiofonica le sfumature della black music in tutte le sue forme. E come per tutti i nostri starter pack, abbiamo preparato una bella playlist tutta da spulciare mentre leggi questo articolo per viaggiare brevemente nella storia dell’R&B.

Il termine “Rhythm and Blues” sembrerebbe risalire addirittura agli anni ’50, quando venne coniato da un giornalista di Billboard per etichettare quella che fino a quel momento veniva definita col termine derogativo “Race Music”. Con questa espressione si designava un calderone di musica contemporanea che piantava le sue radici nella tradizione afroamericana, dunque tutta quella musica influenzata da Jazz, Blues, Gospel, nonché dal Rock’n’Roll (che ricordiamo, è un genere ibrido derivato dall’incontro dalle melodie Blues con le ritmiche Swing e Country), e nel ventennio successivo, dal Soul.

Ma è tra la fine degli anni ’80 e l’inizio dei ’90 che vediamo l’R&B prendere la forma che oggi ci suona più familiare. Con l’avvento di nuove diavolerie giapponesi tra cui campionatori, sintetizzatori e drum machines, il soul per come lo conoscevamo fino a quel momento comincia a mutare. Arriva così il Contemporary R&B (noto semplicemente come R&B nella cultura popolare, ma molto diverso rispetto alle sonorità che nei decenni precedenti venivano etichettate con lo stesso nome). Se icone come Whitney Houston, Sade, Anita Baker, Luther Vandross, Chaka Khan, e soprattutto Michael Jackson possono essere considerati precursori del genere, è Janet Jackson che segnerà una milestone che dividerà il prima e il dopo dell’R&B, con l’album “Control”, dove l’uso massivo di elementi ritmici di Soul e Funk, combinati con sonorità affini al Rap e al New Jazz Swing costituiscono un unicum che la consacrerà definitivamente a popstar e aprirà una nuova strada per i posteri.

Gli anni ’90 sono gli anni delle girlband e delle boyband, ed è qui che finalmente l’R&B comincia a consolidarsi con gli elementi che oggi riconosciamo come suoi: ritmiche hip hop, sonorità soul, elementi del rap e soprattutto un feeling pop molto intenso e diverso da quello del neo-soul, che ha un feeling più jazzy e che ha avuto un successo commerciale rilevante, ma molto più “a spot” rispetto a ciò di cui parliamo adesso. È così che le radio vengono inondate di SWV, Destiny’s Child, Tony! Toni! Tonè!, TLC, Zhanè e di artisti e artiste che, come Brandy, Alicia Keys, Mariah Carey e Usher, hanno fatto dell’R&B un successo commerciale che viaggerà attraverso tutti gli anni ’00 per arrivare, in una forma totalmente trasformata, fino a oggi. Grandi complici di questo successo saranno producer del calibro di Jermaine Dupri, Puff Daddy, Darkchild, Scott Storch, The Neptunes, e Timbaland, assolutamente non trascurabili in quanto primissimi artigiani del suono.

Il nostro breve viaggio è già finito, e se la playlist non ti è bastata, sfogliando di seguito trovi quelli che secondo noi sono 5 dischi che non possono mancare nel tuo ultimate backpack R&B.

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“Ma quale idea”: storia di un’eterna meteora

Alessia Sciotto — Fri, 09 Feb 2024 10:01:42 +0000

Pino D’Angiò a suo dire non è mai stato un cantante. “Ho sempre fatto questo mestiere per gioco”, ha raccontato di recente. “Non ho mai creduto che potessi essere un cantante perché non lo sono né ho mai voluto esserlo”.

Eppure è sempre stato un artista. E quando la sua carriera artistica viene ridotta a un solo brano, un personaggio non può che risentirsi: “Con tutte le cose che ho fatto, la gente mi chiede sempre Ma quale idea…”. Ma com’è possibile concentrarsi sul resto di una produzione di un artista, per quanto meritevole, quando quello stesso artista ha scritto una canzone capace di scintillare per più di 40 anni come quando era fresca di uscita? Quel brano è proprio Ma quale idea, e il suo potere quasi oscuro è quello di farci ballare da due generazioni.

Un giorno come un altro Giuseppe Chierchia, che studiava medicina a Siena dopo esser stato espulso dalla marina per “poca attitudine militare”, si improvvisa cabarettista in un club di Firenze. La cosa gli va piuttosto bene, tanto che durante uno spettacolo viene notato da Ezio Leoni, noto discografico di Milano titolare dell’etichetta RI-FI, che tra i tanti aveva prodotto alcuni dischi senza tempo di Mina, Iva Zanicchi e grandi band prog italiane tra cui I Giganti. Leoni raggiunge Chierchia dopo uno spettacolo in cui si era esibito in alcuni pezzi con la chitarra e, allungandogli il biglietto da visita, gli dice: “vuoi fare un disco?”

Un anno dopo, Chierchia a 24 anni si ritrova a incidere per RI-FI un primo doppio singolo “Ma quale idea / Lezione d’amore”. Quando la moglie Maria Teresa sente Ma quale idea per la prima volta, suonata con la chitarra in un momento tranquillo, alla domanda ‘com’è?’ risponderà ‘DISGUSTOSA’.

Sarà quella canzone a scrivere la storia di quello che da lì in poi sarebbe stato conosciuto come Pino D’Angiò, nonché del suo primo disco “…Balla!”, arrangiato insieme al grande pianista e compositore Enrico Intra, e al figlio del grande chitarrista jazz Franco Cerri, di nome Stefano, artefice e reinterprete delle celebri linea di basso di questo album, che hanno segnato la storia della disco italiana e che pescavano a piene mani dal funk americano (il basso di Ma quale idea, per esempio, è un’interpolazione di Ain’t No Stoppin’ Us Now di McFadden & Whitehead).

Quella canzone “disgustosa”, oltre a far ballare tutta Europa e a porsi come primo esempio di spoken word nella musica commerciale in Italia, verrà campionata per la prima volta in un brano dance nel 1999 dal duo australiano Madison Avenue, Don’t Call Me Baby: il successo è subito planetario.

Da lì, la parabola di Ma quale idea sarà in perenne ascesa, una meteora che ad oggi non ha ancora toccato terra: nel 2005 i Flaminio Maphia, con la loro ironia e il loro unico piglio, ne faranno una reinterpretazione iconica dal titolo Che idea; lo scorso anno, con TikTok intasato di GRWM sulle note di “L’ho beccata in discoteca”, anche l’icona della Dance francese Myd ha omaggiato Pino D’Angiò con un remix da capogiro. E ultima ma non meno importante, la call dei bnkr44 che stasera si presenteranno sul palco dell’Ariston al fianco del maestro per rivisitare Ma quale idea in occasione dei duetti per il Festival di Sanremo.

@bnkr44 #sanremo2024 #bnkr44 #bunker44 #pinodangiò ♬ Ma quale idea – Pino D’Angiò

In occasione del successo di Ma quale idea, a suo tempo le testate titolavano “Quattro dischi d’oro per una faccia di bronzo”. Ma per chi sa che il personaggio sbruffone e menefreghista costruito da Chierchia è una parodia, queste parole suonano superficiali e riduttive nei confronti di un artista che è sempre stato sé stesso, e che la fama e il successo non li ha mai cercati.

“‘Cantante’ è l’unico mestiere che viene definito col participio presente. Il medico non è guarente, il falegname non è segante. Questo perché il cantante esiste mentre esercita il suo lavoro, poi un attimo dopo, puff! Sparisce”.

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Alcuni brani campionati dai Justice

Alessia Sciotto — Tue, 30 Jan 2024 10:21:32 +0000

Circa una settimana fa aprivamo Instagram e ci sentivamo investire da una notizia che aspettavamo da ben 8 anni: i Justice (pronuncia rigorosamente alla francese, [jus·tis]) sono finalmente tornati in studio e hanno scritto un nuovo album dal titolo Hyperdrama, in uscita il prossimo 26 aprile.

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Non che i Justice ci abbiano lasciato a bocca asciutta per tutto questo tempo: dal 2016, quando usciva il loro ultimo disco Woman Worldwide, il duo francese ci ha tenuti in bilico su un paio di lavori a loro modo sazianti tra cui, oltre a delle versioni deluxe di D.A.N.C.E. e Cross, anche un EP solista di uno dei due membri, Gaspard Augé, dal titolo Escapades, e nel 2022 un EP dal titolo Planisphere con materiali inediti del 2008 scritti poco dopo l’uscita del loro omonimo album, detto anche Cross, del 2007.

Riguardo al nuovo disco, in uscita per la ormai fedelissima Ed Banger, i due pionieri dell’elettronica francese non hanno fatto segreto di tutte le reference da cui hanno attinto per la scrittura di questo nuovo capitolo: “Ci piacciono tutti i generi di musica che non appaiono nel progetto Justice, ma forse i due principali generi che coesistono sin dall’inizio sono la Disco Funk e la musica più Elettronica”, hanno raccontato a DJMag parlando del primo doppio singolo uscito lo scorso mercoledì. “Per noi (Generator) suona come Getaway dei Salsoul Orchestra, ma con suoni presi dalla cultura gabber e techno anni ’90. […]”. Dai loro racconti, anche One Night/All Night sembra essere una mescolanza ordinata di una serie di elementi. “Eravamo tipo: ok, facciamo una canzone tutta techno, poi tutta disco, e poi tutta techno di nuovo”. Neanche la scelta del featuring con Tame Impala è lasciata al caso, come hanno spiegato a Rolling Stone: “Volevamo che questa traccia suonasse come se un loop dark / Techno alla Justice avesse trovato un sample Disco in loop della voce di Kevin Parker”.

Dici “sample”, e noi non aspettiamo un secondo per raccontarti tutta la storia che sappiamo sul tema. Come si può intendere dalle parole con cui loro stessi descrivono le loro composizioni, quasi un puzzle organico di elementi completamente diversi tra loro, i Justice non sono assolutamente nuovi alla pratica del sampling: per costruire la loro cifra stilistica, infatti, hanno attinto a piene mani dai sacchi della musica Soul, Hip Hop e Mainstream Pop dell’ultimo secolo, e ti assicuriamo che hanno campionato brani che non ti aspetteresti mai.

Allora, in attesa che i Justice portino il nuovo disco al Nameless Festival di Lecco il prossimo 14 giugno, e soprattutto in attesa del nuovo disco stesso, ci ripassiamo la loro discografia e tutte le loro reference preferite sfogliando al volo un paio di sample che il duo francese ha impiegato in alcuni dei suoi pezzi più iconici.

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Trip Hop starter pack: 5 dischi fondamentali

Alessia Sciotto — Tue, 23 Jan 2024 11:31:43 +0000

Per lo starter pack di oggi abbiamo deciso di dedicare uno spazio a uno dei generi più ibridi, e dunque spesso più difficili da distinguere, nella storia della musica contemporanea.

Per la sua natura spontanea e organica (più un “movimento” che un genere musicale definito), quello che oggi chiamiamo Trip Hop, per lungo tempo non ha portato questo nome. Ma andiamo con ordine.

Siamo a Bristol, e alla fine degli anni ’80 la cultura dancehall / soundsystem importata dalla comunità di origine jamaicana è già più che radicata sul territorio inglese. In quegli anni tutti i party di quartiere più esaltanti, che avevano luogo come spesso accade nelle aree urbane più svantaggiate, non potevano sottrarsi a un’ibridazione reggae e dub di quello che era l’humus di partenza del panorama musicale inglese underground del periodo, fatto di subculture della black music che suonavano jazz, funk, hip hop, rap e R&B.

È un collettivo chiamato “Wild Bunch” che segna definitivamente una linea logica in questo felice caos, e non solo diventando il nucleo nevralgico degli eventi underground di Bristol. Di questo collettivo, infatti, facevano parte Andew Vowles, Robert Del Naja, Grant Marshall e Tricky, che nel 1987 avrebbero fondato un gruppo chiamato Massive Attack.

Prima di avere il primo album dei Massive Attack, il mondo dovrà aspettare 4 anni di sperimentazione e tentativi che, però, culmineranno con quello che ad oggi è considerato il primo vero disco Trip Hop della storia: Blue Lines. Si delineano così finalmente i termini di questo genere così labile: batterie hip hop, basso dub, sample melodici presi dal jazz e dal soul, e voci spesso eteree, melanconiche, al limite della psichedelia.

I primi anni Novanta vedono finalmente il fiorire di una rosa di band inglesi che si fanno portavoce del genere e che lo marchieranno a fuoco, tra cui Portishead, Moloko, Morcheeba e lo stesso Tricky che nel 1995 intraprenderà la carriera solista. Fino a quando il movimento era rimasto a Bristol, il genere portava il nome di “Bristol sound”. Ma è quando questo sound scavalca i confini di Bristol e addirittura dal Regno Unito che arriva l’etichetta “Trip Hop”.

Nel 1994, infatti, un giornalista di Mixmag, usa questo gioco di parole tra Trip (in inglese “viaggio”) e Hip Hop, per descrivere le sonorità di un brano di DJ Shadow dal titolo In / Flux.

Le sonorità, i breakbeat, i sample ricordano certo l’Hip Hop, ma è tutto troppo downtempo, psichedelico, proprio come un viaggio spirituale. E in quello stesso viaggio fuori dall’Inghilterra si imbarcheranno band storiche come Hooverphonic, Thievery Corporation, Kruder & Dorfmeister, e a tratti persino Björk, che nel suo album Debut non accenna a nascondere influenze Trip Hop forse lontanamente derivanti anche dalla sua relazione del tempo con Tricky.

Anche in Italia non abbiamo aspettato molto per godere dell’impatto positivo di questo nuovo ibridissimo genere. Il primo disco Trip Hop italiano sembrerebbe essere Daniela è felice, di Mietta, datato 1995. Ma se provassi a riascoltare Luce di Elisa sotto un’altra luce, appunto, riusciresti forse a sentire quelle influenze deep, oscure, con il rullante tirato e definito. Il disco da cui questo brano è tratto, infatti, Asile’s World, è composto quasi interamente di brani in inglese dalle sonorità downtempo che tanto ricordano il Bristol sound. Altri act come Almamegretta e Casino Royale hanno portato e plasmato questo suono in Italia, ma più che descriverlo forse è il caso di ascoltarlo.

In questa playlist trovi una selezione dei brani che, secondo noi, non si possono non conoscere nell’approcciarsi al Trip Hop. Se sfogli invece, abbiamo selezionato quelli che per noi sono i 5 dischi fondamentali da conoscere se stai incontrando questo genere per la prima volta.

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C’è una playlist nascosta nelle caption di Tyler, The Creator su Instagram

Alessia Sciotto — Tue, 16 Jan 2024 11:56:50 +0000

Tyler, The Creator non smette mai di stupirci e oggi ne abbiamo l’ennesima riprova.

Guardando le sue caption su Instagram, infatti, vi sarà capitato di notare che alcune frasi sembrano totalmente distaccate dalle foto che descrivono.

La prima volta che Tyler usa questo espediente è nel luglio 2017, quando pubblica una sua foto seduto su un prato con la caption “musiq- 143 bridge”.

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Quella “Q” in “musiq” non può far altro che farci pensare a Musiq Soulchild, e quindi corriamo dritti su Spotify per renderci subito conto che 143 è un brano del disco Aijuswanaseing. Arrivati al ritornello del brano, poi, non possiamo che sentire in modo netto ed equivocabile il blueprint di Boredom.

Dopo di che, da quel luglio in poi, si nota che spesso queste frasi apparentemente sconnesse sono precedute da un numero.

Ebbene, basta tornare su Spotify e cercare dette “frasi” per scoprire che sono tutte titoli di canzoni, e che il numero indica la posizione del brano all’interno della tracklist dell’album di riferimento. La prima volta che un numero compare dietro al titolo è ad agosto del 2017, nella caption “8. self control”, un chiaro riferimento a Frank Ocean che la gente riprende subito con stizza: “Track 7!!!”

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Da lì in poi è una sfilza di titoli e di brani. Tutti brani che hanno ispirato o accompagnato Tyler in determinate fasi della sua carriera, e la varietà è davvero surreale: si passa dal Trip Hop dei Portishead al Soul di Stylistics e Stevie Wonder, passando per King Krule e Jamiroquai, e arrivando fino ad Ariana Grande.

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Per evitarti il lavoraccio di riprendere tutte le caption dal 2017 fino ad oggi, abbiamo messo su una bella playlist con tutti i brani, fino ad arrivare a quello di fine 2023, “3. Time Million (2023 favorite year of my life so far)”.

La buona musica è davvero ovunque. Basta saperla cercare.

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Nel 2024 esistono ancora i “gusti musicali”?

Alessia Sciotto — Tue, 09 Jan 2024 10:45:01 +0000

I “gusti musicali” sono il gancio che ti può legare a qualcuno per tutta la vita o la navicella che può spedire una persona il più lontano possibile da te.

Ma quali sono nel 2024 le ragioni per cui ci innamoriamo di un brano, di un disco, di un artista? Rispetto a un decennio fa, il nostro modo di legarci a un prodotto sonoro è davvero cambiato?

In apparenza suonano come domande immotivate, ma alle porte di questo nuovo anno, in un mondo che cambia di giorno in giorno così follemente, abbiamo motivo di pensare che sia necessario dedicare uno spazio a questa riflessione e guardarci dall’esterno come esseri ascoltatori e ascoltanti, per capire qual è il motivo per cui amiamo un artista piuttosto che un altrə.

Se lo compariamo a un 2022 marchiato a fuoco da Kendrick Lamar, SZA, Rosalía, Steve Lacy e Beyoncé (per citarne un paio), il 2023 è stato un anno in cui i grandi eventi discografici sconvolgenti non sono stati moltissimi, e per la nostra riflessione partiamo proprio dal citarne un paio.

A due anni dall’(ormai non più) ultimo EP Intimidated e a quattro dal suo ultimo disco BUBBA, KAYTRANADA è tornato in pompa magna affiancato da Aminè con un nuovo progetto dal titolo KAYTRAMINÈ, che abbiamo cominciato ad amare ben prima che uscisse. Ci ha fatto volare? Ovviamente. Ma in mezzo ai fumi dell’hype, ci siamo mai chiestə se potesse esistere la possibilità che quel disco non ci piacesse? Che quella coppia rischiasse di essere solo l’unione di due icone?

Spieghiamoci meglio.

L’uso del termine “icona” non è un caso: “icona”, infatti, deriva dal greco “immagine”. Qualcosa che dunque contempliamo per come appare, non per forza per com’è. E quale migliore esempio di icona se non Kanye West, che per circa un mese ci ha tenuti col fiato sospeso nella speranza di ascoltare il suo prossimo disco riecheggiare tra le lande di Reggio Emilia per poi catapultarci nella delusione più totale? È difficile mettere in discussione un personaggio che da ben 20 anni (sì, The College Dropout usciva ben 20 fa) si è guadagnato la nostra più totale fiducia scolpendo di prima mano le forme della musica contemporanea. È difficile anche riuscire a credere alle teorie complottiste che vogliono che Vultures, il nuovo disco in collaborazione con Ty Dolla $ign che dovrebbe uscire tra tre giorni, sia pieno di riferimenti più o meno velati a posizioni politiche massimamente estremiste. Ma in questo caso la domanda è: quanto dei nostri gusti musicali viene scalfito da questi eventi? Se il disco in fondo non fosse come ce lo aspettiamo, se Kanye non corrispondesse più all’idea musicale che ormai abbiamo di lui, saremmo capaci di accettarlo?

Lo stesso immenso pericolo di cecità è legato a un’altra icona gigante che tiene stretto in mano il nostro cuore da quando ha aperto bocca per la prima volta.

Insomma, se Frank Ocean facesse un disco inconsistente, avremmo la lucidità per rendercene conto? Anche quando la risposta fosse no, saremmo comunque nella ragione, e il motivo è semplice: se è vero che negli anni Duemila perchè un artista entri nelle nostre grazie deve avere stile e carisma oltre che talento, è altrettanto vero che è sempre stato così sin dalla notte dei tempi.

Come puntualizzato da Erykah Badu durante un’intervista di un po’ di anni fa, infatti, prima del digitale esisteva già un canale di persuasione visiva fondamentale per gli artisti: erano le copertine dei vinili, al tempo unico punto di contatto che un fan potesse avere con i propri idoli (se si escludono i concerti, ma quella è sempre un’altra dimensione). Già allora la copertina di un disco poteva affascinare, come faceva Donna Summer, creare empatia come nel caso di What’s Going On di Marvin Gaye, o trascinarti in una storia, come nel caso della foto che campeggia su 36 Chambers, in cui i sei membri non incarcerati dei Wu-Tang si presentano mascherati in onore degli assenti Method Man e U-God.

A prescindere dal fascino della quotidianità digitale, dal racconto dei social e dalla nostra percezione soggettiva del fenomeno “musica”, che ci piaccia o no il motivo per cui nel 2024 ci piace un artista piuttosto che un altrə è ancora il più antico del mondo: perché in un modo o nell’altro dentro quella persona, dentro quel suono, dentro quel racconto, rivediamo qualcosa di noi stessə. E a prescindere da come quell’artista cambierà nel tempo, si è legatə a noi in modo indissolubile, farà parte di noi per tutta la vita, e per questo gli perdoneremo qualsiasi scivolone, errore o nefandezza artistica e umana.

E allora quando ci passa per la mente che il digitale ha creato dei miti, o che il bombardamento di immagini a cui siamo abituati ha distolto la nostra attenzione “dalla vera musica”, è bene ricordarci che internet ha solo nutrito e potenziato qualcosa che in realtà esisteva già. Perché da sempre e per sempre ascoltare e valutare ciecamente un prodotto musicale senza farci influenzare dall’adorazione e dall’immedesimazione che proviamo per il personaggio che lo canta è umanamente impossibile.

Se siamo qui oggi a scrivere questa riflessione, è solo perché per questo 2024 vi e ci auguriamo di riuscire sempre a ricordarci del nostro diritto di replica, di cambiamento e di messa in discussione dei nostri gusti musicali, così come di tutte le cose importanti della vita a cui ci siamo abituatə e che in un modo o nell’altro ci definiscono come persone.

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I migliori sample del 2023

Alessia Sciotto — Fri, 22 Dec 2023 12:00:24 +0000

A metà anno avevamo già fatto una breve lista dei sample che fino a quel momento ci avevano fatto sussultare.

La fine dell’anno che sembrava così lontana è già arrivata e, insieme a lei, il momento di ripercorrere quelli che secondo noi sono stati i 23 sample migliori di questo 2023.
Nell’ultima slide li troverai raccolti in una comoda playlist.

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Neo Soul starter pack: 5 dischi fondamentali

Alessia Sciotto — Tue, 12 Dec 2023 11:30:43 +0000

A partire dagli anni ’70, il Soul è stato il genere che più si è stabilito nella cultura popolare come il simbolo della rivendicazione dei corpi e delle identità della comunità afroamericana. Negli anni ’80, poi, qualcosa cambia: le sonorità si fanno più elettroniche e anche artistə di punta del Soul come Marvin Gaye, Stevie Wonder e Aretha Franklin si lanciano in esperimenti di ibridazione non sempre vincenti per correre ai ripari dal rischio che il loro suono “invecchi”. A un certo punto sembra ormai innegabile: il Soul è morto. Quella patina di calore, tatto e sensualità è ormai schiacciato dal progresso elettronico e nessuno potrà più riportarlo in vita.

In uno schiocco di dita arriva il 1994. Un giovanissimo Michael Archer, da qualche anno trasferitosi a New York per cercare fortuna con la sua musica, lascia il gruppo Hip Hop con cui girava al tempo, gli IDU (Intelligent, Deadly but Unique) e firma un contratto individuale con EMI per registrare quello che sarà il suo disco di debutto, Brown Sugar.

Quel blend perfetto tra Hip Hop, Soul e Jazz darà vita a un movimento tutto nuovo e come tale di certo non piacevolissimo per tutti, artisti e ascoltatori: il termine Neo Soul, infatti, si porta dietro la superficialità e la leggerezza di tutti i movimenti artistici che prendono i passi da qualcosa che già esiste e ha la sua identità, in questo caso il grande, immenso, titanico Soul. Questa è la ragione per cui moltə artistə che oggi associamo a quel movimento, prima fra tutte Erykah Badu, non ama essere associata a quel genere, in quanto lo trovano riduttivo per l’espressione ampia e sentimentale che invece l’esperienza di quegli anni aveva generato a New York.

Il 1996/98 è il biennio delle magie intitolate Baduizm, Maxwell’s Urban Hang Suite e The Miseducation of Lauryn Hill che spianano la strada per il 2000: agli Electric Lady Studios di New York, Erykah Badu sta registrando Mama’s Gun, Common sta registrando Like Water For Chocolate, Bilal il suo 1st Born Second e nello stesso momento The Roots e D’Angelo stanno lavorando a Voodoo. Così, come satelliti, intorno a questa realtà gravitano altri nomi giganti tra cui J Dilla, Q-tip, Questlove, e “Jilly from Philly”, la grandissima Jill Scott, insieme ad altri spesso rimasti più adombrati, come i produttori Raphael Saadiq, Angie Stone, Ali Shaheed Muhammad e l’ingegnere del suono Russell Elevado.

Innumerevoli interviste e approfondimenti sono stati fatti su questo collettivo, poi diventato noto come i Soulquarians. Ed è a loro, e al Neo Soul come corrente a tutto tondo, che vogliamo dedicare questo spazio, selezionando 5 degli innumerevoli dischi che hanno fatto la storia di questo genere e dai quali devi assolutamente cominciare se vuoi conoscerne le radici.

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Ornella Vanoni e il Brasile: breve storia di un amore eterno

Alessia Sciotto — Tue, 05 Dec 2023 11:16:22 +0000

Quando si parla di quella che fino a pochi anni fa definivamo superficialmente “musica colta”, ci piace immaginare storie romantiche, leggiadre, piene di mistero. E forse è quello che ci immagineremmo pensando al rapporto dell’immensa Ornella Vanoni con il Brasile. Per citare quell’intervista a Costanzo ormai diventata un meme, infatti, la Signora della canzone ha sempre “cantato benissimo il Brasile e tutta la sua malinconia, la saudade”.

Ma perché questo rapporto così carnale, intimo, prezioso di Vanoni con la terra del Redentore? Questa è la storia di uno dei rapporti più semplici e ben riusciti della storia della musica, di quelli che ci fanno sognare e viaggiare con la mente, ma che sono andati in modo ben diverso da quello che possiamo immaginare.

L’internet non straripa di informazioni sul rapporto tra la Vanoni e la musica brasiliana: per fortuna nel 1982 ci ha pensato il mitico Gianni Minà (scomparso peraltro all’inizio del 2023) nel suo celeberrimo Blitz a dedicare un intero episodio alla musica tropicale, dando parola diretta non solo a Ornella Vanoni, ma anche a Sergio Bardotti, figura autorale di spicco della musica leggera italiana, nonché fautore dell’incontro magico che ci porta oggi a scrivere questo articolo: quello tra Vanoni, Vinicius e Toquinho.

Racconta Vanoni: “Sono andata in Brasile una volta, ho sentito dei bei pezzi, sono tornata e ho detto, ma perché non proviamo…? La primissima canzone era Tristezza. E poi ho incontrato Bardotti e mi ha detto, ah! Anche a me piace tanto il Brasile, travolgiamoci insieme”. In effetti Bardotti, da lungo tempo innamorato del Brasile, cercava una voce vera, autentica, non troppo protagonistica ma incisiva, per cantare la saudade insieme alle persone con cui condivideva il campetto la domenica. Piccolo dettaglio non trascurabile è che i suoi amici del calcetto non erano i suoi compagni di scuola, bensì alcuni dei volti più noti del samba brasiliano, tra cui Chico Buarque e Toquinho.

Questo sodalizio italiano così felice tra Bardotti e Vanoni coinciderà con un momento storico estremamente buio in Brasile, in cui negli anni ’70 un’orda di musicisti (molti dei quali del movimento Tropicalia di Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa e Maria Bethania) vengono costretti all’esilio dalla dittatura militare che non gradiva i toni rivoluzionari della musica popolare. Chico e Toquinho vissero a Roma per lungo tempo, ed è qui che avviene la magia: finiscono in studio insieme a una delle voci più autorevoli della cultura popolare di Rio, il poeta e cantautore Vinicius De Moraes, autoesiliatosi volontariamente in Italia per solidarietà ai suoi colleghi e colleghe.

È il 1976. In studio si chiacchiera, si scherza, si accordano gli strumenti. Vanoni, Vinicius e Toquinho non si conoscono che da poche settimane, ma hanno già passato insieme un tempo sufficiente per sentire che l’energia è quella giusta. Con La voglia, la pazzia, l’incoscienza e l’allegria, il produttore Sergio Bardotti corona finalmente il suo sogno: un’unica session in presa diretta in cui una delle voci più iconiche della musica leggera italiana incontra la malinconia del Brasile più autorevole, quello del samba, della terra, del popolo.

Insomma, una storia senza eroi, semplice, normale. Artisti che si conoscono tramite un amico in comune. Talenti sconfinati che non hanno bisogno di grandi eventi, perché gli eventi della nostra vita, la vita di tutti noi gente normale, sono già grandi. Per ripercorrere questo viaggio così speciale e malinconico nella semplicità della vita, abbiamo scelto alcuni brani brasiliani interpretati in italiano da chi ai brasiliani ha lasciato per sempre un pezzo di cuore: Ornella Vanoni.

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Che cosa ci aspettavamo da André 3000 e perché?

Alessia Sciotto — Tue, 28 Nov 2023 11:20:58 +0000

Ci vuole tempo per farsi una ragione di certe cose. Per accettare il nuovo disco di André 3000, poi, servirebbe un’eternità. Ma perché questo disco sembra aver deluso tanti dei fan della prima ora dell’artista? E soprattutto, abbiamo davvero il “diritto” di indignarci o di fare spallucce?

Abbiamo aspettato una settimana, perché parlare di New Blue Sun a caldo avrebbe potuto portarci a conclusioni affrettate. Allora facciamo un bel respiro profondo e andiamo con ordine.

Il nuovo disco di André 3000 era stato spoilerato per errore lo scorso giugno da Killer Mike durante un’intervista a Sway’s Universe. Da lì il putiferio: i forum, i social, il mondo si riempie della notizia incredibile del primo vero album di André Benjamin dopo ben 17 anni dall’ultimo disco degli OutKast. Essere il 50% del duo che (senza esagerare) ha cambiato i connotati del modo di fare rap, di narrare delle storie e di essere dei personaggi liberi in un mondo di thugs omologati, è un bel peso da portare sulle spalle.

Per questo siamo qui oggi non per commentare questo primo disco solista, un concentrato di Jazz astrale che di certo non suona come una particolare novità nel panorama internazionale: i connotati ambient e spiritual che lo caratterizzano, infatti, li troviamo nella storia della musica degli ultimi 50 anni, da John Coltrane (a cui André si è ispirato per cominciare a suonare il clarinetto basso e avvicinarsi ai legni in generale) a Nala Sinephro, passando per l’iconica Sun Ra Arkestra, e chi più ne ha più ne metta. Non siamo qui nemmeno a parlare dei lunghissimi titoli, già tutti un programma e che ci sembra inutile cercare di spiegare o interpretare (anche se BuyPoloDisorder’s Daughter Wears a 3000® Button Down Embroidered sembra proprio riferito a Kanye, ma facciamo che noi non lo abbiamo mai detto).

Dicevamo, non siamo qui per questo, ma per farci delle domande.

Come mai André 3000 è arrivato a questo disco?

Due anni fa celebravamo l’anniversario di Aquemini, e raccontavamo già che in un’intervista del 2019 a Rick Rubin André parlava con estrema nostalgia di un tempo che non sentiva più suo, quello degli OutKast. “Il problema dell’essere un artista di successo è che devi ritrovare un luogo sereno per continuare a produrre. […] È come quando sei bambino e sei in cameretta a giocare con i tuoi giocattoli: lì sei nel tuo mondo. Poi tua madre apre la porta e dice ‘Andrè!’ e quel mondo non esiste più. Non appena sul tuo mondo si posa l’attenzione di qualcuno, quel mondo sparisce”. Lo abbiamo ascoltato? Forse no.

Già un anno prima, aveva appena aperto Instagram e annunciato un EP di due tracce dal titolo Look Ma, No Hands, dedicato alla madre mancata nel 2013, dove cantava in acustico piano e voce e suonava il clarinetto insieme a James Blake. Già in quel momento si accendeva un grande occhio di bue su un cambio di rotta importante, derivato probabilmente da vicende personali nemmeno troppo misteriose. La morte quasi contemporanea di entrambi i genitori, infatti, sembra aver segnato in modo indelebile la vita di André, che li racconta esplicitamente anche in Life Of The Party con Kanye West. Lo abbiamo ascoltato? Pare di no.

A parte i suoi sporadici feat, a un certo punto, quando André Benjamin sembra sparito nel nulla, su TikTok cominciano ad apparire dei video che lo paparazzano nei più disparati angoli di diverse città (tra cui anche Tokyo) a suonare il flauto elettrico. Nonostante il plausibile fastidio, André sorride sempre alle camere, saluta sempre i suoi fan. È sempre vestito allo stesso modo, ha la barba lunga (non incolta), ha comunque il suo stile inconfondibile. Eppure, internet lo racconta come un pazzo. “André 3000 ha perso la testa”, “André 3000 in giro come un senzatetto a suonare il flauto”, “André 3000 suona per strada”. Spottarlo diventa praticamente un gioco, tipo Find Waldo. Prima di darlo per pazzo, ci siamo veramente chiesti perché stessimo assistendo a questo totale cambiamento? Presumibilmente no.

@iamciti3 I cant believe it. Bro just walking around completing side missions at this point lol. #iamciti #flute #andre3000 #justanotherdayinjapan #celebritysighting #outkast #tochigi ♬ original sound – IAMCITI3

Alla luce di queste brevi riflessioni, un’altra domanda sorge spontanea.

Perché tanto stupore su New Blue Sun?

Davvero ci aspettavamo un album Hip Hop da un artista con un percorso come quello di André Benjamin. Magari non ce lo aspettavamo, ma la speranza è l’ultima a morire. E così, visto che gli ultimi feat con Ye e Killer Mike ci avevano dato così tanto, abbiamo sperato fino all’ultimo che questa icona del rap nel mondo volesse regalarci quello che tanto desideravamo. Un desiderio egoistico, fatto di un’idea dell’artista a nostro uso e consumo, e non come una persona con la sua vita personale e le sue fragilità. Questo vuol dire che siamo fuori di testa ad aver pensato di sentire delle nuove barre da questo genio del nostro tempo? Sicuramente no. Tanto che lui stesso, conoscendo il suo pubblico e le sue aspettative, ha deciso di mettere le mani avanti subito. Il packaging del disco infatti riporta a caratteri cubitali: “WARNING: NO BARS”.

Ma allora New Blue Sun è davvero un disco così importante?

La risposta è sì, per diverse ragioni che prescindono dalla qualità musicale (comunque estremamente alta) e dall’originalità del prodotto. New Blue Sun, infatti è un unicum nella storia, non solo degli artisti Hip Hop, ma del mainstream in generale. È il primo disco di un artista che in 17 anni di carriera si è rifiutato di vendere. Sapeva che qualsiasi cosa avesse fatto legato al rap avrebbe venduto per tutto il globo, e nonostante ciò non si è mai piegato alle logiche del consumismo musicale.

Nell’ultima interessantissima intervista a GQ, André riferisce al suo interlocutore una chiacchiera con Tyler, The Creator che alla sua ammissione di sentirsi privo di barre e di cose concrete da raccontare, sembrerebbe avergli detto: “Ma tu DEVI farlo! Devi farlo per dimostrare a noi giovani rapper di oggi cosa dovremo fare domani quando avremo la tua età”.

Perché pensiamo che gli artisti debbano fare ciò che ci aspettiamo da loro? Perché non amiamo sorprenderci di quella sorpresa che ci permetta di percepire reale vicinanza emotiva con il creatore di ciò che tanto ci ha fatto sognare? Forse perché per la nostra generazione il tempo è compresso. Per noi oggi è ancora il 2000, e forse per questo ci aspettiamo dagli artisti del tempo che siano ancora com’erano allora: giovani, freschi, dirompenti e uguali al giorno in cui ci siamo innamorati di loro. E così, presi dall’amore che abbiamo per loro, ci dimentichiamo spesso che non può essere così, che dal 2000 a oggi sono passati 24 anni e che chiedere ad André 3000 di essere quello che era al tempo è un po’ come chiedere a un nostro genitore di essere oggi quello che era quando aveva 20 anni. Una cosa irrazionale, quasi senza senso.

L’onestà di questo lavoro e l’attaccamento all’arte di questo artista così onesto e impavido ci basta per decretare che, nella sostanza, André 3000 è rimasto il grande genio di sempre.

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5 tracce che celebrano l’empowerment femminile

Alessia Sciotto — Tue, 21 Nov 2023 12:52:41 +0000

Qualche tempo fa parlavamo dell’importanza di un ascolto consapevole delle lyrics dei nostri pezzi rap preferiti. Questo perché non è raro che alcuni pezzi incitino all’odio e, in particolare, all’odio femminile. Del resto, la cultura del macho nell’Hip Hop è sempre stata di casa, per questo oggi più che mai è importante farci delle domande e soprattutto capire il motivo per cui, sebbene siamo negli anni 2000, al posto di vedere futurismo e macchine che volano, ci ritroviamo ancora a scrivere questo articolo.

Se è tanto difficile nel 2023 trovare un contesto favorevole alla comprensione delle questioni di genere, altrettanto facile è immaginare come alla fine degli anni ’80 il background culturale e la concezione della figura femminile non fossero di certo tesi a una possibile rilettura del sistema machista.

Nonostante la faccia più nota del rap sia sempre stata quella gangsta, però, già dal 1982 da The Message di Grandmaster Flash (“I can’t walk through the park ‘cause it’s crazy after dark“), a Survival of the Fittest dei Mobb Deep (“You’re walking with your head down scared to look”), gli uomini acquisiscono un nuovo diritto: possono cominciare ad avere paura, ad essere fragili, a disprezzare la vita di strada e cercare di allontanarsene. Così la scena si popola di profeti che vogliono allontanare i ragazzi dal ghetto, spiegando loro che la thug life non farà di te un uomo. Casi emblematici come Gangsta’s Paradise di Coolio o Street Struck di Big L, hanno permesso ai giovani ragazzi afroamericani di porsi delle domande, di chiedersi se ciò che erano abituati a vedere era davvero la normalità o solo il frutto di una società corrotta.

Molto diversa è la questione per tutti gli altri generi diversi dal maschile, che per cercare di toccare con un dito i propri diritti si sono ritrovati a dover combattere un sistema estremamente più radicato e normalizzato a una scala di gran lunga più ampia. La lotta per la rivendicazione dei diritti fondamentali è passata da diversi canali, dalle warehouses in cui la comunità LGBTQ+ si esprimeva tramite la musica House, ad alcune rare figure di rapper combattive che hanno usato la loro voce per spiegare ai propri colleghi che alcuni atteggiamenti denigratori e oggettificanti non erano più accettabili.

Chiederci a che punto siamo nel 2023 è una domanda estremamente dolorosa. Se Missy Elliot, Nicki Minaj e Ice Spice devono ancora essere tacciate di essere volgari per aver cominciato a fare ciò che i loro colleghi uomini fanno da 40 anni (parlare di sesso liberamente ed esplicitamente), significa che ad oggi qualsiasi genere che non sia il maschile non ha ancora acquisito il diritto di rivendicare la propria sessualità e, più in generale, la propria libertà individuale, al pari degli uomini e senza giudizi.

Ma anche qui, per nostra fortuna, la storia è costellata di eccezioni: in mezzo a un universo di brani che oggettificano la figura femminile, la riducono a soggetto fragile della volontà dell’uomo, la vogliono dipendente da ciò che la società maschilista ha scelto per lei, ci sono dei brani che si alzano in piedi, che dicono no, e che ci spiegano la forza, il potere e l’autodeterminazione che un individuo non-uomo può e deve assolutamente riconoscersi. Not all men sono colpevoli della società maschilista, e not all male musicians sono colpevoli dell’oggettificazione femminile che ancora oggi porta (peraltro in modo binario) a pensare alla donna come a una proprietà esclusiva di un uomo. Però, per quanto sia difficile accettarlo, all men sono in qualche modo responsabili, e come tali possono sedersi accanto a un amico, ascoltare insieme uno di questi cinque brani che inneggiano all’empowerment femminile, e parlare di quanto sia sacrosanto il diritto di ogni individuo a camminare per strada senza avere paura, e vivere la propria vita senza sentirsi di proprietà di qualcun altro.

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Hip Hop starter pack: 5 dischi fondamentali

Alessia Sciotto — Tue, 14 Nov 2023 11:37:00 +0000

Ci vogliamo del male? Forse. Ma se un amicə ti chiedesse “dimmi cinque dischi che secondo te devo ascoltare per forza per cominciare ad appassionarmi a *inserisci un genere musicale*” noi vorremmo che esistesse sempre una guida DLSO che tu possa consultare prima di rispondere: “I GOT YOU”.

Definire gli ascolti fondamentali per gettare le basi di un qualsiasi genere musicale è praticamente impossibile: ci sarà sempre qualcosa di imprescindibile, di irrinunciabile, che però stai tenendo fuori a causa dei limiti numerici. Per farci un po’ del male abbiamo voluto cominciare questa nostra guida galattica proprio dall’Hip Hop Old School, che di sfumature e sfaccettature ne ha infinite: dal Conscious al Gangsta Rap, passando per i Backpackers e volando al Jazz Hop, dallo Spoken Word verso la New Era, tutte guide che ci ripromettiamo assolutamente di stilare per voi se ci darete fiducia.

Visto che una shortlist è sicuramente troppo poco, intanto ti lasciamo una playlist di 50 Best Hip Hop Classics targata DLSO, che puoi spulciare e scorrere con calma per gustare gemme conosciute e sconosciute di questo genere incredibile e incredibilmente articolato che tanto amiamo.

Dopo di che, senza indugiare oltre, proviamo a imbarcarci in questa folle avventura con una primissima guida generica, una shortlist di 5 album Hip Hop che secondo noi di DLSO non possono assolutamente mancare nelle librerie di starters né di veterans di questo genere. Let’s go!

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C2C 2023: la mano di Torino tesa verso il mondo

Alessia Sciotto — Tue, 07 Nov 2023 10:35:52 +0000

Parlando di musica live, in Italia abbiamo non poco di cui lamentarci. Impianti che non funzionano, schermi che glitchano, spazi totalmente inadeguati. E proprio quando sembrava che finalmente il sogno americano stesse venendo a realizzarsi nella parte alta dello stivale, Kanye si è svegliato una mattina e in barba al lavoro di centinaia di persone ha deciso che il concerto a Campovolo non si sarebbe fatto. Così ci siamo fatti il segno della croce e siamo usciti dal tempio della speranza a testa bassa pensando: chissà quando rivedremo un evento di portata internazionale qui nel Bel Paese.

Sembrerà assurdo, ma per quei pochi immacolati che ancora potrebbero non saperlo, non è Milano ad ospitare uno dei pochissimi eventi in grado di soddisfare questa estrema necessità di freschezza e cambiamento, bensì Torino. La piccola, impupata, borghesissima Torino che sotto questa veste così elegante nasconde un’anima ribelle, sovversiva, sempre in cerca di cambiamento.

Come ogni anno, il Club To Club (così chiamato dalla nascita, quando ancora un pulmino portava i pochi clubbers avventori di venue in venue in lungo e in largo per la perla sabauda) che quest’anno aveva come tema “IL MONDO“, ci ha presentato una line up ricca di personaggi conosciuti e meno conosciuti del panorama internazionale: dalla Germania di Bill Kouligas alla Cina di Tzusing passando per la Francia ivoriana di CRYSTALLMESS e la Colombia di Lucrecia Dalt. La line up è stata come sempre piena di nomi sperimentali che annunciano la musica di domani. La missione del festival, infatti, sin dalla nascita, è sempre stata quella di cercare l’Avant-Pop, e non come un genere musicale ristretto per come lo intendiamo oggi: C2C guarda con sfida alle nuove frontiere, quelle che possibilmente oggi ti fanno storcere il naso, alzare le sopracciglia, e domani potrai vantarti di aver visto in una delle due bellissime cornici delle Officine Grandi Riparazioni e del Lingotto.

A parte tutti gli act minori/intermedi, che vi consigliamo caldamente di recuperare dal programma, vogliamo qui soffermarci su un recap breve delle tre giornate principali del Festival. Se il giovedì pensavamo sarebbe stata la serata più tranquilla (dato che purtroppo nel 2023 ancora il venerdì si lavora), a quanto pare ci eravamo sbagliat di tanto: Caroline Polachek infatti ci ha fatto saltare, piangere e ballare con un DJ set ampissimo e variegato, che ha dato spazio a molte delle sue hit remixate affiancate da grandissimi classici della musica Dance Pop e Alt-Pop, tra cui quelli che ci hanno colpito di più sicuramente Ti sento dei Matia Bazar, PAZZESKA di M¥SS KETA e Teardrop dei Massive Attack (se vuoi abbiamo fatto una playlist ricostruendo l’intero set). Menzione speciale ai Model/Actriz, band post-punk di New York che, com’è giusto che sia, con le sue urla e le sue chitarre distorte ci ha inizialmente sconvolto e straniato, per poi farci scatenare con la voglia di non smettere più (del resto se Fantano aveva dato un decent 8 al loro ultimo disco, c’era da fidarsi).

La sera di venerdì, poi, aperta presto con un live sublime della spagnola Marina Herlop, ha visto il ritorno di Polachek con il suo live (che avevamo già avuto modo di apprezzare e raccontare in occasione del Primavera Sound di quest’anno). La sua voce impeccabile e la sua presenza scenica ci hanno ancora una volta stregato, in un live che ha visto presentare praticamente solo pezzi dal suo ultimo album Desire, I Want To Turn Into You. La notte corre e noi ci dividiamo tra Avalon Emerson al palco Stone Island, la cui figura era immersa in un mare di fumo, luci e note che ci hanno fatto disconnettere dalla realtà, e un live esplosivo degli Overmono, che presso il main stage hanno dato spettacolo facendo praticamente saltare il pavimento.

Tanto da dire anche sul sabato, notoriamente la serata più succosa del Festival. Dopo un riscaldamento importante curato a forze unite dai collettivi sperimentali ALMARE e SØVN Records, Yves Tumor ha calcato il palco con la sua band in un live distopico e a tratti frammentario, che ha indubbiamente dato spettacolo facendoci il cuore in mille pezzi. A cercare di rimettere tutto insieme con la colla della malinconia, è arrivato King Krule che con un live da pianti dal minuto 0 al 95, ha ripercorso tutta la sua carriera da 6 Feet Beneath The Moon fino all’ultimo supremo disco che da il nome all’attuale tour, Space Heavy (peccato abbia omesso i pezzi A New Place 2 Drown, disco pubblicato sotto il suo nome di battesimo Archy Marshall nel 2015).

Non facciamo in tempo ad asciugarci le lacrime che arriva Flying Lotus a tirarci su con una selezione circolare, aperta e chiusa con pezzi dai suoi ultimi dischi Yasuke e Flamagra, intermezzati da una selezione di elettronica da batticuore che se vuoi puoi recuperare in questa playlist che abbiamo cucito apposta. Highlight del set sicuramente il momento in cui FlyLo ha preso il mic per trasformarsi nel suo alterego da rapper Captain Murphy e saltare su una unreleased dal titolo Between Friends che vedeva il feat di Earl Sweatshirt.

A chiudere in bellezza la serata più ricca, il king della scena House sperimentale di Detroit, Moodymann, che da vero gentiluomo ha aperto il suo set con Do The Astral Plane per salutare il suo predecessore alla consolle, e ha perfettamente tarato la sua performance sulle necessità della serata, ha fatto saltare il pavimento come sempre a modo suo, dialogando tantissimo con il pubblico durante alcuni momenti tecnici e chiamandoci amorevolmente “bad motherf***ers”.

Ad uscire dal C2C c’è sempre un certo velo di malinconia. Ma quella bella, di quelle che ti fanno guardare in faccia le persone che hai a fianco e dire loro con fiducia e determinazione: inutile aspettare la line up, per il 2024 prendiamo i biglietti subito appena escono.

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KAYTRANADA prima di KAYTRANADA: 5 mixtape inediti

Alessia Sciotto — Thu, 02 Nov 2023 11:03:28 +0000

È sempre facile pensare ai nostrə artistə del cuore come idoli fatti e finiti. Personaggi mitologici che si stagliano giganti sul panorama musicale circondati dai loro successi e dai loro enormi traguardi. Nonostante siamo nel 2023, e sembra quasi che possiamo toccare tutto e tutti con un dito, per fortuna non abbiamo ancora perso quell’adorazione che ci fa scrollare le loro foto o stringere un loro disco in mano con gli occhi e le orecchie dell’amore. E ne vorremmo sempre di più, non ci basta mai.

È invece difficile ricordarsi che i nostrə artistə del cuore sono persone come noi, o per lo meno lo sono state. Con le loro fragilità, le loro paure e soprattutto i loro primi passi. In questo senso, da internet non si scappa: il web, infatti, in un modo o nell’altro (nel bene e nel male) contiene sempre tutti gli elementi per tracciare uno storico nella vita di ogni artista. E oggi vogliamo fare un tuffo in quella di KAYTRANADA, per capire come sia passato dal mollare le scuole superiori a diventare uno dei DJ e producer più apprezzati e richiesti del panorama Dance Pop contemporaneo.

Nel 2006 KAYTRANADA è solo Louis-Kevin Celestin, un ragazzo di 14 anni nato ad Haiti e emigrato in Canada con la famiglia. Un giorno, mentre sta armeggiando con Virtual DJ, suo fratello più piccolo Louis-Philippe entra in camera e gli dice: “Ma hai mai usato FL Studio? Guarda, ti faccio vedere come si fa”. Da lì in poi è tutto in salita. La passione riempie la testa di Kevin, che non riesce a concentrarsi nello studio, e da lì capisce che, se vuole davvero impegnarsi, deve scegliere uno e un solo task tra la scuola e la musica: sappiamo com’è finita, ma di certo non è stata una scelta semplice da far accettare a una famiglia in ristrettezze economiche, preoccupata per il futuro del figlio.

Ai tempi, il KAYTRANADA prima di KAYTRANADA si chiamava Kaytradamus. È sotto questo moniker che Louis-Kevin comincia a sperimentare imitando chiaramente i suoi idoli: Getdownism del 2009, forse il primo pezzo pubblicato da Kaytra, è fatto di Justice e i Daft Punk, mentre tutti i mixtape da Kaytra da Mouse a Teriphikness che vanno dal 2010 al 2012 calcano tutti in modo inequivocabile (e mai nascosto in nessuna intervista da parte dell’artista) le orme di Madlib e Dilla, nelle modalità d’uso delle batterie, così come nel taglio dei sample e nell’impiego di campioni ai tempi estremamente originali, che spaziavano dall’India al Brasile.

Solo dal 2012 comincia a cambiare davvero qualcosa per Kaytradamus che, nel frattempo, decide di cambiare il suo nome in KAYTRANADA: “I decided to change the name because I wanted to be unique. I started this stupid “trap” shit randomly and then Flosstradamus existed so I wanted an original name. So I thought Kaytranada like Canada or Nada for Nothing… Kaytra or nada… I kinda wished that I changed my name for Kaytra but it’s too late” raccontava nel 2013.

It’s a long way to go, ma dalla sua camera con Virtual DJ, KAYTRANADA è riuscito a fare la storia: nel 2021, infatti, è il primo artista nero a vincere il Grammy per Best Dance / Electronic Album. E come decide di festeggiare? Mettendo sul suo Bandcamp, per un periodo di tempo limitato, quattro dei suoi vecchi mixtape come Kaytradamus, insieme a due volumi di Remix datati allo stesso periodo.

Purtroppo il link al suo Bandcamp è una porta in faccia, perché, come promesso, nulla è più disponibile. Ma ci sono due buone notizie: una è che abbiamo scovato un suo canale YouTube personale dove nel tempo ha caricato una serie di remix, e che sembra ancora attivo (una delle playlist, mwezik, risulta aggiornata 6 giorni fa). La seconda è che, come ci dicevamo, per fortuna internet è un contenitore gigante e con poca difficoltà siamo riuscitə a ricostruire tutto ciò che è successo tra la nascita di questa stella di nome KAYTRANADA e il suo pieno decollo nella galassia degli astri che hanno scritto la storia della musica. Ripercorriamo questo percorso attraverso 5 brani e mixtape che forse non hai ancora sentito (o che siamo sicurə riascolterai con piacere).

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“Lahai”: l’allunaggio di Sampha

Alessia Sciotto — Tue, 24 Oct 2023 09:24:32 +0000

È una giornata come un’altra. Sei esausto e la stanchezza ti porta ad appoggiare la testa e chiudere gli occhi. D’improvviso sei bambino. Vedi una porta e dietro quella porta c’è della musica, e i tuoi fratelli più grandi che ridono e si divertono. Quella melodia è più forte di te: devi entrare. Cerchi di sfondare la porta con il pugno per farti sentire, ma tutto ciò che ti rimane è la schiena contro la porta, mentre Perfect Love di Todd Edwards continua a ipnotizzarti. E così, esausto dal tanto urlare, appoggi la testa e chiudi gli occhi.

Sei un ragazzo nei suoi vent’anni e sei seduto su una poltrona accanto a un letto. Lì c’è tua madre. È gravemente malata, ormai ai suoi ultimi giorni. Quanti desideri possiamo esaudire in una vita? Fino ad ora hai desiderato con tutto te stesso di diventare un producer di successo. Ma come fai adesso a non sacrificare quel sogno in nome di una preghiera per la vita di tua madre? Le lacrime ti solcano il viso e, nella speranza che tutto finisca presto, ormai esausto, appoggi la testa e chiudi gli occhi.

Sei un uomo adulto. Una bambina ti prende per mano, ti guarda: ti chiama papà. Il tuo cuore slabbrato dal dolore della perdita, dell’incertezza, del vuoto, adesso è di nuovo pieno fino a scoppiare. Guardi per terra e state fluttuando. Niente può fermare questo volo, tranne una voce che ti chiama: “SAMPHA, BRO WAKE UP”.

È con questa esortazione che si apre il secondo incredibile viaggio nel mondo onirico di Sampha, Lahai.

A sei anni dal suo album di debutto, Sampha ha avuto il tempo di guardarsi intorno, collaborare con artisti di altissimo calibro e di interrogarsi sulla direzione che la sua vita stava prendendo. Il 2020, poi, è un momento cruciale nella vita di Sampha Lahai Sisay e dunque nella costruzione di questo nuovo volo d’uccello sulla sua esistenza.

La copertina di Lahai mostra Sampha con quella che, dall’unica foto a disposizione, sembrerebbe la sua compagna, mentre indica con la mano il numero 4. L’annuncio su Twitter con una sfilza di termini descrittivi e immaginifici fa pensare che questo disco non parli solo del sogno, ma anche del risveglio.

“LAHAI”

My grandfather’s name
My middle name
My next musical chapter
My next album

Fever Dreams. Continuums. Dancing. Generations. Syncopation. Bridges. Grief. Motherlands. Love. Spirit. Fear. Flesh. Flight. pic.twitter.com/iTF1OaHZ3p

— Sampha (@sampha) August 24, 2023

La saggezza del nonno Lahai mai conosciuto, il dolore della perdita dei genitori, la solitudine, la paternità: tutti temi ricorrenti in questo disco che morbidamente porta Sampha dal fluttuare perdutamente nel dolore a diverse velocità e intensità di Process a poggiare dolcemente i piedi sul suolo lunare, per accettare la realtà della vita che scorre avanti e indietro tra ricordi e aspettative per il futuro, tra passato e futuro, tra l’ora e il mai più.

Per l’occasione, poi, le parole del racconto di Sampha vengono accolte da un morbido ma strutturatissimo letto strumentale, a cui prendono parte nomi incredibili della scena musicale alternativa, come Yussef Dayes, Yaeji, Mansur Brown, Ibeyi, Sheila Maurice Grey dei Kokoroko e con grande sorpresa anche El Guincho, diventato celebre per aver prodotto El Mal Querer di Rosalía.

Spesso, per definire la fluidità di un artista come Sampha, si pecca appellandosi ad espressioni tipo: “ricorda il flow di questo, ricorda la melodia di quello, ricorda l’espressività di quell’altro”. Ma chi scrive suppone che la purezza di questo artista possa solo permetterci di individuare qui e lì degli elementi a noi familiari, come elementi di Drum’n’Bass mischiati con il miglior Nu Jazz della scena inglese e ricchi di richiami all’Afrofuturismo di Sun Ra e alla Classica contemporanea di Steve Reich, nella scelta di suoni che arrivano al palato con il calore di strumenti acustici, ma che lasciano in bocca un forte sapore elettronico, spaziale, interstellare.

Per distinguere il sogno dalla realtà, spesso ci appigliamo a qualcosa di surreale, qualcosa che ci confermi che non stiamo davvero vivendo ciò che vediamo. Con Lahai Sampha arriva alla meta del suo viaggio cosmico. E quella meta, forse, non consiste nel superare il tempo in modo lineare, bensì nell’imparare a guardarsi avanti e indietro nella storia con levità, senza provare alcun dolore.

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Alcuni brani campionati da PinkPantheress

Alessia Sciotto — Tue, 17 Oct 2023 09:22:08 +0000

Una mattina di dicembre del 2020 Vicky si sveglia con una mega sorpresa: l’ultimo video che ha postato su TikTok è finalmente diventato virale. È da 15 giorni che Vicky posta dei brevissimi loop cantati e, anche se non ha mai scritto una canzone per intero, non le dispiacerebbe l’idea di cominciare a farlo adesso, se il pubblico glielo chiedesse. Non passa tanto che anche un altro snippet diventa virale. E anche un altro. E un altro ancora. Squilla anche il telefono e (ironia della sorte) è la Parlophone, che vuole firmarla per un disco. Da quel giorno la vita di Vicky si ribalta.

È solo una musicista di 19 anni che un giorno come un altro aveva deciso di aprire un account TikTok per promuovere la sua musica, ma non si aspettava sarebbe successo davvero. Era passato così poco tempo da quando qualche mese prima stava guardando la TV e durante un quiz qualcuno aveva fatto una domanda sulla Pantera Rosa, mentre lei cercava ancora il nickname perfetto. Purtroppo PinkPanther era già occupato, così Vicky opterà per una soluzione a caso, senza sapere che se la porterà dietro per lungo tempo: comincia così la storia di PinkPantheress.

Due giorni fa il primo album di PinkPantheress, to hell with it, ha compiuto due anni. Non ci piace chiamarlo mixtape, perché questo primo lavoro dell’allora 19enne di Bath ha tutti gli elementi che molti dischi che ci forziamo a chiamare “album” non hanno. Per i preconcetti sul mondo di TikTok, infatti, ci si aspetterebbe un’accozzaglia di brani pieni di chipmunk samples accelerati. PinkPantheress invece, ci regala un disco completo, fatto di una varietà di generi che spazia dalla UK Garage al Jungle, passando per sfumature Emo e Bedroom Pop. Il tutto in soli 18 minuti, tempo di consumo perfetto non solo per i social ma anche per macinare ascolti in streaming. Il tutto congiunto organicamente da un uso molto interessante dei sample, che pescano a piene mani dalla cultura Dance degli anni 2000.

Sui primissimi pezzi come Break It Off o Pain si nota un uso molto denso dei sample, che riflette l’uso ormai consolidato su TikTok di accelerare un brano e farci un po’ ciò che si vuole. La stessa PinkPantheress, sempre lucidissima, matura e molto autocritica, all’uscita del disco dichiarava: “I’m not really good at producing at all, I’m really kind of terrible which is why all of my stuff is sample based. I sampled Adam F’s “Circles” [for “Break it off”] and the idea that people haven’t heard the original but have heard my version actually very much upsets me. It genuinely makes me sad because it doesn’t truly feel like the song’s my own”. Per questa ragione l’uso dei sample nei brani che non erano subito usciti su TikTok, come I Must Apologise o Just For Me è già più sapiente e usato come mezzo più che come fine.

L’ultimo singolo, Capable of Love, sembrerebbe non contenere nessun sample, sintomo di una grande maturazione artistica e intenzionale di Vicky Walter, che è passata dal voler mantenere il completo anonimato a lanciarsi in incredibili singoli e altrettanto incredibili videoclip al fianco di stelle come WILLOW, Ice Spice e persino Kaytranada, con il quale ha peraltro fatto una bellissima chiacchierata su tecniche di produzione, sample e producer preferiti della vita.

Con un album in uscita il 10 novembre dal titolo Heaven Knows, PinkPantheress si è costruita e guadagnata una reputazione che ha pienamente sbugiardato chi pensa che TikTok abbia rovinato la musica. In attesa di nuova musica, allora, riascoltiamoci alcuni dei sample che ha utilizzato nei brani che l’hanno resa celebre.

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L’assurda storia dietro al sample di “8am in Charlotte” di Drake

Alessia Sciotto — Tue, 10 Oct 2023 09:51:00 +0000

Il nome di Drake, insieme alle immagini di un arcobaleno di forcine che gli circonda il capo, ci rimbomba nella testa già da qualche giorno a seguito dell’uscita del suo ultimo album, For All The Dogs. Il disco è stato anticipato ache da un singolo con SZA, Slime You Out accompagnato dalle immagini di Halle Barry che ai Nickelodeon Kids’ Choice Awards del 2012 veniva ricoperta di uno strano blob verde. L’uscita del lavoro è stata annunciata da un QR code sulla prima pagina del New York Post che scansionato portava a una foto di due cuccioli con sopra una scritta: “I made an album to go with the book… They say they miss the old Drake, girl don’t tempt me. For all the dogs“. Ma di questo disco, del quale non entriamo oggi nel merito dei contenuti testuali, è qualcos’altro che ci ha fatto letteralmente sussultare, ed è qualcosa che per un amante dei sample ha dietro una storia ai limiti dell’incredibile.

Il 5 ottobre, giorno che ha preceduto l’uscita dell’album, Drake ha rilasciato il suo ultimo singolo, 8am in Charlotte tramite un video Instagram, dove il figlio Adonis spiega la copertina dell’album che lui stesso ha disegnato. Ma ciò che ha subito colpito di quel singolo, anche per chi di Drake non ha mai fatto una divinità, è stato il sample dietro a quel brano: l’internet scoppia per sapere che disco sia e da dove vengano fuori quei cori gospel incredibili, sapientemente campionati da uno dei signature names affiliati a Griselda, Conductor Williams.

Al giorno dell’uscita, puntuale come un orologio, su WhoSampled si scopre ciò che nessuno si sarebbe mai aspettato di scoprire: non esiste nessun disco anni ’70, nessun coro gospel e nessuna voce antica che abbia mai cantato quelle note. La traccia campionata, infatti, è del 2023 ed è contenuta all’interno di una compilation di library music gospel firmata dal producer e direttore Mario Luciano, finalizzata non all’ascolto, bensì esclusivamente ad essere campionata. Il disco, intitolato A Faithful Spirit, è stato stampato in vinile in sole 200 copie, che venivano regalate lo scorso maggio a chiunque acquistasse il sample pack.

La pagina ufficiale di Polyphonic Records racconta che le voci che si sentono intonare l’angelica melodia appartengono tutte alla stessa persona: Nichol Eskridge, una cantante gospel dedicata all’attività da quando aveva 13 anni (praticamente l’età che aveva nella foto di copertina). Nello stesso post di promozione della compilation, si racconta che le tecniche utilizzate per registrare queste tracce-campione sono completamente analogiche e finalizzate ad avere la patina nostalgica e impolverata di un vero disco d’epoca. “Every sample was recorded and processed thru tons of vintage tube & tape analog gear and mixed on a vintage Electrodyne 1608 console and sent out to a Revox tape machine giving it the tone, texture, saturation and authenticity of what you might find on a rare 70s & 80s gospel record“. La natura “tecnica” e non “ludica” di questi brani spiega la ragione per la quale queste tracce, proprio perchè non finalizzate all’ascolto, non sono presenti sulle piattaforme di streaming.

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Drake ci ha visto lungo e con questa produzione, su cui si muove con il suo classico flow rilassato e dialogato, ha conquistato anche i cuori di chi ha sempre guardato a lui con diffidenza. Dal canto loro, invece, Conductor Williams e Mario Luciano ci hanno dato una bella lezione: nella musica, come nella vita, mai soffermarsi alla superficie delle cose.

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Alcune delle voci femminili che hanno cantato l’Hip Hop

Alessia Sciotto — Tue, 03 Oct 2023 10:00:59 +0000

L’hip hop è costellato di rime iconiche, e questa è un po’ una tautologia considerato che spesso l’idea di questo genere è strettamente legata a quella di rap. Siamo sicurə però che, se ci pensi un attimo, anche a te verranno in mente un paio di ritornelli iconici da cantare a memoria che è presumibile abbiano segnato il tuo vissuto nei ‘90 e nei ‘00.

La nostra domanda di oggi è: sapresti dire i nomi di chi ha cantato quei ritornelli?

Nella maggior parte dei casi forse sì, visto che alcuni esempi più eclatanti si sono avvalsi di voci molto conosciute: è il caso di If I Ruled The World di Nas, in cui svettava un memorabilissimo hook targato Lauryn Hill, o per spostarci su tempi più recenti, tutti i featuring nascosti in The Life of Pablo di Kanye che però siamo capacissimi di riconoscere a orecchio, come quello di Rihanna in Famous o Frank Ocean in Wolves.

Se vogliamo allargare la Golden Era fino ai primissimi anni 2000, molti ritornelli hip hop che sono finiti addirittura nelle grazie del grande pubblico pop hanno in comune un tema importante che, nonostante le fortissime immagini video che hanno sempre accompagnato questo genere di successi, potrebbe anche sfuggire: stiamo parlando della sessualizzazione della voce.

A differenza di quello che si potrebbe immaginare, anche iconiche voci maschili come Justin Timberlake e D’Angelo sono state coinvolte da questo fenomeno: basti pensare che, come raccontavamo qualche tempo fa sempre su questi schermi, uno dei motivi per cui D’Angelo si era ritirato dalle scene dopo Voodoo era stata l’esasperazione generata dalla continua oggettificazione del suo corpo (soprattutto durante i live) che molto spesso veniva messo in primo piano arrivando ad adombrare il suo immenso talento musicale e che era legata al fatto che l’artista in quel periodo della sua carriera aveva trattato molto liberamente i temi dell’amore carnale e della sensualità, coronati dall’ormai infamous video di Untitled (How Does It Feel).

Tuttavia, com’è facile immaginare, la sessualizzazione della voce si lega molto spesso indissolubilmente alla figura femminile. E soprattutto un genere come l’hip hop si prestava in modo particolare ad alimentare questo tipo di immagine in cui la voce si occupa di abbellire la parte della canzone più incline a essere accattivante, ovvero il ritornello. Ne consegue che molte artiste che saltavano su un beat per cantare quella parte, a meno che non rispettassero dei canoni estetici molto ben precisi, non solo non comparissero nei videoclip dei pezzi, ma venissero addirittura sostituite da modelle, di modo che le loro voci soavi e angeliche venissero visivamente associate a un corpo perfetto e sessualizzato attraverso trucco, parrucco e abbigliamento succinto.

Ovviamente non è il caso di fare tutta l’erba un fascio, e ci sono certamente molte voci che hanno ricevuto il riconoscimento che meritavano, ma oggi vogliamo celebrare quelle che non fanno parte di questa fortunata categoria e che hanno cantato l’Hip Hop marchiando alcuni dei ritornelli più iconici della sua storia.

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Alcuni brani inediti prodotti da Pharrell

Alessia Sciotto — Tue, 26 Sep 2023 10:38:52 +0000

Amiamo Pharrell come producer. Period.

Non è mai stato un segreto e non è la prima volta in questa sede che ci riuniamo in stile alcolistə anonimə per confrontarci a vicenda su questa nostra strana dipendenza da tutto ciò che porta la sua firma. Trovare nuove angolature per sviscerare il talento di uno che di secondo nome fa Lanscilo non è poi così complicato, soprattutto perchè la sua breve ma intensissima carriera è costellata da collaborazioni con i nomi più grossi del pianeta musica.

Potrebbe Pharrell essere il Quincy Jones degli anni ’00? Non è nostra pratica fare questo genere di paragoni, eppure in questo caso esimersi è difficile, visto l’impatto che il suo approccio ha avuto sulla cultura di massa. In qualsiasi momento della storia del pop americano, Pharrell è riuscito a posizionarsi senza mai compromettersi, adattando le sue regole del gioco al mercato, e mai il contrario.

Se negli anni ‘00 il suo approccio era imbevuto del marchio The Neptunes, e caratterizzato dalla scelta di tre suoni topici (la cassa aperta, la chitarra sintetica, gli archi artificiali) di cui ha fatto un marchio di fabbrica, negli anni ’10 con brani come Happy ha confermato come una melodia ben studiata non abbia bisogno di essere complessa per conquistare i cuori di tutto il mondo. Eppure, nello stesso tempo, con N.E.R.D. le sue produzioni sono scomposte, asimmetriche, perfette nella loro rottura, come quella pazzesca di Kites con M.I.A. e Kendrick Lamar.

Non ne abbiamo mai abbastanza, e per questo con i dovuti accorgimenti ci addentriamo in punta di piedi nel mondo dei leaks, che è l’unico che può darci ulteriore materiale su cui riflettere. Come sempre, la sicurezza che i pezzi leakati siano originali non è mai del 100%, però ne abbiamo selezionati un paio che hanno una back story che ci ha convintə particolarmente. Addentrati con noi nel brivido dell’incertezza e scopri un paio di tracce (purtroppo) rimaste inedite prodotte da Pharrell.

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5 pioniere che hanno segnato la musica elettronica

Alessia Sciotto — Tue, 19 Sep 2023 11:52:46 +0000

Per quanto sia difficile da pensare a nemmeno un giorno esatto dall’ultimo concerto di James Blake a Milano, c’è stato un momento in cui la musica elettronica faceva paura.

C’è stato un momento in cui, prima di diventare un insieme di suoni comprensibili all’orecchio umano, le frequenze elettroniche trasportavano ricordi di terrore. Delle sirene che incitavano il coprifuoco, dei fischi delle bombe.

Ma sempre in quel momento, anche dove sembrava praticamente impossibile, una serie di ricercatori e ricercatrici in giro per il mondo vedeva, come Michelangelo dentro al blocco di marmo, l’opera d’arte già completa. La potenzialità.

Tempo fa abbiamo parlato su questi schermi di musica concreta, di Pierre Schaefferd e di altri pionieri visionari delle manopole che hanno gettato le basi per cui James Blake, Aphex Twin, Björk e altrə hanno potuto creare l’arte che hanno creato e regalarci le emozioni che ci hanno regalato. Purtroppo però, come sempre nella storia recente, i nomi delle donne vanno cercati con il lanternino e (anche se Caroline Polacheck di recente si è rifiutata di suonare ad un festival tutto “al femminile”, ritenendo giustamente medievale la scelta di un gender come elemento curatoriale di una rassegna musicale), ancora una volta qui siamo convintə che sia necessario raccontare le storie di alcune pioniere che negli anni ‘70 hanno portato i sintetizzatori modulari, è più in generale gli strumenti elettronici, fuori dai laboratori di ricerca e dentro le nostre orecchie e gli schermi delle nostre TV.

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Chi è berlioz, fenomeno di TikTok che ha ridato vita al Nu-Jazz

Alessia Sciotto — Tue, 12 Sep 2023 10:22:43 +0000

Spesso su questi schermi abbiamo commentato le maniere più disparate in cui il fantomatico Internet ha completamente ribaltato le modalità di fruizione della musica e dei contenuti ad essa collegati.

Oggi vogliamo analizzarne una in particolare, che ha permesso a un musicista praticamente sconosciuto non solo di intasare TikTok con la propria musica ed esplodere di stream su Spotify, ma di creare un vero e proprio immaginario intorno alle proprie sonorità: stiamo parlando di berlioz.

@berliozmusic jazz is for ordinary people #smoothjazz #jazzhouse #lofijazz #jazztok #housemusic #housetok ♬ original sound – berlioz

Non è chiarissimo chi questo berlioz sia. Sappiamo solo che dovrebbe chiamarsi Jasper Edward Attlee e che è inglese. Ma il paradosso è proprio questo: il volto di questo musicista e produttore, infatti, ha un’importanza estremamente marginale in questa storia. Facendo leva su uno dei punti deboli più comuni nell’essere umano, ossia la suggestione, il concept con cui berlioz ha conquistato le orecchie e i cuori di TikTok in tutto il mondo si basa su un semplice fatto: il Jazz, e dunque il Nu-Jazz a cui il genere delle sue produzioni è più attinente, sono sempre stati associati a un alone di mistero, struggle interiore, fascino e sensualità, caratteristiche che tutte le persone in un modo o nell’altro si auspicano di avere nei momenti più difficili e tormentati della propria vita.

E così, raccogliendo un album nostalgico e malinconico delle scene cinematografiche e d’animazione più rappresentative di questo sentimento, dal fiabesco di Wes Anderson al dolceamaro di Jean-Luc Godard, passando per il tormentato Almodovar e il retro-futuristico Wong Kar-Wai, berlioz ci catapulta direttamente all’interno della scena con delle clip al limite del meme, dove il semplice ascolto di un brano diventa un incantesimo per vestire i panni di mille personaggi diversi.

@berliozmusic pov – you listen to berlioz #lofihouse #jazzhouse #housetok #housemusic #lofijazz ♬ deep in it – berlioz

Navigare il profilo TikTok di berlioz è un viaggio incredibile attraverso una serie di sensazioni confortanti e appaganti, che ci fanno sentire capitə. Passiamo dall’essere statə appena lasciatə camminando per un prato sconfinato allo scambiare sguardi con qualche sconosciutə in un bar annebbiato dal fumo. Ma perché siamo qui a parlare di questo? Sicuramente non solo per i milioni di streaming che questo immaginario ha generato al nostro caro musicista ignoto.

C’è una genialità molto sottile in questo fenomeno: berlioz ha capito che nel 2023 la musica non può più essere solo un insieme di suoni riassunto dalla copertina di un disco. La musica nel 2023 vuole molto di più, o forse l’ha sempre voluto ma il mondo non era ancora pronto. berlioz ha capito che da che mondo è mondo la gente ascoltando un brano chiude gli occhi perché vuole scappare dalla vita ed essere catapultata in un’altra dimensione.

@berliozmusic 2 new songs in 3 days #smoothjazz #jazzhouse #lofijazz #jazztok #housemusic #housetok ♬ original sound – berlioz

Ci si può piangere addosso perché non si hanno le opportunità che si vorrebbero? La carenza di budget può fermare un’idea? Stando ai suoi numeri, evidentemente no. Nel suo profilo, infatti, berlioz non solo ha costruito una personale narrazione della propria musica, ma ha anche raccontato il making of del suo album. Un po’ come Kanye in Jeen-Yuhs, berlioz non si pone il problema di non essere conosciuto, di non meritare che il proprio processo creativo venga ripreso e ricordato. Per questo, oggi troviamo una serie di video che ci raccontano di come l’artista sia arrivato all’EP finito senza aver modo di pagare la pulizia di eventuali sample. Così quando la gente nei commenti gli chiede “Bro, ma cosa hai campionato per avere un suono così jazzy?” la sua risposta è semplice: “ho speso tutti i miei risparmi per registrare un disco jazz e poi campionarlo“.

@berliozmusic POV – you record your own samples #lofihouse #jazzhouse #housetok #housemusic #lofijazz ♬ original sound – berlioz

Non sappiamo che risvolti avrà questo momento di successo per berlioz. Eppure, se il Nu-Jazz è sempre stato considerato (immeritatamente) musica da ascensore, di certo lui l’ha portato a un’altro livello, oltre a dimostrarci che essere davvero convinti della propria arte è il primo imprescindibile ingrediente per il successo.

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7 tracce che campionano i dischi Motown

Alessia Sciotto — Tue, 05 Sep 2023 10:39:51 +0000

Negli Stati Uniti c’è un preciso modo di dire per commentare un luogo pieno di talenti, imprenditori, di gente che sa il fatto suo: “There must be something in the water”.

E nell’acqua del Michigan deve sicuramente esserci qualche sostanza particolare, visto il proliferare di talenti e grandi artisti che ne vantano la cittadinanza, da J Dilla a Eminem, passando per Stevie Wonder e arrivando a Madonna.

Ma in uno stato di grandi lavoratori del settore industriale e operaio, com’è mai potuto succedere che nascesse una delle case discografiche che avrebbe sconvolto i connotati dell’industria musicale mondiale? Come diceva Dilla nella prima traccia del suo primo album Welcome 2 Detroit, c’è poco da calcolare nella capitale dello stato dei wolverines: “Welcome to the D, baby / It’s all live down here / What you see is all real”. E la storia della Motown Records è la prova di quella spontaneità e imprevedibilità che, per qualche motivo, sono sempre gli ingredienti principali delle avventure più avvincenti.

C’era una volta Berry Gordy, un ragazzino di Detroit che sognava di fare il pugile, ma che a 16 anni viene chiamato a prestare servizio per la Guerra di Corea. Tornato a casa, apre un negozio specializzato in musica jazz, ma anche questo sogno è destinato a fallire nel giro di poco. L’unico destino per i ragazzi di Detroit sembra l’impiego nel settore in cui la grande D ha il pieno dominio: l’industria automobilistica. E così Berry, disilluso, si sposa e comincia a lavorare per Ford.

Puoi provare a reprimere un sogno, ma non puoi reprimere la tua vera natura: e così una bella mattina il nostro Berry si sveglia e dice basta. Si licenzia, divorzia dalla moglie e decide che l’unica industria in cui ha intenzione di lavorare è quella musicale. Dopo una prima fase da autore con guadagni estremamente limitati, Gordy fonda la sua casa discografica. Al momento di scegliere il nome non ha dubbi: Motown, abbreviazione di Motor Town, uno dei più celebri soprannomi di Detroit.

Primi artisti scritturati: Smokey Robinson & The Miracles, che Gordy aveva conosciuto appena diciassettenni. Il primo singolo è un successo stratosferico e arriva ad essere il secondo più venduto negli USA. Uno dietro l’altro, Berry scrittura una serie di nomi allora sconosciuti costruendo un roster che a posteriori fa venire la pelle d’oca: The Temptations, The Supremes, un appena dodicenne Stevie Wonder e un ancora sconosciuto Marvin Gaye, che Berry aveva per caso visto esibirsi a Detroit con il suo gruppo, i Moonglows, e a cui aveva deciso di proporre un contratto da solista che lo porterà a incidere per Tamla (sottoetichetta di Motown) tra i dischi più belli e iconici della storia del Soul. A questo elenco di talenti si aggiungono i Jackson 5, che pubblicheranno per Motown il loro album di debutto, su cui Gordy aveva deciso di cucire una leggenda per amore del marketing: detta leggenda vorrebbe che i Jackson 5 fossero stati scoperti dall’allora artista di punta dell’etichetta, Diana Ross, che a quell’album di debutto fa da madrina direttamente dal titolo.

I sogni si possono infrangere, l’importante è conservarne i pezzi, non dimenticarli e rimetterli insieme quando si sente che è arrivato il momento. La lunga e complessa storia di Berry Gordy e di Motown ci insegna proprio questo. E per fissare i cardini di questa lezione di oggi, ci andiamo a ripassare alcuni dei più bei dischi Motown campionati nelle nostre tracce preferite.

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I migliori sample del 2023 (finora)

Alessia Sciotto — Tue, 25 Jul 2023 12:05:43 +0000

Oggi, alle porte delle vacanze agostine, un po’ di nostalgia ci fa voltare indietro a fare un primo bilancio degli ultimi mesi. Perché diciamocela tutta, agosto è un po’ un dicembre che non ce l’ha fatta, ed è sempre un momento utile per riflettere su ciò che è accaduto, con la speranza di sfruttare gli ultimi mesi dell’anno per rattoppare gli errori, raggiungere gli obiettivi e soprattutto festeggiare i traguardi.

Sembra ieri quando esattamente due anni fa per la prima volta, quasi per caso, aprivamo la nostra rubrica sulle gemme del mondo del sampling. E lo facevamo con un pezzo di The J.O.B. Orquestra, Govinda, campionato da Mac Miller, Isaiah Rashad e K.O.T.A. The Friend, oltre che da Stokka & MadBuddy e Guè in Italia.

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La nostra passione per i campioni ci ha fatto fare un po’ di giri, e così come tanti appassionati, oltre che diggare nei negozi di dischi più remoti delle nostre città preferite, abbiamo scavato anche nei meandri dell’internet per trovare i racconti di prima mano di chi la storia del campionamento l’ha letteralmente scritta. Lo avevamo fatto in un apposito articolo in cui raccoglievamo un po’ di documentari interessanti sul sampling che puoi trovare su YouTube, ma tra tutti il più incredibile era sicuramente un documentario di Vox sull’umanizzazione dell’MPC da parte di J Dilla, ossia sul processo messo in moto da James Yancey che ha determinato (senza esagerare) l’andamento del 99% di tutto ciò che ascoltiamo oggi.

Sempre in un recap nostalgico di tutto ciò che riguarda il campionamento, in questi anni abbiamo scoperto come anche i remix o le cover possano essere considerati dei sample, visto che in ogni caso prendono un pezzo di qualcosa che esiste già e lo ripropongono in modo originale e inedito. Il nostro paragrafo preferito di questo capitolo sul sampling era stato quello sui Nu Genea che, nello scrivere e comporre i pezzi che hanno reso le nostre ultime estati indimenticabili, hanno attinto da un repertorio vastissimo dal French Funk alla poesia tradizionale partenopea.

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E in questo 2023 che cosa è successo? Ovviamente di tutto. Le ultime uscite di artisti del calibro di Tyler, The Creator, The Alchemist, Conway The Machine, Kaytraminé, Cookin’ Soul, e non da ultimo tutti gli snippet di Fred again.. ci hanno fatto navigare in un mare di cose tutte da recuperare. Insomma, ormai ascoltare le nuove uscite è diventato un lavoro doppio: prima la traccia e poi il sample, non si scappa.

Il buco nero dei sample ci ha dolcemente tirati giù anche quest’anno, inutile negarlo. E nella certezza che i prossimi mesi avranno ancora da riservare delle mine che cambieranno totalmente i connotati della selezione che ci accingiamo a fare, oggi siamo qui per celebrare quelli che per noi sono alcuni dei migliori campioni che questo 2023 (finora) ci ha regalato.

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5 sample tratti da “Bam Bam” di Sister Nancy

Alessia Sciotto — Tue, 11 Jul 2023 08:53:07 +0000

Il giorno che proverai a cantare Bam Bam sopra il ritornello di Lost Ones di Lauryn Hill e ti accorgerai che suonano allo stesso identico modo, non potrai più non sentirlo.

Considerata una delle tracce reggae più campionate di sempre, Bam Bam nella versione di Sister Nancy è un inno generazionale che ha ispirato una sfilza di musicisti, rapper e producer hip hop nella scrittura e produzione delle nostre tracce preferite.

In un’intervista a VIBE Magazine di qualche anno fa, Sister Nancy raccontava la storia di questo brano. “Era un giorno come un altro, ero in studio con Yellowman, con cui al tempo stavo lavorando. […] Dovevo completare l’album One Two, avevo già 9 tracce ma me ne mancava una e non riuscivo a trovare la canzone adatta per chiudere l’album. Yellowman aveva appena fatto la sua versione di Bam Bam e sono andata in studio con lui. […] Mi ha messo il microfono sul primo canale e sono andata in freestyle. Niente carta e penna, ho trascritto il testo giorni dopo aver registrato, perché non mi ricordavo nemmeno quello che avevo detto”.

Non sappiamo quali siano le leggi del suono che decretano il successo di una versione piuttosto che un’altra della stessa canzone. Quello che sappiamo, però, è che Bam Bam di Sister Nancy è un cocktail di pochi e perfetti ingredienti: oltre alla caratterizzazione data dalla voce iconica e dal flow invidiabile della sista, questo brano come tantissimi altri brani jamaicani tra gli anni ‘70 e ‘80, si appoggia su un “riddim”, ovvero su una produzione usata e riusata svariate volte da diversi musicisti in modo sempre diverso. Insomma, un po’ come se fosse uno standard suonato sempre praticamente allo stesso modo a cui però di volta in volta vengono cambiate le parole. Nel caso specifico, il riddim usato è lo Stalag 17 di Ansel Collins.

Nonostante ciò detto fino ad ora, fino agli inizi del 2000 la popolarità di questo brano era arrivata ovunque fuorché in Jamaica. La stessa Sister Nancy, infatti, racconta che nella sua terra natale i suoi pezzi famosi erano altri, come la title track del suo disco One Two, tant’è che era rimasta basita quando nel 1998, dopo essersi stabilita negli Stati Uniti, aveva sentito per caso la sua Bam Bam suonare sul background del film Belly. Gli unici editori ad essere informati dell’uso di questo brano erano quelli di Yellowman e Ansel Collins, tenendo fuori Sister Nancy che, come tantissimi cantanti jamaicani del tempo, non aveva mai reclamato nessun tipo di diritti sul suo brano, e questo farà sì che per questo pezzo l’artista perderà qualcosa come 20 anni di royalties.

Pochi soldi, dunque, ma tantissima gloria per Sister Nancy, che nel corso degli anni è diventata punto di riferimento per molti dei nostri artisti preferiti. Tra tutti, Jay-Z campionerà Bam Bam nel singolo Bam che vede il featuring di Damian Marley e il cui video è stato girato proprio in Jamaica. Il videoclip include una scena in cui compare Sister Nancy che canta una versione freestyle del brano e racconta come tutto sia nato per caso. “La buona musica dura per sempre” dice in un dialogo diretto con lo stesso Jay-Z. “Non va da nessuna parte. Anche quando io non ci sarò più e sarò andata dove dovrò andare”.

Oltre a Jay-Z, sono tanti gli artisti che hanno attinto all’iconica Bam Bam per creare le hit di oggi. E ti diciamo già che sicuramente ne conosci un paio. Sfoglia per scoprire cinque brani che campionano questo iconico e immortale brano di Sister Nancy.

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5 nomi per celebrare la storia della Italo disco

Alessia Sciotto — Tue, 04 Jul 2023 12:03:36 +0000

Non ci stancheremo mai di ripeterlo: raccontare la storia di un genere musicale sarà sempre riduttivo. Del resto, le linee del tempo sono forse il peggior modo per rappresentare il succedersi degli eventi, come se al momento in cui Giulio Cesare moriva per mano di Bruto, tutto il mondo conosciuto fosse fermo lì ad aspettare prima di fare qualsiasi altra mossa.

Ma come sempre per la storia dell’umanità, anche quando lo spazio e il tempo a disposizione non sono sufficienti, è doveroso tentare di fare un quadro dei personaggi che in un dato momento storico si stagliavano tutti insieme sul panorama musicale e lavoravano in balia dell’industria, e a volte del caso, per costruire i sound oggi iconici e intramontabili che ci accompagnano nella gioia e nel dolore, in salute e in malattia.

E negli ultimi tre anni, di certo il sound più curativo è stato (e continua ad essere) uno, che porta il nome di Italo disco.

La febbre disco in Italia si diffonde nei primissimi anni ’70, quando i primi dischi dei Bee Gees, Donna Summer, Michael Jackson, Chic e di tutta una celebre schiera di musicisti americani cominciavano a suonare nei juke box, sui giradischi e, per i più fortunati, nelle TV di casa.

Proprio la TV sembrerebbe essere stato un dei canali principali attraverso cui la Disco si sarebbe impressa definitivamente nella mente degli italiani. Nel 1979, ad esempio, Pippo Baudo conduceva al fianco di Tina Turner il varietà Luna Park, dove una giovanissima Heather Parisi debuttava ballando su Anche Noi, sigla di apertura del programma scritta per l’occasione dalla band genovese New Trolls.

In realtà le sonorità del funk elettronico dance in italiano viaggiavano già da tempo lungo lo stivale. Nel 1974, infatti, mentre Rafaella Carrà lanciava la sua Rumore, anche la catanese Marcella Bella interpretava quello che viene considerato uno tra i primi brani Italo disco originali, dal titolo Nessuno mai. Qualche anno dopo, un’insospettabile Wilma De Angelis usciva per l’etichetta Spark con una hit dal titolo Tua. Da anni, poi, già prolificavano le cover in italiano delle maggiori hit disco in lingua inglese, come nel caso di Vivo Sarai delle Eva Eva Eva, cover di Stayin’ Alive dei Bee Gees o Cosa Mi Succederà de Le Streghe, cover disco di You Keep Me Hangin’ On delle Supremes.

Tra il ’76 e il ’78 vedono la luce incisioni iconiche come Figli delle stelle di Alan Sorrenti, mentre gli stessi New Trolls di cui sopra scrivevano e interpretavano la traccia-culto Ti voglio di Ornella Vanoni. Non è un caso che, se cercato su Google, quest’ultimo brano venga etichettato come “Pop, Kayokyoku giapponese”. La Italo disco, infatti, a livello sonoro non si differenziava praticamente in nulla da ciò che, con l’avvento dei sintetizzatori e degli strumenti elettronici in generale, stava avvenendo nel resto del mondo. Unica eccezione: la provenienza geografica. Sembrerebbe infatti che, per questioni di comodità nello stilare delle compilation, siano stati i tedeschi ad etichettare come Italo disco quella musica funk-dance da discoteca proveniente dall’Italia. Eppure, in questo calderone fatto tutto della stessa pasta, gli italiani come sempre hanno fatto del loro meglio per distinguersi: dalla Sardegna alla Puglia, passando per il cuore pulsante della Campania, ogni regione ha contribuito alla Italo Disco con i propri dialetti, i propri suoni, le proprie vibes.

È forse questo un quadro completo della storia? Certamente no.

Possiamo fare qualcosa per renderlo un filo più completo? Certamente sì.

A seguire, dunque, abbiamo preso cinque personaggi tra le migliaia che, tra cantanti, musicistə, autori e autrici, hanno contribuito a costruire il sound Italo Disco, questo genere surreale che dopo 40 anni ci dà ancora vitalità e vita.

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5 dischi iconici della Blue Note Records campionati nell’Hip Hop

Alessia Sciotto — Tue, 27 Jun 2023 12:08:31 +0000

Immagina di trovarti dentro un magazzino. Potresti essere a Los Angeles come a Palermo, ma c’è solo una cosa che conta: tutte le pareti di quella stanza sono letteralmente tappezzate di dischi e qualcuno ti ha detto che puoi prendere tutto quello che vuoi e usarlo come più ti piace, senza limiti né ripercussioni. Hai solo un compito: valorizzare al massimo ciò che prenderai e porterai fuori, ed evangelizzare tutti coloro che quei dischi, con molta probabilità, non li hanno mai visti né sentiti in vita loro.

Questo non è il riassunto di un film, bensì di ciò che succedeva nel 2002 a Otis Jackson Jr., meglio conosciuto come Madlib, che esattamente 20 anni fa entrava nei magazzini della Blue Note Records a mani vuote e ne usciva con un dei suoi dischi più acclamati e conosciuti: Shades of Blue.

Ai tempi Madlib era uscito con davvero pochissima roba: Champion Sound con J Dilla sarebbe uscito dopo qualche mese, ma tra gli album all’attivo c’era già Angles Without Edges, pubblicato per Stones Throw sotto il moniker Yesterday’s New Quintet, in cui la metà di Madvillain suonava praticamente tutti gli strumenti di un quintetto jazz dalle sonorità astrali e sperimentali. Chi meglio di lui, dunque, per riaccendere una bella luce sull’immenso catalogo Blue Note che del jazz aveva scritto la storia? Così Eli Wolf, fratello di Peanut Butter Wolf (fondatore di Stones Throw) e al tempo A&R in Blue Note, gli propone di lanciarsi in quello che per lungo tempo è stato definito un “remix album”. Paura della parola “sample” o “interpolazione”? Forse. Eppure, ciò che emerge da quell’album è un’esegesi impeccabile di diverse tipologie di dischi dal catalogo dell’etichetta: alcuni sono i dischi iconici che hanno gettato le basi del jazz moderno (come Song For My Father di Horace Silver, Maiden Voyage di Herbie Hancock o Adam’s Apple di Wayne Shorter, per citarne alcuni); altri invece, fino a prima di essere campionati erano praticamente sconosciuti, come Distant Land di Donald Byrd del 1973, che ai tempi era ancora inedita, e che per sezione ritmica, armonie e scelte stilistiche sembra un brano del 2015.

Blue Note Records è sinonimo di jazz dal 1939, quando i due immigrati tedeschi Alfred Lion e Francis Wolff la fondarono con l’intento di firmare e registrare alcuni nomi della scena americana che in quel momento stavano spopolando con Bebop e Boogie Woogie. Con il passare del tempo, però, Blue Note acquisisce una sua linea editoriale fino a diventare uno degli spazi di punta per gli le nuove voci strumentali del jazz moderno, o Hard Bop: tra questi, oltre i già citati Herbie Hancock, Horace Silver e Wayne Shorter, si piazzano a piè pari alcune pietre miliari della storia del genere, tra cui Art Blakey & The Jazz Messengers, Blue Train di John Coltrane e Somethin’ Else di Cannonball Adderley, che contiene quella che forse è l’incisione jazz più conosciuta al mondo: Autumn Leaves, con Miles Davis alla tromba.

Grazie anche al preziosissimo lavoro dell’ingegnere Rudy Van Gelder, del grafico Reid Miles e dell’occhio di Francis Wolff che era anche un fotografo eccezionale, Blue Note Records è diventata (e rimasta) una di quelle pochissime etichette i cui dischi si riconoscono sia al primo sguardo che al primo ascolto. Negli anni, poi, questa cosa non è cambiata, visto che la label è riuscita a reimmaginarsi diverse volte in chiavi diverse: il lavoro di Madlib è il primo esempio di questo approccio visionario e mutevole, insieme ad altre celebri perle del catalogo, tra cui Tourist di St Germain, Hand On The Torch degli US3 o il molto più recente Blue Note Re:imagined del 2020, dove abbiamo visto nomi a noi cari, come Jorja Smith, Jordan Rakei e Alfa Mist cimentarsi nella reinterpretazione di alcuni classici della storia dell’immortale label.

In occasione dei 20 anni di Shades Of Blue di Madlib, vogliamo approfittare perché oltre a scrivere la storia del jazz, Blue Note Records ha scritto anche la storia dell’Hip Hop, del Soul e di ogni genere in cui il sampling sia contemplato e sacro. La ripercorriamo sfogliando 5 dei sample più iconici che i nostri producer preferiti hanno estratto dal catalogo di questa fortunata e immortale label.

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Jamiroquai: 30 anni di British Funk senza compromessi

Alessia Sciotto — Tue, 20 Jun 2023 11:12:29 +0000

La notte del 3 novembre 1993, durante il suo celeberrimo Late Night Show, Conan O’Brien dice: “Abbiamo avuto ospiti tantissime band qui fino ad ora. Ma per quanto siano state forti, nessuna di loro ha mai portato un solo di didgeridoo. Bene, da oggi cambia tutto: dall’Inghilterra, diamo il benvenuto ai Jamiroquai!”

Si apriva così, 30 anni fa, quello che presumibilmente è stato il debutto americano di una delle band più colorate, chiacchierate e iconiche ad aver mai tracciato la storia del British Funk. Quel live è già storia dal primo secondo: un gruppo di ragazzini poco più che ventenni (il bassista Stuart Zender ancora teenager) con una presenza scenica travolgente ha lo sfacciato coraggio di presentarsi con una versione completamente riarrangiata del loro primo singolo, When You Gonna Learn, portando sul palco un DJ, due fiatisti e uno strumento aborigeno di un metro e venti.

È difficile non parlare di icone nel tentare di raccontare la storia di questa band. Un buon punto di partenza potrebbe essere il logo che ancora oggi segna l’identità del progetto e che il 14 giugno 1993 si stagliava netto e pulito per la prima volta sulla copertina del disco di esordio dei Jamiroquai, Emergency On Planet Earth, nato dalla mano di Jay Kay nel tentativo di disegnare sé stesso.

EOPE è un disco ancora tremendamente attuale, se si considera che (anno più, anno meno) quelle 10 tracce hanno praticamente la nostra età: “Ti conviene stare alle regole della natura / o lei si porterà via tutto / e non dirmi che sai meglio di lei cosa sia giusto e cosa sbagliato. […]”. Ambientalismo, guerra, anarchia, ribellione al sistema: questi sono i temi del disco che già un mese prima di uscire, faceva titolare a i-D Magazine “Jamiroquai: la voce di una generazione?”. A posteriori possiamo ben dire di sì, e non solo per quanto riguarda i temi trattati nei loro testi, ma anche per il contributo del frontman Jay Kay a tutta una dimensione estetica concettuale e fortemente contraddittoria della figura dell’artista.

Per citare un evento recente, ad esempio, Jason Cheetham (questo il nome al secolo di Jay Kay, ormai unico reduce della formazione originale) ha direttamente contribuito a disegnare la collezione uomo autunno-inverno 2022-23 dello stilista giapponese Junya Watanabe, tutta totalmente ispirata all’estetica Jamiroquai dei primi dischi e dimostrata durante un mini-show ispirato all’iconico video di Virtual Insanity.

Oltre al controverso cappello in pelliccia, realizzato con materiali (a suo dire) di seconda mano e primo di una lunga serie di copricapo iconici da lui disegnati e che gli sono valsi il titolo di “cappellaio matto”, sono le Gazzelle Adidas ad aver segnato in modo indelebile il look di Jay Kay sin dal giorno zero, quando le indossava con un’altrettanto iconica cappa multicolor. Insomma, una sorta di Kanye ante litteram, che con quella mania artistoide che in parte odiamo, in parte compatiamo e in parte amiamo a dismisura tanto da arrivare a comprare, ha la ghiotta opportunità di disegnare con Watanabe una collezione praticamente ispirata a sé stesso. Con un’unica non trascurabile differenza: lo stile dei primi Jamiroquai, così come il loro nome, attinge a piene mani dall’eredità di culture indigene Americane e Australiane, una scelta ovviamente ambigua e spesso duramente criticata.

I need a new shoe cupboard. Look what I found under the stairs. Sole Education! Shoes The Force! pic.twitter.com/6PawgKPqPn

— Jamiroquai (@JamiroquaiHQ) September 5, 2021

Con l’evolversi dei temi e dei tempi, poi, Jay Kay ha virato verso nuovi temi forse ancora più contraddittori, di quelli che (sempre inevitabilmente pensando a Kanye) fanno storcere il naso a molte persone, ma ne fanno eccitare e incuriosire molte di più. Dopo un rapido passaggio su argomenti astrali e proiezioni utopiche con The Return Of The Space Cowboy, infatti, nel 1996 con Travelling Without Moving spostano leggermente la centratura del focus sulle automobili, un’altra grandissima passione del frontman, più o meno grande quanto l’antitesi che inevitabilmente si crea con i temi estremamente conscious del suo primo disco. Il disco, pieno di pezzi storici e iconici della storia della radio, come Virtual Insanity e Cosmic Girl, convince il pubblico a tal punto da diventare ad oggi il disco Funk più venduto della storia, più di quelli degli idoli a cui Jay Kay ha sempre ammesso di ispirarsi nella scrittura dei suoi album, ma soprattutto più della band per cui, prima di fondare i Jamiroquai, aveva fatto un provino come cantante ed era stato rifiutato, ovvero i Brand New Heavies.

Chi scrive è ossessionata dai Jamiroquai dalla tenera età dei 12 anni. Eppure, non c’è ragione di non ammettere che le composizioni di Jamiroquai non spicchino certo per originalità, visto che sia sul piano strumentale che tematico il sound della band è sempre stato un patchwork di elementi della cultura Funk e Soul afroamericana cuciti con elementi elettronici di stampo 90’s England footwork (la versione alternativa di Do You Know Where You’re Coming From ne è forse il miglior esempio).

Abbiamo scritto e parlato di tantissime band qui fino ad ora. Ma per quanto siano state forti, solo i Jamiroquai sono riusciti ad amalgamare in modo organico elementi così tanto diversi tra loro, lungo tutte le fasi che il tempo ha permesso al progetto di attraversare sempre indenne, e a fare dello stile di un frontman folle e visionario un marchio di fabbrica così unico ed eterno.

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Il Primavera Sound 2023 a Madrid è stato una festa incredibile

Alessia Sciotto — Wed, 14 Jun 2023 10:41:50 +0000

Sapevamo che, essendo alla sua prima edizione, il Primavera Sound 2023 a Madrid sarebbe stato una festa, ma non sapevamo di dover versare così tante lacrime dall’emozione. Inizialmente lacrime amare, vista l’ondata di maltempo che si è abbattuta sulla città e che ha inondato la Ciudad del Rock, costringendo l’organizzazione a cancellare la prima giornata di eventi.

Ma per parafrasare uno dei maggiori poeti italiani, anche dal brutto possono nascere fiori: e così il concerto dei Blur, headliners della prima giornata, spostato in una venue più piccola a capienza limitata, ha permesso ai pochi fortunati di godersi qualcosa di irripetibile: assistere alla performance di una delle band più platealmente iconiche degli ultimi anni nell’intimità di un club. Un evento più unico che raro, tanto che lo stesso Damon Albarn alla fine del set ha detto “Ragazzi credetemi, questa è stata una serata davvero speciale”.

Il 9 giugno il sole si alza finalmente alto su Madrid, ed è l’ora di “riprenderci tutto quello che è nostro”. Alcuni intoppi nell’organizzazione dei movimenti da e per la Ciudad del Rock ci impediscono di arrivare in tempo per il concerto di Baby Keem (emoji del cuore spezzato), ma l’amaro in bocca non è poi così tanto, visto che a mani giunte in cuor nostro sappiamo che avremo modo di vederlo comunque sul palco. Il set successivo, infatti (preceduto da un Four Tet carico a pallettoni e dei Depeche Mode davvero esplosivi, oltre ogni aspettativa) è quello di Mr. Kendrick “Morale” Lamar. Una tuta di ciniglia rossa, un baseball cap “LA” e un gruppo di cinque ballerini con le sue stesse identiche sembianze bastano per mettere in piedi uno show iconico e toccante, in cui K Dot ha attraversato praticamente tutta la sua discografia da brani storici come “A.D.H.D.” e “Nosetalgia” al suo ultimo capolavoro. È uno spettacolo da tour? Certo che no, eppure l’emozione è alle stelle esattamente come se lo fosse. In più, le aspettative che ci eravamo costruiti un’ora prima non vengono disattese: non appena gli ottoni di Family Ties si librano nell’aria, vediamo spuntare Baby Keem che insieme al cugino percorre a grandi falcate l’altrettanto grande palco, mentre in basso la gente si libera dalle tossine cantando a squarciagola e pogando senza fine. Alla fine del set Kendrick, nel salutare il pubblico, urla: “I WILL BE BACK!”. Sintomo di un ritorno imminente? Chi vivrà vedrà.

Dopo questa doccia di emozioni, poi, back to back senza neanche un secondo di pausa arriva sul palco accanto il set di Fred Again.. e lì i lacrimoni non tardano a scendere. Dopo la scarica di adrenalina di Kendrick, infatti, leggere sul grande schermo “Ciao a tutti! È la prima volta che suono qui a Madrid” è sufficiente a farci ricordare la tenerezza di questo giovane talento inglese, e di tutto ciò che nella vita ha attraversato (e che vi abbiamo raccontato qui) prima di arrivare a salire su questo palco a festeggiare la vita con noi. Il set si apre ovviamente con Kyle (I Found You) e continua attraversando i più grandi successi di Fred, tra cui Sabrina (I Am a Party), Angie (I’ve Been Lost) e il suo ormai celebre mashup tra Chanel di Frank Ocean e A New Error dei Moderat. Nel turbine di emozione e lacrime che ci avvolge durante il live, Fred ci fa sentire un inedito in cui campiona Obongjayar. Snitchando sulla setlist, il titolo della traccia sembra essere Obong e nel presentarlo Fred lo dedica a tutti i fratelli e le sorelle. Non è un caso, visto che il sample utilizzato proviene dal video live I Wish It Was Me, dedicato da Obongjayar alla sorellina più piccola.

L’ultimo giorno si chiude con un set letteralmente infuocato di Skrillex (anche qui, arrivati con il naso storto e invece usciti con i connotati cambiati dalla meraviglia nostalgica di un set esplosivo in stile 2010), prima di una ciliegina sulla torta: il live delle 4 di mattina di Channel Tres che, con uno stile asciutto e mega iconico (kilt, canotta bianca e occhiale da sole), non ha impiegato niente a iniettarci un po’ di garage nelle vene per farci continuare a ballare dopo che credevamo di essere totalmente finiti.

Arriva così la tarda mattina del 10 giugno, terzo e ultimo giorno di festival, e aprendo gli occhi ci chiediamo esattamente dove pescare le energie per ballare come il giorno prima. Per questo decidiamo di arrivare a metà pomeriggio per un inizio smooth sulle note della dolcissima Arlo Parks: un live stupendo nella sua semplicità, che in qualche modo ci ricorda lontanamente i primissimi The Internet, nella purezza e spontaneità del sound live. A seguire sul palco accanto, la divina Sevdaliza che, in un set che forse sarebbe stato più adeguato alle 2 di notte che alle 6 di pomeriggio, ha cantato davanti la consolle ma ha anche sfrecciato sui controller, in una parentesi techno che nonostante il sole ancora alto ha fatto saltare in aria tutte le persone presenti.

Passa qualche ora e, dopo un’incredibile St. Vincent esibitasi con la sua band sul tramonto di Arganda del Rey, con il primo buio della giornata è il turno della divina Caroline Polachek: la sua figura sinuosa si staglia su una scenografia desertica / vulcanica dai colori cangianti, mentre i pezzi di Desire, I Wanna Turn Into You incantano le nostre orecchie dopo averci fatto preoccupare di un cambio di programma all’ultimo minuto (qualche giorno prima, infatti, Caroline aveva perso la voce ed era stata costretta a cancellare alcuni set).

Alla fine del concerto di Polachek la gente non schioda dal palco, e c’è un motivo: nessuno vuole perdersi il posto migliore per assistere al concerto di punta di questa edizione 2023. Tutte le persone venute per vedere Rosalía sono riconoscibilissime: brillantini, codini, trecce, nastri rossi tra i capelli (fa ridere come nelle FAQ del Primavera Sound, tra gli articoli proibiti da introdurre al festival ci fosse il casco da Motomami). A un certo punto le luci calano: parte al massimo volume il brano Matsuri Shake della band Punk Hardcore giapponese tutta al femminile ni-hao!!! La gente è confusa, ma prima di capire cosa sta succedendo, la Rosi (come tutti intorno a noi la chiamano) arriva sul palco: un outfit incredibile fatto di lupetto nero, calze nere, gonna in pelle nera, che più basic non si può, e che più iconico non si può nemmeno, a dimostrazione che una Motomami non ha bisogno di abiti surreali per essere degna di questa qualifica.

Lo spettacolo è una versione ridotta di quello del Motomami tour, ma il principio è sempre lo stesso: paradossalmente se sei nelle file davanti, non riesci a goderti lo spettacolo per com’è stato studiato, ossia per essere visto bene dal 90% dei presenti. Rosalía è spesso di spalle per dare la priorità alla telecamera, e sono le immagini sui maxi schermi a farti toccare con mano tutto ciò che accade, nonostante ogni tentativo di sorpresa sia spoilerato dal fatto che tutti sappiamo già cosa succederà per il grande volume di video che abbiamo visto su TikTok. Il momento più commovente (e sicuramente più improvvisato) dello show arriva quando Rosalía si siede per terra, prima di andare al piano e cantare Hentai, e racconta: “Quando ero bambina mio nonno mi diceva sempre ‘che triste la vita dell’artista’. Allora non lo capivo, mi sembrava assurdo pensare che la vita di un artista fosse triste. Oggi non credo che la vita dell’artista sia triste, ma dopo un anno e mezzo di tour sento davvero il peso. A me, così come a tutte le persone che con me lavorano a questo live, mancano tantissimo i figli, i compagni, i fratelli, gli amici”.

Assistere live a un’artista che spontaneamente sfiora il crollo emotivo durante tutto lo spettacolo (ha pianto davvero tante volte, ringraziato il pubblico e detto che dopo tanto tempo si sentiva davvero a casa) è qualcosa di unico, forse la cosa più preziosa che ci portiamo a casa dopo questo festival. Poche cose come la musica live ci danno la possibilità di sentirci così vicini a coloro i quali con la loro musica e le loro storie hanno colorato le nostre giornate più colorate così come quelle più grigie, ci hanno tirato su quando pensavamo di non riuscire a rialzarci e ci hanno fatto piangere quando pensavamo di essere incorruttibili.

La musica live è sempre tanto preziosa, ma la musica live al Primavera Sound lo è sempre (e da sempre) un po’ di più.

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Gli act che ci faranno sognare al Primavera Sound 2023

Alessia Sciotto — Tue, 30 May 2023 10:23:40 +0000

Immagina l’estate che comincia. Il tuo top macramè preferito. Il sudore, la musica e gli abbracci.

E poi immagina tutto questo mentre sui tuoi occhiali da sole si specchiano in successione le immagini di Rosalía, Kendrick Lamar, Baby Keem, Pusha T, PinkPantheress, Caroline Polacheck, New Order e di altre due centinaia di artistə che hanno di sicuro già suonato dentro le tue cuffie e che quest’anno animeranno la line-up del Primavera Sound al suo ventiduesimo anno di età.

Oltre alle ormai tradizionali edizioni su Barcellona e Porto, il 2023 sarà il primo anno a vedere la stessa identica line-up di Barça riproposta a Madrid la settimana successiva, oltre che un’edizione ugualmente incredibile in America Latina a fine anno.

I pochi nomi che abbiamo già citato, accostati ad altri giganti come Blur, Depeche Mode, Calvin Harris e Halsey, dovrebbero essere già sufficienti a dare l’idea del fatto che anche quest’anno uno dei festival più all’avanguardia d’Europa ci teletrasporterà in un vero e proprio sogno, le cui vibrazioni copriranno un perimetro che va dall’Hip Hop all’Elettronica, passando per New Wave, Britpop, House e Alt-Rock senza soluzione di continuità.

Sarebbe davvero impossibile fare una selezione dei best act che animano il calendario, ma vogliamo comunque segnalare un paio di quelli che secondo noi potrebbero essere i set assolutamente imperdibili di questa edizione 2023 del Primavera:

• Sudan Archives – Un rapido ascolto al suo ultimo album Natural Brown Prom Queen basterà a farti correre sotto al palco ad ammirare questa violinista, cantante e producer di casa Stones Throw che, oltre a uno show sonoro sublime, come sempre non mancherà di ipnotizzarci con uno spettacolo visivamente incantevole.

• Loyle Carner – È davvero necessario specificare il motivo per cui andare a vedere Coyle-Larner aka Loyle Carner dopo che ne abbiamo parlato infinite volte in questa sede? Certo che lo è, visto che non abbiamo ancora tolto il repeat a hugo, il suo ultimo disco in cui pareggia i conti con la rabbia e la frustrazione di un passato difficile.

• Hudson Mohawke – Dopo essere diventato un meme su Reddit e aver accumulato milioni di stream su un singolo a 11 anni dalla sua release ufficiale, Hudson Mohawke è uscito giusto una settimana fa con Set The Roof, un nuovo EP di fuoco in collaborazione con Nikki Nair

• Four Tet x Fred Again.. x Skrillex – TikTok è tempestato di video di quello che da un anno a questa parte è il wonder-trio della musica Dance mondiale, ma ce n’è uno in particolare del brano Baby again.. preso dallo scorso Coachella che ti farà venire voglia di volare sotto la consolle praticamente adesso.

• Channel Tres – Ci eravamo innamorati di lui ai tempi di fuego (feat. Tyler, The Creator), e da allora non abbiamo mai più mollato la sua wave Deep House alternativa, fresca, raffinata ma sempre all’altezza energetica dei grandi della tradizione di questo genere.

• Tems – Nonostante il suo nome non sia cubitale sul calendario in line-up, lo è sicuramente nei nostri cuori. Dopo aver coperto di miele alcuni dei brani più belli di Future, Drake e Wizkid, niente ci potrà fermare dall’essere sottopalco a bocca aperta ad ascoltare una delle voci più innovative e originali dell’Afrobeats contemporaneo.

• Arlo Parks – Innumerevoli volte abbiamo osannato l’operato di questa giovanissima voce del panorama inglese, l’ultima volta giusto un paio di giorni fa, quando tra gli ascolti del venerdì vi abbiamo segnalato l’uscita freschissima del suo secondo disco, My Soft Machine.

• Sevdaliza – Se ti hanno detto che il Trip-Hop è morto, tu girati e non ascoltare. Al set di Sevdaliza ti accorgerai che non solo è più vivo che mai, ma anche che un genere giù nato come avanguardia può trasformarsi in ulteriore avanguardia infinite volte.

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5 sample assurdi dal nuovo disco dei KAYTRAMINÉ

Alessia Sciotto — Tue, 23 May 2023 10:08:54 +0000

L’estate quest’anno ce la siamo pregustata in largo anticipo, e più precisamente il 6 aprile scorso quando con un post collaborativo KATRANADA e Aminé mostravano una Maschine in cui erano settati i campioni dei loro due nomi. La loro fusione parte su un beat che in seguito scopriremo non far parte del disco, ma che ci ha dato comunque un’idea ben chiara di quello che avremmo assaporato più di un mese dopo, quando finalmente abbiamo visto spuntare sui nostri feed di Spotify il primo album dei KAYTRAMINÉ.

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Durante una chiacchiera con PinkPantheress per Rolling Stone, alla domanda “chi è l’idolo con cui vorresti collaborare?” KAYTRANADA risponde che ha sempre preferito lavorare con artisti emergenti piuttosto che con le grandi star, perché ogni volta che ha provato a lavorare con delle leggende le sue aspettative verso i risultati sono sempre state deluse. Com’è evidente dalle tracklist dei suoi dischi, fatte alcune rare eccezioni, per KAYTRA non è mai stata importante la dimensione del nome di un artista, almeno non quanto quella del suo sound. E infatti, quando il 25 luglio 2014 Aminé pubblica su SoundCloud un remix della mitica At All intitolato Not At All, Louis Celestin non tarda ad accorgersene.

Esattamente due giorni dopo, il primo seguirà il secondo su Twitter, e gli scriverà un messaggio: “Hey, grazie per il follow. Sei uno dei miei producer preferiti e mi piacerebbe lavorare con te prima o poi”. La risposta di KAYTRA è un follow back insieme a un bel pacchetto di beats gratis su cui lavorare.

Nel retweettare questa storia qualche giorno fa, Aminé raccontava: “Ero totalmente al verde e lavoravo a nuova musica ogni giorno nel 2014, cercando la mia stella polare. Spesso pensavo di lasciar perdere perché la cosa non stava andando bene per me e poi Kaytra mi ha risposto e mi ha mandato dei beats gratis… questa roba ha ricaricato le mie batterie e mi ha ridato fiducia in me stesso. […] Chissà dove sarei adesso senza quella piccola spinta da Kay all’inizio della mia carriera. L’amore che dimostri alle persone può incidere sulla loro vita in modi che non potremmo mai immaginare. Kaytraminé non è un disco cucito per l’industria, è da 9 anni che lavoriamo a questa roba”.

2014 pic.twitter.com/UtcermGPui

— Aminé (@heyamine) May 16, 2023

Da allora i nomi di KAYTRANADA e Aminé si incontreranno su diversi singoli (tra cui Ye Ye e La Danse di Aminé, e l’eterea Egyptian Luvr di Rejjie Snow), ma la vera pasta per il loro primo disco collaborativo la stenderanno nel 2020 quando, incontratisi in studio quasi per caso, tra un joint e un bicchiere di vino, hanno capito che la roba che stavano ascoltando doveva uscire fuori da quelle quattro mura. Flash forward: estate 2021, Malibu. I due si chiudono in casa studio e lavorano ogni giorno fino a partorire le 11 brevi ma intensissime tracce che compongono questo (speriamo) primo di una lunga serie di prodotti collaborativi.

Ci eravamo già messə in costume dopo l’uscita di 4EVA (feat. leggermente esplosivo con l’onnipotente / onnipresente Pharrell), ma alla vista di una tracklist che presenta i nomi di Freddie Gibbs, Amaarae, Snoop Dogg e Big Sean ci siamo praticamente tuffatə di testa in questa estate 2023 che ancora fa i capricci.

Ci sono bastati poco più di 33 minuti totali di quello che potremmo definire più un mixtape che un album per considerarci soddisfattə? Sicuramente no. Per questo, uscitə dal primo bagno ci facciamo un secondo tuffo a chiodo, questa volta nell’incredibile bacino di brani da cui KAYTRANADA ha attinto per produrre alcune delle tracce soleggiate di questo nuovo disco.

Abbiamo selezionato le 5 più frizzanti: sfoglia adesso per rinfrescanti.

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5 voci femminili che hanno segnato la musica dance

Alessia Sciotto — Tue, 16 May 2023 10:30:12 +0000

Se c’è una cosa per la quale dobbiamo ringraziare il periodo Covid, quella è sicuramente il ritorno della wave nostalgica della musica dance.

La rinnovata passione per le sonorità electro-house anni ’90 e ’00, infatti, ci ha portato delle novità a dir poco incredibili, partendo da RENAISSANCE della divina Beyoncé a finire all’ultimo singolo di Jorja Smith, che con Little Things è tornata alla sua vibe iniziale Acid Jazz mista a una dance uptempo che non può che farci ballare in loop.

Tempo fa avevamo già raccontato di come in origine la musica House, nata a Chicago alla fine degli anni ’70 per mano di un nutrito gruppo di DJ afroamericani, avesse ridato vita a un sound quasi morto per rianimarlo attraverso una manipolazione elettronica e ritmata del suono. I dischi di Trax Records, label distintiva di quegli anni, avevano poi viaggiato avanti e indietro da e verso l’Europa nelle sacche dei DJ inglesi, per arrivare a generare quello che oggi chiamiamo Eurodance.

La musica house in America fioriva in un contesto salvo, in degli spazi riservati e spesso esclusivi (nel senso di difficilmente accessibili) in cui la queerness e la fluidità di genere avevano la libertà di esprimersi attraverso danza, sudore e movimento. Questo spirito sonoro così liberatorio è stato fortunatamente ereditato da tutte le declinazioni dance più popolari di questo genere, che una volta arrivate al grande pubblico alla fine degli anni ’80 sono riuscite comunque a mantenere quel senso di rivendicazione e di sfogo tipico dei piccoli club. Quegli stessi elementi sono quelli che hanno permesso alla dance di attecchire nuovamente e così perfettamente dal 2020 in poi, in un periodo in cui la necessità di evasione era alle stelle ed era un sentimento condiviso a tutte le latitudini.

Date tutte queste premesse, risulta chiaro il motivo per cui le voci scelte per animare le produzioni dance degli anni ’90 siano delle voci (quasi sempre femminili) possenti, ampie e caratterizzate da un’estensione rilevante. Spesso però, soprattutto per la nostra generazione che vive di playlist, i nomi di queste eroine, che ci hanno fatto compagnia nelle nostre stanze mentre sfogavamo ballando la frustrazione di una crush non ricambiata, sono passati un po’ in sordina.

La nostra mentalità globalizzata ci porta a pensare a queste voci in modo binario: saranno americane o inglesi? La risposta sta nella storia di queste artiste, che è spesso surreale e non viene né dall’una né dall’altra località. Se ad esempio ti dicessimo che la voce di The Rhythm Of The Night è di una cantante catanese, sarebbe sufficiente a farti sfogliare le prossime pagine? Pensiamo sia un sì al 98%.

Oggi vogliamo puntare una lucina su 5 delle voci femminili che hanno scritto la storia della musica dance nel mondo: sfoglia per accenderla.

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5 DJ coreane che stanno svoltando la musica House

Alessia Sciotto — Tue, 02 May 2023 11:32:55 +0000

La hallyu, ossia l’influenza della cultura di massa coreana sul panorama internazionale, va avanti già dagli anni Novanta e di certo, nel parlare di musica, la prima cosa che ci viene in mente in questo senso è il K-Pop. Da qualche anno a questa parte, infatti, la scena pop coreana ha praticamente conquistato il mondo, e tra i vari BTS e le varie Blackpink di turno abbiamo finalmente sbloccato quel livello per cui forse le hit internazionali non devono per forza parlare una lingua coloniale (se non nello stile, quantomeno nell’idioma).

Eppure, il K-Pop non è l’unico movimento sonoro di origine coreana che ha cambiato il suono globale. In una scala inferiore, infatti, un gruppo di producer negli ultimi sei anni ha dato vita a una wave nota come K-House, apponendo con stile il proprio timbro culturale su quel genere musicale già fortemente identitario e sfaccettato che è la musica House, come abbiamo avuto modo di constatare più volte in questa sede.

Le storie di chi oggi sta costruendo questo genere mattone su mattone sono tra le più diverse: che siano figlie di immigrati di seconda generazione, nate in Corea e poi trasferite in occidente o da sempre stabili nella loro terra d’origine, queste artiste hanno dato vita a un blend perfetto tra un idioma sconosciuto alle orecchie occidentali, delle sonorità dal lontano sapore orientale e le più spesse e sudate ritmiche della House americana e dell’Elettronica europea.

Per il nostro più grande gaudio, la musica dance è prepotentemente tornata di moda e sta inondando la nostra vita sonora online e offline nelle sue declinazioni più svariate. Tra queste, la K-House si è meritata uno spazio d’onore per originalità e freschezza, ed è per questo che oggi vogliamo prendere i cinque nomi più rappresentativi di questo genere (che per qualche caso fortuito sono tutti nomi femminili) e vogliamo ripercorrerli per conoscere chi è che un passo alla volta sta irreversibilmente cambiando il volto della musica House.

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“107 Elementi” di Neffa, Deda & Al Castellana: un puzzle lungo 25 anni

Alessia Sciotto — Wed, 26 Apr 2023 10:50:27 +0000

Raccontare la storia di ciò che ha fatto la storia, specialmente nell’underground italiano di qualsiasi categoria, non è mai semplice. Le voci corrono, le leggende si sovrappongono ed è difficile risalire alla verità di come alcune circostanze abbiano composto l’humus per il fiorire delle gemme che hanno segnato la crescita di un genere, oltre che la nostra come persone.

La faccenda si fa ancora più complicata quando parliamo di tutto ciò che ruota alla SxM clique, e in particolare alla figura di Neffa. Le opinioni sul suo conto sono così divisive che solo fonti di prima mano come le rare interviste e i booklet dei dischi possono davvero raccontarci qualcosa su cui abbia senso riflettere. La cesta dei ricordi è ancora aperta, perché abbiamo dovuto ripescare un vecchio numero dello storico Aelle Magazine del 1998 per sapere il motivo per cui 107 elementi si chiama così, per farci dire direttamente da Neffa e Deda del tempo da cosa questo masterpiece si distingua dal suo predecessore Neffa e i Messaggeri della Dopa e soprattutto perché, dopo 25 anni, dovremmo ancora celebrarlo come uno dei pezzi fondamentali di quel puzzle che è la storia del rap originale in italiano.

In questa prolissa e intrigante intervista per Aelle, Neffa dice: “L’idea del titolo dell’album è nata dal mio hard disk, perché, quando avevo finito il mio lavoro, conteneva 101 elementi. Il significato del numero è: 1 = l’unità; 0 = il cerchio, il nulla che è anche il tutto; 7 = il numero del sole (ed è anche il giorno in cui sono nato…). La somma interna (1+0+7) fa 8 = l’infinito”. Una spiegazione piuttosto intricata, ma che si fa più chiara se l’idea di “elemento” si accompagna all’idea di “pezzo”, e dunque di “brano”. Nelle stesse pagine, Neffa racconta l’estrema difficoltà nell’articolare una scaletta per un disco ricco di generi, sfumature e groove molto diversi tra loro. “A livello di composizione del disco […] ho cercato di metterci dentro tutti gli elementi di cui disponevo, provando a raggiungere in varie direzioni i miei confini e provando anche ad andare oltre”.

Nel 1998 c’erano altissime aspettative dietro questo secondo disco di Neffa, che sarebbe sbagliato definire solista visto che la copertina riporta a caratteri cubitali “feat. Deda & Al Castellana”. Il sodalizio con Deda era già bello che consolidato, mentre la scelta della voce ricade su Al Castellana, che con il suo timbro soul era stato rifiutato da diverse etichette per il suo suono “troppo americano”. Un organico così ristretto fa strano rispetto al nutrito panorama di nomi leggendari presenti su Neffa e i Messaggeri, ma il Giovanni Pellino del ’98 ci spiega anche questo: “Durante il tour scorso ho sofferto molto il fatto che non avessimo moltissimi pezzi, perché avevo il disco con troppi ospiti, tant’è vero che con molto dispiacere ho dovuto lasciare alcune persone fuori da questo disco; più che altro non volevo che si ricreasse questa situazione per cui, senza ospiti, io non potessi portare il mio disco in giro. Quindi sono andato da Deda, dicendogli chiaramente di voler fare un disco improntato maggiormente sul nostro asse”. Alcuni nostalgici di SxM e di Messaggeri della Dopa però storcono il naso, e non solo perché la tracklist di 107 Elementi manca di personaggi e posse track di rispetto, ma anche per un’altra ragione: in questo disco si è di molto attutito lo slang.

SxM e Messaggeri della Dopa infatti avevano messo sottosopra il panorama underground per l’uso smodato e incredibilmente on point di termini slang totalmente inventati, ma pescati dalla vita quotidiana della crew. In un documentario sul freestyle, Neffa racconta un aneddoto assurdo su com’era nato l’iconico qui chi c’è. “Quando ancora c’erano Isola Posse All Star era uscito The chronic di Dre, e un pezzo iniziava: ‘Chiggie check / Microphone, check one / Chiggie check / Microphone, check two’. Noi lo sentivamo dalla mattina alla sera. Un giorno eravamo a Mesagne, siamo andati al ristorante, c’era una sedia vuota, arriva sto cameriere e con la stessa intonazione di Dre fa: ‘qui chi c’è?’ E noi ci siamo alzati io, Deda e Gopher e gli abbiamo fatto “’Microphone check one” al cameriere, che ci ha guardati come per dire: questi non stanno bene”. Il chico pisco, il qui chi c’è, la balotta e tutto quel lessico iconico che aveva caratterizzato lo stile di Neffa praticamente si rarefanno insieme alle intenzioni del disco. A differenza del lavoro precedente, infatti, Neffa sa di essere ascoltato da una platea ampia, ha già dimostrato quello che c’era da dimostrare: 107 Elementi è il passo coraggioso in avanti di chi sceglie di non percorrere la strada già battuta per piacere al pubblico consolidato.

Se si eccettua l’EP Chico Pisco del 1999, molti hanno definito 107 Elementi come “il canto del cigno” del vecchio Neffa. Eppure, qui ci sentiamo di dire che non siamo totalmente d’accordo. Dalle sue stesse parole, in diverse occasioni e in diverse fasi della sua carriera, si evince la noncuranza di Pellino nei confronti dell’opinione del pubblico nell’atto della composizione musicale. Chi conosce il Neffa rapper e producer degli anni ’90 conosce anche le enormi critiche nate a posteriori, che lo vogliono “venduto” al sistema pop. La verità è che critiche simili non sono mai state nuove a Neffa, che già nel 1996 era stato coperto di improperi per aver portato Aspettando il sole in TV in un programma ad alto tasso mainstream come Buona Domenica, allora condotto da Fiorello.

Oggi, a 25 anni da un frammento miliare della storia del rap italiano come 107 Elementi, non possiamo che limitarci a riascoltarlo, celebrarlo e ricordarci che in fondo un artista è sempre un essere umano con le sue fragilità e il suo percorso di crescita, e come tale ha il sacrosanto diritto di evolversi, mutare e cambiare idea. Fin quando saremo liberə di riascoltare all’infinito la parte della sua produzione che più amiamo e che ha cresciuto un’intera generazione, le polemiche stanno davvero a zero.

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7 sample per ricordare Ahmad Jamal

Alessia Sciotto — Tue, 18 Apr 2023 12:01:11 +0000

Se pensiamo al jazz, Miles Davis potrebbe essere il primo musicista a venirci in mente. Tutto ciò ha perfettamente senso: del resto siamo in molti a pensare che Miles abbia fatto da ponte tra il jazz vecchia scuola e un pubblico più mainstream. Ma se sei una persona curiosa e hai letto la sua celebre autobiografia, probabilmente saprai che, nonostante il suo egocentrismo, Miles non ha mai negato l’enorme influenza di tre musicisti sul suo modo di concepire la musica: tra questi Charlie Parker, Dizzy Gillespie e Ahmad Jamal.

Abbiamo imparato a guardare i sample da mille prospettive diverse, li abbiamo scovati da tutte le parti: nelle conversazioni dei cartoni animati, nelle colonne sonore dei film, nelle musiche per videogiochi. Ma, come ha detto Robert Glasper in un interessante video sul sampling: “Se sei un producer hip hop che vuole una componente melodica importante, molto probabilmente la prima cosa che penserai di campionare è il jazz. Con Ahmad Jamal non devi fare nemmeno troppo chopping, perché la sua musica è già folle di suo”.

Non è un caso che uno dei nostri primissimi reel sample (ormai quasi due anni fa:’) fosse proprio dedicato alla figura di Ahmad Jamal, visto che se pensi a uno dei tuoi brani hip hop preferiti della vita, è vagamente possibile che quello campioni un pezzo del grande pianista di Pittsburgh. Come nelle migliori storie americane, nessuno avrebbe mai detto che il figlio di un operaio di acciaieria e di una collaboratrice domestica a 14 sarebbe stato definito da Art Tatum un “astro nascente”, astro che avrebbe scritto non solo la storia del jazz, ma anche dell’hip hop, come dimostrato dall’entusiasmo di Pete Rock nel recuperare il floppy disk con il sample originale di The World Is Yours di Nas.

La maniera in cui Ahmad Jamal, al secolo Frederick Russell Jones, ha cambiato la forma del jazz ha molto a che fare con il suo temperamento come persona. Che tu faccia parte dello showbiz della musica del diavolo o che abbia visto almeno una volta un suo concerto, on screen o di presenza, saprai che Jamal è noto per il suo temperamento rilassato, riflessivo ed estremamente umile. Così come Yussef Lateef, Idris Muhammad, Muhammad Ali e Abdullah Ibn Buhaina [aka Art Blakey], Jamal aveva cambiato il suo nome cristiano con un nome islamico dopo essersi convertito all’Islam prima dei suoi 20 anni. Ed è la pace ottenuta da questa conversione, chiaramente leggibile nel suo stile pianistico, che ha permesso al suo leggerissimo tocco di innovare la concezione del jazz per come era stato conosciuto fino agli anni 50.

Se il bebop di Dizzy e Bird aveva stregato tutti con virtuosismi, montagne russe melodiche e pieni impeccabili, Ahmad Jamal (così come Thelonious Monk) in punta di piedi aveva fatto del silenzio e dei vuoti tra le note un elemento imprescindibile della sua poetica, conferendo alla performance quella leggerezza e quella pulizia che avrebbero contraddistinto la storia del jazz celebre ai più, ossia il jazz modale di John Coltrane, Bill Evans e Miles Davis.

Proprio Miles Davis nella sua autobiografia cita Ahmad Jamal come una delle sue più grandi influenze, dicendo: “Ero andato a sentirlo una volta […] e mi avevano colpito il suo concetto di spazio, la sua leggerezza di tocco, il modo in cui metteva assieme le note, il suo understatement, gli accordi e i vari passaggi. […] Amavo veramente il suo lirismo al pianoforte, il modo in cui suonava e il modo in cui creava spazi nella voce di insieme del gruppo. […] Quando la gente dice che Jamal mi aveva influenzato molto, ha ragione”.

Per comprendere la concezione di spazio di Ahmad Jamal, basta contare il numero di note da lui suonato nel suo brano più essenziale e al contempo più famoso, Poinciana.

Verso la fine di questa bellissima performance, c’è l’inciso di un’intervista in cui Jamal si esprime sul concetto di temporaneità.

“È il palco. Io devo scendere, tu devi scendere. Tutti devono scendere dal palco prima o poi. Non puoi restare lì per sempre. E quindi, mentre sei lì, devi divertirti. […] Tutti noi siamo solo degli ospiti qui. Nessuno resta per sempre. Ma quando hai un buono spirito e una buona vita, è lo spirito che rimane. Se lo spirito è buono, la vita continua anche se la persona scompare. È la vita. C’esta la vie“.

Come sempre per noi il sampling è un’occasione per celebrare chi ha scritto la storia dei brani che ci fanno battere il cuore. Oggi, a pochi giorni dalla sua scomparsa, celebriamo Ahmad Jamal con 7 dei nostri pezzi preferiti che campionano la sua immensa discografia.

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2 anni di “Actual Life”, il diario collettivo di Fred Again..

Alessia Sciotto — Tue, 11 Apr 2023 10:07:09 +0000

Durante uno dei capitoli più fragili della nostra storia che cadeva nel 2020, Fred Gibson, che in quel momento si trovava ad affrontare una violenta tempesta personale oltre che quella globale, si è chiesto: cosa può farmi stare meglio in tutto questo dolore? Se c’è una cosa che la pandemia ci ha insegnato è vedere lo straordinario in tutto quello che fino a quel momento avevamo giudicato come semplice, quotidiano e banale.

È così che due anni fa Fred Again.., dopo una breve ma brillante carriera da dietro le quinte, si avventura in modo frontale e onesto nel suo primo progetto solista, in cui tra voci care e sconosciute incontrate in casa, per strada o scrollando passivamente sul web, pubblica il primo capitolo di un folle diario collettivo dal titolo Actual Life (April 14 – December 17 2020).

Come spesso accade con il campionamento, Fred parte da un sample per costruire un’intera traccia che segua il mood di quel campione. Ma la particolarità della sua tecnica non sta tanto nelle scelte compositive, quanto nella selezione e nel patchwork di sample utilizzati. Le voci scelte per comporre ‘Actual Life’ sono voci iper realistiche, sincere e oneste. Sono voci di persone colte nell’atto onesto di raccontare la propria storia, il proprio dolore. Sono voci di persone che danno il nome ad ogni traccia e che Fred ha collezionato da ogni parte del mondo e del web, da vocali registrati per caso durante una notte brava a video incontrati per caso scrollando su Instagram, come nel caso di una delle tracce più amate di questo disco, ovvero Kyle (i found you). “Io e Kyle non ci siamo mai incontrati, abbiamo chattato un paio di volte ma non ci siamo mai visti di presenza”, ha raccontato ai microfoni di KEXP. “Sai com’è quando scrolli su Instagram, no? Scrollavo pagine mediocri, poi altre, poi altre e improvvisamente mi sono ritrovato lì, a guardare il video di questa open mic night e ad ascoltare la sua incredibile voce”.

In diverse interviste Fred Again.. ha raccontato quanto casuale sia stato l’incontro con i sample per questo disco. “Li ho accumulati nel tempo in modo casuale. Li ho raccolti in una piccola cartella sul mio cellulare chiamata ‘Actual Life’. E poi probabilmente alcuni in particolare mi sono saltati all’occhio in base a ciò che stava succedendo nella mia vita in quel momento”, ha raccontato in un track-by-track per KEXP. Per natura, dunque, ogni frammento di questa composizione assume la connotazione di un dono etereo e fragile, di un regalo intimo e sincero di chi parla. In mezzo alle voci degli estranei, sono gli interludes con la voce di Fred che fungono da cucitrice, quasi a riportare l’ascoltatore dal sogno lucido delle sensazioni alla pragmaticità del diario: “ho usato gli interludes come degli appunti, perché volevo che [il disco] non suonasse come un concept album o come una collezione di pensieri astratti, bensì come un diario”.

Da che mondo è mondo e da che l’arte è arte, cucire insieme le sensazioni individuali più intime in un quadro universale è un mestiere difficile, e Fred Again.. lo ha esperito sulla sua pelle quando è arrivato il momento di manipolare le voci campionate delle persone per incastrarle dentro la sezione ritmica di un brano, mantenendone al tempo stesso l’integrità emozionale. Sabrina (i am a party) sembra essere il caso più emblematico: “Quello è stato il sample che mi ha fatto dire ‘oddio, questo è veramente sacrilego’. Mentre pitchavo la sua voce mi sentivo come se stessi incasinando l’anima di qualcuno, sporcando quella purezza, e sudavo all’idea di rovinare quella cosa”.

In questo quadro così complesso, Fred non si limita a dirigere il coro del mondo. A metà del disco e alla fine, è lui stesso a prendere la parola e a raccontare il suo inferno, l’inferno di chi si è innamorato perdutamente di una persona che, dopo poco tempo si è ammalata gravemente. Me (heavy) è una straziante conversazione / monologo a distanza, svolto in parte al telefono con la partner e in parte con il cosmo, un flusso di forza e di stanchezza in cui Fred si trova a cantare in prima persona: “Nulla in cui mi ero imbattuto fino a quel momento diceva ciò che avrei voluto dire, per cui mi sono ritrovato a cantare io stesso con grande imbarazzo”. L’epilogo di questa storia si legge nell’ultimo brano prima dell’outro, Angie (i’ve been lost), che è accompagnato da un videoclip in cui in un testo in sovraimpressione Fred Again.. si racconta in modo onesto e trasparente, quasi come fosse in una chat con chi sta guardando e ascoltando.

Un diario segreto per antonomasia è qualcosa che teniamo per noi. Un luogo privato, dove liberarsi di gioie e dolori, ansie e soddisfazioni, domande e risposte. È il luogo in cui gli eventi banali del quotidiano diventano grandi temi, in cui il sentirci incompresi diventa un abbraccio a noi stessi, in cui tutti gli interrogativi nebulosi della nostra mente prendono forma davanti ai nostri occhi.

Per quanto universale, la trilogia Actual Life di Fred Again.. riflette tutte queste caratteristiche: è un luogo del suono sicuro, accogliente, in cui ci sentiamo strettə un abbraccio collettivo. Lo ascoltiamo e d’improvviso non siamo più da solə.

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“CMIYGL: The Estate Sale” di Tyler, The Creator traccia per traccia

Alessia Sciotto — Tue, 04 Apr 2023 12:09:32 +0000

Tyler, The Creator ha deciso: se dovete ascoltare degli inediti, lo farete a modo mio. Come avevamo già raccontato qualche tempo fa, infatti, dall’uscita di Call Me If You Get Lost nel 2021 l’internet assetato era impazzito per leakare degli estratti di session inedite. In effetti sono venute fuori delle chicche estremamente interessanti, ma quasi sempre delle session improvvisate di qualche secondo, mai delle tracce complete.

Questi leaks da CMIYGL hanno saziato la nostra fame di altro materiale firmato Tyler Baudelaire, eppure è stato come tentare di completare un puzzle con dei pezzi ritagliati a mano dagli hacker fan di Tyler. I pezzi veri, quelli importanti, gli unici che avrebbero potuto davvero completare il quadro, erano proprio nella tasca dell’elegante giacca tweed di Tyler, che con 8 tracce inedite e la nuova edizione di CMIYGL chiamata appunto The Estate Sale ha definitivamente chiuso a chiave ogni stagione passata e ogni personaggio che da Wolf Haley a Tyler Baudelaire si è ritrovato a interpretare. Il tutto, come sempre, a modo suo.

Tra le cose più strane (ma forse neanche troppo, considerate le infinite speculazioni che ogni atto di Tyler si trova ad affrontare) è la quantità di back stories che Flower Boy ha fornito sui social subito dopo l’uscita della deluxe: foto di backstage, racconti, sensazioni e opinioni per ogni singola traccia inedita. In modo quasi ossessivo, Tyler ha fornito una quantità di informazioni incredibile per ogni brano, quasi per dimostrare che nessun leak potrà mai raccontare l’infinito spettro di aneddoti che stanno dietro al processo creativo di un artista così prolifico come lui. Tutto questo, forse perché ognuno di questi pezzi in un modo o nell’altro riapre uno spiraglio sul passato di Tyler, attraverso le lyrics, le prod, o le collaborazioni.

Insomma, più che perderci in chiacchiere, ci buttiamo subito in quello che sappiamo fare meglio: speculare su tutto il materiale audio e video che Tyler ci ha fornito in e insieme a questi 8 pezzi: sfoglia per rivoltare sotto sopra con noi Call Me If You Get Lost – The Estate Sale traccia per traccia.

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Le donne producer esistono e dobbiamo parlarne (ancora)

Alessia Sciotto — Tue, 28 Mar 2023 10:25:33 +0000

Qualche tempo fa avevamo dedicato uno spazio alle voci femminili del rap UK. La domanda di apertura era: davvero è ancora necessario scrivere di “scena femminile”? Dopo due anni la risposta (purtroppo) non è cambiata, soprattutto se proviamo a parlare di donne che stanno dietro la consolle.

Il gioco è semplice: prova a nominare on the spot 5 nomi di producer uomini, di qualsiasi genere musicale. Adesso prova a nominarne 5 di donne nello stesso brevissimo tempo. Non sentirti in colpa se il risultato è deludente, purtroppo lo sappiamo già. Ovviamente, già dopo queste poche righe questo discorso si prepone di essere incompleto, perché rimediare con un articolo a decenni di collateralizzazione sarebbe impossibile. Eppure vogliamo comunque gettare un semino e tentare un attimo di tamponare questo torrente in piena dedicando uno spazio salvo alle donne producer che non solo hanno prodotto le proprie tracce, ma che spesso hanno prodotto tracce anche di altrx artistx. Molte di queste artiste le conosci già, ma probabilmente non sai che molte di loro sono state vicino al campionatore non solo di spalle per cantare, o di fronte per dirigere, ma anche dietro per manipolare, lavorare e creare da zero alcune delle nostre tracce preferite.

Partiamo da un assunto che sembrerà banale, ma è giusto puntualizzare: cosa fa un/una producer? Se non si considerano le eccessive settorializzazioni della parola “produttore/produttrice” nella lingua italiana, in inglese la parola producer indica la persona che, in senso lato, guida la direzione artistica dell’esecuzione, influenzando il tenore della performance in studio con i propri suggerimenti, il proprio gusto e la propria sensibilità. In questo caso, la quantità di artiste da citare è davvero infinita, ma proveremo a farne una selezione. Il primo nome in assoluto da fare è sicuramente quello di Solange. Con la sua visione spaziale, architettonica, geometrica e organica del suono, Solange ha guidato la produzione di due degli album più belli degli ultimi anni, dirigendo a mani tese un team d’eccezione fatto di grandi musicisti tra cui Sampha, Chassol, Raphael Saadiq, Devonté Hynes e Earl Sweatshirt. Dai pochi minuti di girato dietro le quinte che abbiamo delle sessioni di A Seat At The Table, il processo creativo di Solange risulta nel modo più naturale e no-filter possibile.

Le artiste per le quali questo tipo di contributo è stato ed è tuttora imprescindibile sono veramente innumerevoli, e percorrono il corso della storia, da Kate Bush a Missy Elliott, passando per Esperanza Spalding e finendo (da un certo punto della sua carriera in poi) a Beyoncé. Tra i nomi più freschi non possiamo non citare Caroline Polachek che con il suo ultimo disco Desire, I Want to Turn Into You, racconta pesantezza e leggerezza pre e post pandemia in un lavoro estremamente personale, in cui risulta producer in tutte e 12 le tracce. Sul suo account Twitter qualche tempo fa, la stessa Caroline aveva pubblicato un video in cui dirigeva i bambini del Trinity College di London per la parte corale del magico brano di chiusura del disco, Billions.

recording the @TrinityBoysChoi in Croydon, London – November 2020 pic.twitter.com/7QoQeq1MM7

— Caroline Polachek (@carolineplz) February 18, 2022

In tutto questo discorso, però, forse la parte che ci interessa di più è quella delle producer che non solo si occupano di direzione artistica (che rimane comunque una parte fondamentale per l’identità di un lavoro discografico), ma che si occupano anche di realizzare materialmente i brani attraverso strumentazione elettronica: insomma, coloro che mettono le mani su campionatori, drum machines, software, ecc. Questa asserzione, dal gusto quasi voyeurista, è purtroppo reale e concreta, perché siamo troppo abituatx a vedere spingere i pulsanti dei pad quasi solo ed esclusivamente a uomini, ed è questo che rende l’idea di una figura femminile producer così lontana, curiosa ed “esotica” nell’accezione più colonialista e negativa del termine. La bella sorpresa è che le producer di cui stiamo per parlare non sono personaggi sconosciuti, anzi: siamo sicurx che le conosci tutte.

Partiamo dai giochi più semplici: Rosalìa non solo è forse la producer più conosciuta al mondo, ma è una tra coloro che ci tengono a ribadire continuamente l’importanza di mettersi davanti alla telecamera e mostrare al mondo che una donna può essere una producer, perché un esempio positivo in questo senso è ancora fortemente necessario. La nostra Motomami aveva infatti mostrato il suo processo creativo su TikTok e sul suo profilo alternativo @holamotomami (che vi avevamo raccontato qui), dimostrando quanto sforzo e allo stesso tempo quante gioie comportasse essere la producer dei propri brani.

Meno di un mese fa Rosalìa ha vinto il premio inaugurale di Billboard come Producer of the Year. Nel suo discorso di accettazione ha detto: “il lavoro di una producer si fa nell’ombra, non è molto divertente… sono 15 ore al giorno per lavorare su un singolo suono. È un lavoro che viene da amore e ossessione ed è per quello che stai chiusa in una stanza minuscola senza finestre cercando il suono perfetto per uno snare mentre gli altri vivono la propria vita. […] Ma in generale nessuno sa mai cosa fa cosa, e questo [premio] vuol dire tanto per me, perché io creo la mia musica, produco la mia musica e scrivo la mia musica. Voglio dedicare questo premio a tutte le donne che diventeranno delle producer, perché non sono la prima e sicuramente non sarò neanche l’ultima”.

Se non ti viene in mente davvero nessun altro nome, potremmo andare avanti all’infinito: PinkPantheress, ad esempio, produce le proprie tracce da sola immersa nella nebbia inglese. È una grande appassionata di sampling e lavora spesso con campioni derivati dalla scena UK garage anni ‘90/’00 (come ha fatto nella sua mega-hit Pain), e poco tempo fa ne ha parlato seduta su un bel divanetto per Rolling Stone con un certo Kaytranada, il quale ha manifestato una grande ammirazione nei confronti del suo stile di produzione e ha collaborato con lei in Do You Miss Me?

La lista è ancora lunga: mancano ancora Bjork, TOKiMONSTA, Keyiaa, Liv.e, Yaeji, Park Hye Jin, Peggy Gou e troppi altri nomi, e noi abbiamo già terminato lo spazio a disposizione. Se ci resta un’ultima riga però è per ricordare che anche la scena italiana pullula di producer donne incredibili, tra cui BLUEM, LNDFK e Joan Thiele per citarne giusto alcune che ci fanno volare.

Vogliamo chiudere questo spazio come lo abbiamo aperto l’ultima volta in occasione del discorso sulle voci UK del rap femminile: se ancora negli anni Venti del 2000 tutti i generi che non siano quello maschile di default sono considerato inferiori in competenze, professionalità e merito, è quanto mai necessario dedicare loro uno spazio salvo in cui l’attenzione si focalizzi sul valore e sulla tecnica, soprattutto in una pratica fortemente polarizzata come quella del producing.

L'articolo Le donne producer esistono e dobbiamo parlarne (ancora) proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

5 sample per ricordare Bobby Caldwell

Alessia Sciotto — Tue, 21 Mar 2023 10:00:31 +0000

La settimana scorsa, alla notizia della scomparsa di Bobby Caldwell, la comunità musicale tutta si stringeva in un caloroso abbraccio comunitario. Perché il suo brano più famoso non solo è stata la colonna sonora di moltissime storie d’amore americane, ma ha anche segnato in modo irreversibile la cultura hip hop degli anni ‘90. Questo morbido brano si chiama What You Won’t Do For Love e usciva nel 1978.

Come forse tutte le cose migliori, questa semplice ma preziosissima perla nasce da un problema: Caldwell ha appena finito di registrare il suo primo disco eponimo, ma i produttori gli dicono che non sentono nessun brano di spicco tra quelli da lui registrati (nonostante nella percezione dello stesso Bob la traccia My Flame fosse già una hit). E così, dopo la fatica di ben 8 tracce, Bob Caldwell si chiude di nuovo in studio e in due giorni scrive What You Won’t Do For Love, che a pochi giorni dall’uscita scalerà le classifiche americane alla velocità della luce.

Il successo non sorprende poi così tanto: del resto la TK, ossia la casa discografica con cui Caldwell si trova a uscire con quel primo disco, vanta un pubblico prevalentemente afroamericano, affine alla sonorità R&B / Funk che il disco calca alla perfezione. Tuttavia c’è un piccolo dettaglio: nessuno sa che Bob Caldwell è bianco. I produttori, infatti, hanno fatto di tutto per evitare che questa notizia trapelasse per paura che il pubblico potesse valutare il prodotto come un “fake”: per questa ragione, per la copertina del disco, si decide di fotografare Caldwell in controluce seduto su una panchina con un enorme sole alle spalle.

In realtà questa bizzarra scelta della label può essere considerata un’anomalia, visto che la questione dei cantanti bianchi che cantavano il soul nel 1978 non era di certo una novità. Quasi 15 anni prima, infatti, i Righteous Brothers di Unchained Melody (la canzone “Oh, my love…” di Ghost, per intenderci) avevano già sorpreso un vasto pubblico quando, guardando la copertina, al posto di un cantante della Stax, ci si vedeva presentare questi due damerini pettinati all’indietro in stile rockabilly.

Un giorno un DJ di Philadelphia, per annunciare il brano nella sua black radio, usava la frase “Here’s my blue-eyed soul brothers”, quasi a voler mettere le mani avanti. Da allora in poi, quella branca del soul che derivava la propria identità dal sound di Stax, Motown e altre etichette dai roster prevalentemente afroamericani, ma vedeva protagonisti cantanti bianchi come Tom Jones, Chris Clark e Dusty Springfield, diventerà nota proprio come Blue-Eyed Soul.

Di questa corrente Bob Caldwell è stato uno dei maggiori esponenti, nonché uno dei più amati. Lo dimostra la reazione alla notizia della sua scomparsa dei nostri musicisti preferiti, i quali hanno riempito i nostri feed di messaggi pieni d’amore e di stima nei confronti di questo adorato eppure così umile personaggio. In un post su Instagram, Questlove ha raccontato di quando aveva sentito per la prima volta la bozza del beat di Dilla per The Light di Common. Il brano campionava Open Your Eyes di Caldwell, ma quella prod gli non piace particolarmente, dice a Common che è troppo “normale”, non sente quel marchio alla Dilla. Il beat è troppo dritto, mancano le batterie storte, i pattern scomposti. Eppure è già troppo tardi: Common ha già scritto su quel beat, e il pezzo diventerà uno dei più amati del suo disco Like Water For Chocolate del 2000. L’anno successivo arriva a Questlove la voce che Bob Caldwell ama moltissimo il pezzo, e che spera di incontrare presto lui e il resto dei Soulquarians. Purtroppo quell’incontro non è mai avvenuto, ma questo episodio resta a memoria del fatto che, per il suo tempo, Caldwell è tra gli artisti che hanno avuto l’approccio più sano, costruttivo e visionario al fatto che altri musicisti impiegassero la sua musica per crearne della nuova. Altra testimonianza è il DM che lo stesso Bob mandava a Chance The Rapper poco tempo fa in merito al fatto che il rapper di Chicago volesse utilizzare un suo sample in un brano che ad oggi non è ancora uscito. Alla domanda di Chance “wow, ma sei davvero tu?” Bob risponde: “Sì, sono io. Grazie per aver pensato a me. Sarei onorato se campionassi la mia canzone“.

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Raccontare la storia di un musicista così gentile e tanto amato è un dovere non solo per celebrarlo, ma anche per dare i giusti meriti a chi, come Bob Caldwell, ha da subito intuito il potenziale positivo e la risonanza fondamentale che l’uso di un campione può fare e capito che, se usato con i giusti criteri, il sampling ti dà e non ti toglie.

Sfoglia e ripercorri con noi la carriera di Bob Caldwell attraverso i 5 sample più conosciuti e campionati dalla sua discografia.

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Un tuffo nelle produzioni di To Pimp A Butterfly di Kendrick Lamar

Alessia Sciotto — Wed, 15 Mar 2023 11:07:47 +0000

Se scrivi Kendrick Lamar To Pimp A Butterfly sulla barra di ricerca di Google, nella sezione “Altre persone vogliono sapere” leggerai le domande: “Why is To Pimp A Butterfly so important? Is To Pimp A Butterfly a masterpiece?”

La nostra risposta è assolutamente sì, e le ragioni non sono né fandom, né cieca adorazione. A suo tempo, avevamo già fatto un breakdown della tracklist e raccontato, brano per brano, come questo disco abbia marcato una milestone indelebile per la storica battaglia all’emancipazione sociale della comunità afro-americana. Dal giorno in cui per la prima volta, sullo scaffale del nostro negozio di dischi preferito o sulle nostre librerie digitai, abbiamo visto una foto in bianco e nero della family di Kendrick atterrare un giudice e festeggiare tra gold chains, bottiglie e banconote davanti alla Casa Bianca, To Pimp A Butterfly ha attraversato 8 anni di storia (e anche scrivendola, visto che Alright è diventata uno dei main anthems del movimento Black Lives Matter) mantenendo la promessa dell’impatto che K-Dot si prometteva di avere all’origine del progetto: “using my celebrity for good and show the brightness of life”.

Rispetto al precedente Good Kid, M.A.A.D City e al successivo DAMN., TPAB ha qualcosa di diverso. Certo, a chi non abbia mai letto i testi di questi tre mattoni potrebbe sfuggire una maggiore universalità dei temi, ma non è un problema. Perché anche l’orecchio più distratto potrà spalancarsi per quanto differenti, articolate e sfaccettate risultano le produzioni di questo capolavoro rispetto ad altri dello stesso genere.

Oggi cerchiamo di capire il perché di tutto questo e festeggiamo gli 8 anni di To Pimp A Butterfly tuffandoci di testa nell’immenso letto di produzioni che hanno accolto la storia del terzo album di Kendrick Lamar.

GLI STRUMENTI

La natura analogica e strumentale è forse la componente forse più evidente e distintiva di TPAB. Il disco vede la partecipazione dei nomi più altisonanti della scena jazz-funk-soul di Los Angeles già dal primo brano, Wesley’s Theory, dove compare il nome di Terrace Martin, che in questo disco suona tromba, sassofoni, tastiere e vocoder, oltre ad essere menzionato come producer praticamente nella metà dei brani del disco, e di Thundercat al basso e alle produzioni. Quest’ultimo era stato presentato all’entourage di Kendrick da Flying Lotus, dopo che i due avevano assistito alla performance di Kendrick all’interno del Yeezus Tour di Kanye West nel 2013. Come raccontato da Sounwave in un’intervista a XXL, la prima impressione sul personaggio di Bruner è di straniamento: “Abbiamo pensato: davvero dobbiamo portarci questo tipo in studio? E poi, una volta in studio, era tipo il più grande genio musicale del mondo. Conoscevamo già i suoi lavori del passato, ma vederlo live è stato tipo: tu stai con noi”.

L’intero album top-to-bottom è permeato di quel feel reale, non quantizzato, groovy, quello che solo dei musicisti in carne e ossa possono dare. Ma la traccia più emblematica in questo senso non può che essere For Free? Interlude, dove l’immenso Robert Glasper, a differenza di altre tracce a cui prende parte come Complexion (A Zulu Love), mette da parte la sua cifra stilistica più neo-soul e torna alle origini dei suoi primissimi e più puri album, come Canvas del 2005. Una surreale session fast-jazz che mai ci saremmo aspettati in un disco superficialmente definito “hip hop”, rinforzata dalla presenza di Robert “Sput” Searight, batterista degli Snarky Puppy.

Altra presenza gigante del gruppo è il sassofonista Kamasi Washinghton. Cresciuto insieme a Thundercat e a suo fratello Ronald Bruner (con i quali aveva registrato un album jazz dal titolo Young Jazz Giants nel 2004), Kamasi segnerà definitivamente la propria carriera con la partecipazione a TPAB, che gli permetterà di uscire dal buio e salire finalmente all’onore delle critiche, oltre che a pubblicare con Brainfeeder The Epic, il suo primo vero album solista.

LE VOCI

Le voci sono una componente chiave in questo terzo disco di Kendrick per il modo in cui sono arrangiate, che ricorda quasi quello di un coro greco che reagisce agli eventi lungo tutta la narrazione. Lo stesso Kendrick usa una serie di voci sempre diverse:

– the “lord of rings voice” – alta e pitchata (es: Institutionalized, For Sale? Interlude)

– the “drunk” voice – distorta e fuori controllo (es: u)

– the “yelled” voice – graffiata e rabbiosa (King Kunta, Alright, Hood Politics)

Oltre al lavoro della voce principale, voci topiche del disco sono quella di Anna Wise, che aveva già lavorato con Kendrick in Good Kid, M.A.A.D City, e quella di Bilal, che firma anche alcuni dei ritornelli più speciali come Institutionalized e These Walls. Il resto dei credits, poi, nasconde dei nomi surreali: oltre al già menzionato Thundercat e ad alcuni featuring espliciti come George Clinton, Rhapsody, Lalah Hathaway, Snoop Dogg e Ronald Isley degli Isley Brothers, tra i fitti nomi dei backing vocals si leggono quelli di Dr. Dre, SZA, Dave Free e addirittura Pete Rock, la cui voce risuona nel background di Complexion (A Zulu Love).

I SAMPLE

Facile dictu, sono i producer a tenere le fila di questa immensa quantità di materiale vocale e strumentale, cucendola insieme, come spesso accade, attraverso l’uso di campioni. In verità la quantità di sample impiegata in questo disco sembri inferiore rispetto ad altri dischi di Kendrick Lamar, per avere un’idea dell’ordine di grandezza, WhoSampled registra lo stesso numero di sample per Good Kid, M.A.A.D City e TPAB. Il risultato finale, dunque, consiste nelle scelte dei producer che, chiamandosi Sounwave, Flying Lotus, Pharrell Williams, Knxwledge, Whoarei e Terrace Martin, non hanno alcun problema a non lanciare il chop della vita alla Kanye West, ma impiegano i campioni in modo discreto e misurato per non alterare la natura fortemente analogica del suono del disco.

Tra i pezzi con i campioni più incredibili, non possiamo non citare l’apertura di Wesley’s Theory, con l’iconico “Every n***a is a star” campionato dall’omonimo brano di Boris Gardiner, i cori di All For Myself di Sufjan Stevens cupamente manipolati in Hood Politics, e i vocal sample di Lalah Hathaway usati da Knxwledge nella produzione di Momma (originariamente pubblicata nel mixtape Anthology del 2013 con il titolo So[rt]). Lo stesso Knxwledge in una storia IG di qualche anno fa, alla domanda “Come hai saputo che il tuo beat avrebbe fatto parte di To Pimp A Butterfly?” rispondeva: “Non sono stato avvisato. Non lo sapevo né avevo sentito parlare della cosa fino a quando anche voi lo avete sentito. True story”.

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7 sample campionati nel French Touch

Alessia Sciotto — Tue, 07 Mar 2023 12:06:13 +0000

Forse non hai mai sentito parlare letteralmente di “French Touch”, e ci può anche stare. Perché non è necessario conoscere tutte le etichette del mondo per sentirci pervadere dalla nostalgia non appena sentiamo le vibes anni 2000 di Modjo, Cassius, Moloko, Spiller e Daft Punk.

Noto anche come French House o Filter House, il French Touch è quel ramo della House europea che, tra la fine degli anni ’90 e per tutti gli anni zero, ha fatto uso di innumerevoli sample raccattati a piene mani dalla cultura Disco di fine anni ’70 – inizio anni ’80. A differenza della Deep House americana, però, la House francese aveva due particolari caratteristiche: primo, un uso più melodico che ritmico dei sample, che consisteva in campioni particolarmente lunghi e groovy, con melodie e riff loopati al limite dell’alienazione; secondo, l’uso smodato di filtri (da qui il nome Filter House), non solo sul campione in sé, ma anche su tutte le eventuali aggiunte strumentali come chitarre, synth e drum machines.

A dare vita al movimento sono, in due momenti diversi, i francesi Thomas Bangalter e Guy-Manuel de Homem-Christo, coppia più comunemente nota sotto il nome di Daft Punk. Nel 1995, il primo fondava a Parigi l’etichetta Roulé e, insieme ad Alan Braxe e Benjamin Diamond, formano gli Stardust, che daranno vita a una sola unica canzone: Music Sounds Better With You. Inizialmente la gente fa fatica a digerire il brano, è qualcosa di mai sentito prima. Ma la wave fa presto a prendersi il suo spazio, e il brano vende centinaia di migliaia di copie. In un’intervista a Billboard, Diamond ha raccontato di quell’anno: “Ero in Italia e la mia canzone suonava ovunque nelle spiagge. E io pensavo: ‘nessuno conosce la mia faccia…’. Era molto strano, ma quello fu davvero un bel periodo”. Nessuno conosce Diamond perché nel videoclip del brano i tre musicisti sono mascherati da un anonimo rivestimento metallico, quasi antesignano di quello che sarebbe stato il marchio di fabbrica dei Daft Punk. Saranno proprio questi ultimi che poco tempo dopo definiranno l’identità del suono French Touch nella sua massima espressione, calcando le scene con i loro celebri caschi dichiaratamente ispirati al film di Brian De Palma Il fantasma del palcoscenico del 1974.

Nel frattempo, in un paese dell’hinterland parigino, Guy-Manuel de Homem-Christo fondava la Crydamoure, anch’essa considerata baluardo della wave French Touch dagli amanti del genere, nonostante la sua breve vita. Grazie a queste piccole realtà inizialmente indipendenti, quella che era nata come una sperimentazione innocente di matrice provinciale, diventa in men che non si dica una febbre mondiale. Come raccontato dal compianto Philippe Zdar, cofondatore dei Cassius, all’inizio degli anni 2000 “improvvisamente tutti provavano a essere i Daft Punk, o i Cassius o gli Air”. Dall’Inghilterra all’Italia, fino a chiudere il cerchio in America, la nuova House francese ha conquistato il grande pubblico e intasato le radio di tutto il mondo. Ma la cosa più interessante è che queste sonorità dalla radio non se ne sono mai andate, adattandosi in modo camaleontico sui gusti dei decenni a venire: è passato dalle sapienti mani di Phoenix, Madonna e Kylie Minogue per volare lungo gli anni ’10 attraverso l’approccio innovativo di band come Justice, Mr. Oizo e Paradis, e planare sugli anni ’20 sulle frequenze di band come Jungle, Christine and The Queens e L’Impératrice.

La House francese ha segnato la vita di tantə di noi che, al suono di certe gemme che hanno impreziosito la corona degli anni 2000, hanno almeno una volta ballato in cameretta sognandosi altro da sé stessə, magari in un’altra dimensione, in un altro spazio e in un altro tempo. Ebbene, tutte queste gemme fanno parte di una stessa corrente. E il minimo comune denominatore tra esse sono ancora una volta loro: i sample. Sfoglia ora e scoprine con noi 7 dei tanti che sono stati campionati in questo folle, nostalgico genere che è il French Touch.

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5 sample per festeggiare Tullio De Piscopo

Alessia Sciotto — Tue, 28 Feb 2023 08:47:46 +0000

Come tutte le cose, a Napoli la musica assume forme proprie. E se oggi possiamo letteralmente volare con la freschezza dei Nu Genea e di tantissimə altrə musicistə che hanno dato vita alla nuova primavera del funk napoletano, il merito è anche di una generazione di artistə che la musica americana la sentivano da bambinə giocando al porto di Napoli, dove negli anni ’50, dopo la guerra, risuonano il jazz, lo swing e il primo rock’n’roll. Quella musica si insinua nella mente di quei bambini, che diventati adulti si chiameranno Alan Sorrenti, Tony Esposito, Enzo Avitabile, Pino Daniele, Edoardo Bennato, Teresa De Sio, e la faranno esplodere in una spettacolare eruzione ancora mai eguagliata nella storia della musica italiana, il Neapolitan Power. Oggi festeggiamo un “frammento incandescente” di questa esplosione che dal fondo della scena ha scritto e sottoscritto il manifesto dell’avanguardia napoletana di quel tempo. Oggi festeggiamo il grande batterista Tullio De Piscopo.

Il 1966 è un anno di grandi eventi. Tullio De Piscopo, batterista jazz figlio d’arte cresciuto circondato dai dischi di Charlie Parker, Max Roach e Kenny Clarke, comincia a militare con la big band di Paolo Zavallone, con il quale sperimenta un’embrionale mistura tra il jazz e la scala melodica napoletana. Nello stesso anno, il cantante Mario Musella e il sassofonista James Senese, “figli della guerra” entrambi nati dall’incontro tra madri napoletane e padri soldati afroamericani, fondavano gli Showmen, che reinterpretano canzoni celebri della musica italiana vestendole delle sonorità d’oltreoceano.

I percorsi di questi personaggi scorrono paralleli e cominciano a incrociarsi negli anni ’70 quando nella band Napoli Centrale, derivata dallo scioglimento degli Showmen, arriva un bassista turnista di nome Giuseppe Daniele, detto Pino. L’incontro tra James Senese e il giovane Pino Daniele è il segno che gli astri sono allineati, e che il tempo è propizio per la nascita di qualcosa di eterno. Dopo i grandi capolavori di esordio di Pino Daniele, ossia Pino Daniele e Nero a metà (intitolato così in memoria di Mario Musella, scomparso prematuramente proprio in quegli anni), la svolta definitiva nella contaminazione funk arriva con quella che sarà forse la formazione più amata della carriera del cantautore napoletano. L’incontro tra Pino Daniele, il sax di James Senese, le tastiere di Joe Amoruso, il basso di Rino Zurzolo, le percussioni di Tony Esposito e finalmente, la batteria jazz di Tullio De Piscopo, generano l’alchimia definitiva.

Vai mo’ e Bella ‘mbriana vedono la luce. Le piazze esplodono. La storia è scritta.

Da qui il nome di Tullio De Piscopo, già solido della lista di grandissimi artisti con cui aveva collaborato nel suo periodo da jazzista milanese, comincia a insinuarsi in tantissimi capolavori pop della musica italiana, con delle parentesi soliste estremamente divertenti e apprezzate tra cui Andamento Lento e la magica Stop Bajon, scritta dallo stesso Pino Daniele e, nella versione studio, impreziosita alle trombe da Don Cherry.

Lo scorso 24 febbraio il grande Tullio De Piscopo ha festeggiato 77 anni di vita, ritmo ed energia. Oggi vogliamo ringraziarlo del suono imperituro con cui ha preparato il terreno per tutto ciò che oggi amiamo ascoltare, e vogliamo rendergli omaggio selezionando 5 tracce che campionano la sua vulcanica e inarrestabile batteria.

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Alessia Sciotto — Sun, 26 Feb 2023 13:24:22 +0000

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7 tracce inedite di Tyler, The Creator spiegate

Alessia Sciotto — Tue, 21 Feb 2023 10:08:31 +0000

Diciamoci la verità: non si possono non amare i leaks. Ascoltare tracce inedite dei nostri artisti preferiti, infatti, spesso significa avere un accesso preferenziale a una parte della loro vita il cui presupposto è rimanere privata, inaccessibile, nascosta.

Una delle vittime più recenti di questa pratica borderline è Kendrick Lamar che lo scorso gennaio ha visto spuntare online ben tre sue tracce inedite. Anche se secondo molti questi brani (“Pure“, “Computer Love” e “Make Me Happy”) sarebbero stati registrati proprio nell’era di Mr. Morale, il producer Dj Dahi è intervenuto sulla questione non solo puntualizzando che le tracce sono vecchie di 4 anni, ma anche lasciando emergere un forte disturbo nel vedere i propri lavori incompleti girare su internet e venire valutati senza consenso.

Why are y’all leaking shit from 4 years ago??? We didn’t even bounce these records out. These kdot records are strictly demos. Y’all really dying of thirst out here lol

— Dahi (@DjDahi) January 19, 2023

Un altro personaggio che non ha mai fatto mistero del suo odio nei confronti dei leaks è Tyler, The Creator. Tuttavia, oltre ad additare i fan, a suo dire troppo “assetati di roba abbozzata di 2 minuti”, già nel 2011 Tyler lamentava che qualcuno di fidato avesse diffuso una bozza di Tron Cat interna solo a Odd Future. Anche più avanti nella sua carriera, con il crescere della popolarità e delle demo trafugate, è emerso che i leaks non sempre sono diretta responsabilità di fan assetati di novità. Per esempio, nel luglio 2022 Tyler accusava direttamente due suoi ex-collaboratori, Deshay e Tyler Major di aver venduto delle demo, aggiungendo: “quella non è nient’altro che roba personale rubata”.

b deshay and tyler major selling old songs of mine is wild ha, all them discordd kids are sus especially 3D glass pacifist whatever the hell he called, copping stolen shit is like damnnnn u thirsty as hell ok

— T (@tylerthecreator) July 7, 2022

La questione degli inediti però è più spinosa di quanto si pensi e non si tratta solo di tracce che l’artista ha scartato. Spesso, ad esempio, per problemi di diritti d’autore o di sample non puliti, alcuni brani vengono lasciati solo su alcune piattaforme, altre volte si tratta di ghost tracks presenti solo su supporto fisico, altre ancora di collaborazioni iniziate e mai andate davvero in porto. Nel caso di Tyler, internet è pieno di subreddit, thread e profili TikTok di fan impazziti dedicati esclusivamente a ricostruire le vicende dietro alcuni dei suoi brani più belli che non hanno mai visto la luce.

Oggi ne apriamo qui una succursale, facendo una cernita delle info più attendibili e scegliendo una traccia rappresentativa per ogni “Tyler Era”. Quindi non indugiare oltre e sfoglia per scoprire la storia dietro 7 delle mille tracce leakate della discografia di Tyler, The Creator.

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I 7 migliori sample rock campionati nell’hip hop

Alessia Sciotto — Tue, 14 Feb 2023 10:35:30 +0000

Nel suo show From the cradle to the stage del 2021, Dave Grohl, batterista dei Nirvana e fondatore dei Foo Fighters, spiazzava Pharrell con una confessione: i più celebri stacchi di batteria presenti all’interno di una delle pietre miliari della storia del rock, e cioè Nevermind, sono tutti copiati dal sound delle disco band degli anni settanta, tra cui Gap Band, Cameo e Chic.

Una dichiarazione di questo tipo ci porta drittǝ a pensare che non ci siano confini ai limiti di quelli che per necessità definiamo come “generi” musicali. Ma il rapporto tra il rock e l’hip hop è molto meno assurdo e molto più consolidato di quanto si creda.

Se ti chiedessero a bruciapelo: “quale pensi sia il genere musicale più campionato nell’hip hop?” non avresti torto se le prime cose che ti venissero in mente fossero il jazz, il soul, il blues. Questo perché la parte melodica di un pezzo è quella che prende la maggior parte della nostra attenzione: sarebbe impossibile ignorare il campione di piano di Ahmad Jamal in The World Is Yours di Nas, o il riff di chitarra dei Boom Clap Bachelors campionato in Bitch, Don’t Kill My Vibe di Kendrick Lamar. Il rapporto intimo della doppia H con il rock, dunque, riesce più difficile da percepire perchési legge quasi sempre su un altro piano: nelle sezioni ritmiche e nelle batterie. Ma andiamo con ordine.

Il volano di questo felice nonché storico incontro tra rock e hip hop è il misterioso / mistico producer Rick Rubin che nel 1986, dopo aver fondato la Def Jam Records, produrrà due dischi chiave ai fini di questa storia: Licenced To Ill dei Beastie Boys e Raising Hell dei Run-D.M.C. Per la prima volta nell’allora ancora breve storia del genere, due gruppi rap si cimentavano in due dischi filo-rock con tanto di sample di Aerosmith e Led Zeppelin, disegnando i contorni di un sound che negli anni ’80 avrà un successo planetario, e che l’hip hop si porterà inevitabilmente dietro per molto tempo. L’intuizione di Rick Rubin è geniale: in effetti, le batterie rock richiamano in qualche modo il groove delle batterie disco, soul, funk, e come lui stesso sostiene in questa intervista, la ragione sarebbe che sia il punk rock che la disco stanno sotto il cappello della “musica della strada, fatta da persone che avevano qualcosa da dire e che non rientravano nelle categorie gerarchiche tradizionali”.

Assodata l’influenza di Rick Rubin e delle sue intuizioni geniali, però, è bene ricordare che le vie della contaminazione sono infinite e spesso gli incontri più fatali sono capitati un po’ per necessità. Ad esempio, in un documentario su J Dilla viene intervistato il padrone di “Melodies & Memories”, uno dei più grandi e famosi negozi di dischi di Detroit. Gary Koral, questo il suo nome, racconta: “J Dilla è venuto in negozio praticamente ogni giorno per anni. Stava sempre nella sezione R&B/Soul/Jazz e prendeva enormi pile di dischi tutti i giorni. […] Una volta era nella sezione Rock, lo vedo lì per terra e gli dico ‘Jay, che diavolo ci fai in questa parte del negozio?’ e lui ridendo mi risponde ‘Man, ho già guardato tutti i dischi che avete nella sezione R&B, Jazz, e ce li ho praticamente tutti”.

È forse troppo dire che senza rock non esisterebbe hip hop. Ma è un fatto dire che senza rock non esisterebbero molte delle nostre tracce preferite. Da J Dilla a Frank Ocean passando per A Tribe Called Quest e Kendrick Lamar, sfoglia per scoprire i 7 più incredibili sample rock utilizzati nell’hip hop.

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J Dilla rapper: l’altra faccia di James Yancey

Alessia Sciotto — Tue, 07 Feb 2023 11:26:53 +0000

Il mondo della musica è univocamente d’accordo su un fatto: J Dilla è il Genio musicale del nostro tempo. Chi conosce il suo nome sa che ogni suono da lui manipolato per produrre era minuzioso, intagliato, perfetto. Ma più di tutti, c’è un suono che durante la sua vita James Yancey ha usato con estrema moderazione, misura e parsimonia: quello della sua voce.

J Dilla era un personaggio notoriamente schivo, riservato, silenzioso. In questa intervista Bilal racconta: “Ogni cosa in camera sua era un oggetto da collezione: i vestiti, le scarpe, tutto nelle scatole, o ancora nelle confezioni… era davvero un precisino. Lui era preciso con la musica così come con le sue cose, era un tipo davvero meticoloso. Forse è per questo che parlava così poco, perché era molto misurato in quello che aveva da dire e in ciò che faceva”.

Su Dilla se ne sono dette e scritte così tante (non da ultimo Dilla Time, la bibbia definitiva sulla sua vita da cui Questlove è già pronto a trarre un documentario) che sembra difficile trovare un angolo inesplorato della sua arte così come della sua vita. Eppure, sebbene sia innegabile che la scienza in cui ha eccelso senza pari è quella delle produzioni, tantissimo di J Dilla possiamo impararlo dalle misurate ma non poche volte in cui ha deciso di affidare il suo messaggio alle parole anziché al campionatore.

Le lyrics di questo pezzo sono così rudi che Dilla si è sentito in dovere di precederle con un disclaimer in cui si dissocia dal suo stesso punto di vista. Fuck The Police fa parte di una compilation postuma, The Diary, composta da pezzi incisi nel 2002 che avrebbero dovuto costituire il primo album rap solista di Dilla. L’uscita di questi pezzi nel 2016 ha fatto storcere il naso ai puristi che l’hanno definita una trovata commerciale, ma considerando che i brani erano leakati già da tempo (alcuni erano addirittura usciti su vinile come singoli), ci godiamo i classic fat beats e le rime di The Diary come documento utile per capire come Dilla sia arrivato da un semplice old school interpolato ai ritmi futuristici e alle rime surreali di Ruff Draft.

In Ruff Draft, così com’era successo in The Diary e come succederà in Champion Sound, le rime di Dilla dipingono il suo alter ego più esplicito, il Dilla from the hood. Karriem Riggins racconta che Dilla era ben consapevole della differenza tra le sue due facce, tanto da chiamare il proprio alter ego con il moniker “n***a man”. Pare addirittura che, a questo proposito, lo stesso Dilla sia rimasto basito quando, all’uscita di Fan-Tas-Tic, Vol. 1, qualcuno aveva paragonato le rime degli Slum Village a quelle degli A Tribe Called Quest. Sulla questione ha commentato durante un’intervista a XXL dicendo: “Non aveva senso che la gente ci mettesse nella stessa categoria. Insomma, devi ascoltare le parole. Noi parlavamo di ‘bitches’, uno dei Native Tongues non avrebbe mai detto roba del genere. Non so come dire… non ha senso perché il pubblico che noi cercavamo di raggiungere erano le persone più vicine a noi. Io stesso giravo per Detroit con normalissima gente del posto. Mica la roba da ‘backpackers’ che la gente faceva uscire in quel periodo”. In altre parole, Dilla non vuole essere paragonato a un conscious rapper solo perché i suoi beats sono posati, morbidi e groovy.

Delle prese di posizione così rigide potrebbero sembrare surreali se pensate in bocca a Dilla per come lo abbiamo sempre conosciuto. E il disturbo è tale che ci viene voglia di rifugiarci nelle soffici sonorità della Slum Village era. Così facciamo un salto indietro nel tempo, ed eccoci al 2000, e più precisamente a Fan-Tas-Tic, Vol. 2. Nel testo di una delle gemme più preziose di questo disco eterno, Climax, Dilla dà voce a passione, desideri e sogni proibiti senza il timore che ci si aspetterebbe da un tipo timido come spesso Jay Dee è stato univocamente dipinto. Ne è la prova questa performance live, dove la verve di Dilla nello sparare a zero le sue barre è praticamente incomparabile.

Non possiamo chiudere questa breve analisi sulla voce di Dilla senza dedicare un piccolo spazio a come anche con il suo cantato egli abbia detto tanto di sé mentre svoltava la cultura incidendo i ritornelli di alcuni dei nostri pezzi preferiti. Anche qui i racconti di coloro che lo hanno sempre circondato ci vengono in soccorso per ricostruire il quadro, e stavolta è Dwele a svelare l’arcano parlando di Think Twice: “Molti pensano che sia io a cantare in quella canzone, ma io suono piano, basso e tromba. Era Dilla che cantava su quel pezzo. Dopo aver scritto la musica, è andato nel booth e quella è stata la prima volta che io abbia mai visto una persona incidere una traccia vocale e fumare nello stesso momento”.

Quando le viene chiesto qual è il pezzo preferito della discografia di suo figlio, anche Ma Dukes non ha dubbi, perché sa che il canto ha giocato un ruolo fondamentale nella formazione della sensibilità di Dilla: “Amo Think Twice, perché mi ricorda quando Jay era bambino. […] Prima dei cinque anni, i miei bambini sapevano già come cantare jazz classico, armonie a cappella e robe del genere”. Ma Dukes svela così da dove venga l’ispirazione per questo pezzo iconico della discografia di J Dilla: tra i dischi che suonavano in casa Yancey, infatti, ce n’era uno di Donald Byrd con un pezzo intitolato Think Twice, di cui il brano inciso da Dilla, Dwele e i The Roots è praticamente una cover.

Ci raccontano J Dilla come il più grande beatmaker di tutti i tempi, e forse questo ha distolto la nostra attenzione dalle innovazioni che la stessa persona è stata capace di portare anche sul piano vocale, planando con metriche, melodie e backing vocals presi dal jazz e dal soul e traslati in modo innovativo e unico nella dimensione hip hop. Non sono solo i beats di Dilla ad aver dato vita al neo-soul come lo conosciamo: sono anche lo spezzato jazz dei vocal di pezzi come Intro o Jealousy, il velluto del ritornello di Nag Champa di Common, il mantra in loop di Won’t Do o la follia di trasformare il titolo di una strumentale di Four Tet nel ritornello per un remix.

È facile misurare la sregolatezza di un eroe dalle sue gesta più grandi e celebri. Ma per un genio come J Dilla non basta. Oggi sono 49 anni dalla sua nascita, ma non ne basteranno 200 per saziarci del suo talento. Continueremo a cercarlo in ogni singolo suono, non tralasceremo una nota. Perché forse l’unico cliché vero di tutta questa storia è che James Yancey è davvero il Genio musicale del nostro tempo e che tutto ciò che oggi passa dalle nostre orecchie, ieri è passato prima dalle sue.

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Tre sample per conoscere Gil Scott-Heron, il padre del rap

Alessia Sciotto — Tue, 31 Jan 2023 13:45:07 +0000

È il 2023, e quest’anno festeggiamo i 50 anni dalla nascita dell’hip hop, che comunemente si fa coincidere con il celebre “back to school party” organizzato da DJ Kool Herc nel suo appartamento al 1520 di Sedgwick Avenue, nel Bronx nel 1973. A fronte di questa convenzione, necessaria come per ogni culto religioso che si rispetti, ne esistono altre mille che vogliono l’hip hop figlio dell’incontro di congiunzioni astrali diverse. Eppure, non si può parlare di teorie sulla nascita dell’hip hop, e in particolare di quella tecnica vocale che ormai chiamiamo rap, senza nominare uno degli interpreti, scrittori, poeti e attivisti che più hanno influito sulla definizione di questo genere e dell’immaginario che gli ruota attorno.

Viceversa, non si può parlare di Gil Scott-Heron senza riconoscerlo come uno dei padri fondatori del rap per come lo conosciamo oggi. Il suo approccio allo spoken word e al freestyle, infatti, insieme alla connotazione sempre impegnata sul piano socio-politico dei suoi testi, lo hanno portato al fianco dei suoi idoli The Last Poets, a Muhammad Ali e a bluesman d’annata come Joe Hill Louis, e a essere accolto insieme a loro nell’olimpo di quelli che, per puro caso o per spiccata visionarietà, hanno fatto il “rap” prima del rap.

Per raccontare questa storia però vogliamo partire dalla fine. L’ultimo disco di Gil Scott-Heron, infatti, dal titolo I’m New Here, uscito nel 2010, è forse il più rappresentativo dell’intera discografia del poeta di Chicago. Non perché sia il più importante, ma perché è il disco che più di ogni altro incarna la consapevolezza artistica, l’eclettismo e la continua necessità di Heron di stare al passo con il tempo che scorre e con il mondo che cambia. I’m New Here è un come-back-album uscito dopo 16 anni di assenza dalle scene a seguito di diversi problemi con la salute, con la giustizia e con le dipendenze. In totale contrapposizione con lo storico funk-soul che lo aveva contraddistinto, Gil Scott-Heron saluta il pubblico con un album electro-folk introspettivo, malinconico e visionario, che negli anni successivi verrà rilavorato in due incredibili versioni reprise a opera di Jamie XX e Makaya McCraven.

“No matter how far wrong you’ve gone, you can always turn around”, afferma Heron nella title track del disco. Non è mai troppo tardi per ricordarci chi eravamo. Non è mai troppo tardi per imparare dai nostri errori.

Ma per quanto di nobili intenzioni, tentare di raccontare un poeta con giri di parole è sempre un atto sciatto e inadeguato. Per questo, ci accingiamo a ripercorrere la storia di Gil Scott-Heron attraversando tre sample che i nostri artisti preferiti ha fatto propri tenendo così viva, in una nuova forma, la memoria di una delle figure più influenti che la storia dell’hip hop e della black music abbiano mai conosciuto.

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Storia di alcuni dei sample più utilizzati di sempre

Alessia Sciotto — Tue, 24 Jan 2023 13:10:16 +0000

Siamo fortunatə a vivere in un’epoca in cui il sampling è diventato una disciplina riconosciuta a tutti gli effetti: si pratica, si studia e si analizza come una scienza esatta. Abbiamo imparato a leggere i credits, a farci le domande giuste sulla pasta di un determinato suono, a storcere il naso quando su WhoSampled non riusciamo a trovare da dove venga un campione che ci ha fattə innamorare.

Eppure, grazie all’adorazione e (perché no) all’ossessione della cultura popolare per il sampling degli ultimi anni, alcuni musicisti fino a oggi ignoti hanno finalmente ottenuto il riconoscimento che meritavano. Grazie al lavoro dei nostri producer preferiti, molti artisti, album, o brani crollati nel baratro del dimenticatoio hanno ripreso luce e oggi brillano nelle nostre playlist e risuonano ancora nelle nostre orecchie.

Oggi ci siamo chiesti quali siano i brani che più hanno beneficiato di questo processo di rinascita e rinnovamento, e siamo statə accoltə da due sorprese interessanti: la prima è che i sample più utilizzati sono quasi sempre dei drumbreaks o dei props vocali super groovy, sicuramente più semplici da utilizzare rispetto a melodie e sezioni strumentali. La seconda invece è che nella maggior parte dei casi, come frontman o come producer, in un modo o nell’altro sul podio leggiamo quasi sempre il nome di James Brown.

La cosa ci sorprende? Forse no, ma secondo noi è comunque il caso di scavare più a fondo in questo e altri dettagli di questa faccenda. Per questo abbiamo raccolto qui alcuni storie, miti e leggende sui sample più utilizzati di sempre.

L'articolo Storia di alcuni dei sample più utilizzati di sempre proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Luce, stile ed eternità: breve storia di Aaliyah

Alessia Sciotto — Tue, 17 Jan 2023 11:52:51 +0000

In 3 minuti e 35 secondi può succedere di tutto. Una giornata dritta può trasformarsi in una giornata storta. Una frase di troppo può demolire una certezza. Può nascere una stella e può crollare un aeroplano.

In 3 minuti e 35 secondi, a soli 14 anni Aaliyah si presentava al mondo con Throw Your Hands Up, prima traccia (se si eccettua la intro) del suo primo disco.

Eppure non basteranno 3 minuti e 35 secondi per farci una ragione di come Aaliyah, che ieri avrebbe compiuto 44 anni, nel brevissimo periodo che ha trascorso nella dimensione terrena sia riuscita a solcare un’intera generazione rimanendo un modello imperituro non solo della vocalità R&B, ma anche dello stile e della street culture USA degli anni ’90.

Una nuova luce sulla scena R&B

È il 1995. Aaliyah ha 12 anni e suo zio, marito di Gladys Knight e fondatore della Blackground Records, le presenta un noto autore e produttore discografico conosciuto come R. Kelly. Il padre di I Believe I Can Fly, da qualche anno tristemente risalito agli onori della cronaca, prende Aaliyah sotto la sua ala protettrice e non passano nemmeno tre anni dal loro incontro che la giovanissima stella esordisce con il suo primo, incredibile disco Age Ain’t Nothing But a Number. In quell’occasione R. Kelly progetta e cuce un album incredibilmente innovativo sulla la voce eterea e vellutata di Aaliyah, che si scontra con delle produzioni a cavallo tra l’Hip Hop, l’R&B e il New Jack Swing, gettando uno dei primi tasselli di un nuovo sound modellato contemporaneamente anche da altre artiste come Janet Jackson, Mary J. Blige, TLC e Tony Braxton, un sound che superava l’immagine tipicamente soul della voce delle donne afroamericane per spingersi oltre.

Ma sarà l’uscita da Blackground Records nel 1996 e l’avvento di due producer iconici a suggellare definitivamente l’identità di Aaliyah per come la conosciamo oggi: Missy Elliott e un allora sconosciuto Timbaland la porteranno infatti alla pubblicazione del suo secondo album, One In A Million, scolpendo per lei un’identità ritmica essenziale e spaziata che arriverà fino al suo terzo e ultimo album, e che a distanza di 27 anni assaporiamo con freschezza ad occhi chiusi come se fosse appena nata. Questa nuova patina metallica, futuristica e ipergalattica è quella che contraddistinguerà anche tutti i visual che accompagnano i singoli pezzi, proiettati in un 2000 dinamico e meccanizzato che paradossalmente veniva continuamente reimmaginato nonostante stesse già accadendo.

Icona di stile oltre la moda

Alla fine degli anni ‘80 molte artiste afroamericane avevano già cominciato a stabilire dei nuovi canoni di sensualità. Eppure, tra quelle che abbiamo già citato, nessuna ha puntato sul branding tanto quanto Aaliyah: dopo una prima fase con Karl Kani, infatti, Aaliyah diventa la musa di Tommy Hilfiger per la linea Tommy Jeans. Non è un caso che uno degli outfit più iconici da lei più indossati segnerà definitivamente l’estetica hip hop anni ’90 diventando uno dei più apprezzati e replicati.

La divagazione è dietro l’angolo, ma l’elemento che fa tornare tutto è una citazione di Drake che, nel dichiarare il suo amore incondizionato e mai nascosto per “Baby Girl” (così veniva chiamata affettuosamente dietro le quinte della industry) diceva: “Quando scelsi di cominciare a mixare il rap con il canto […] avevo già un’identità come rapper, ma avevo bisogno di una reference per la voce cantata. Non volevo suonare troppo come un “uomo”, e ho trovato conforto nella musica di Aaliyah […] e nel suo modo di emozionare mantenendo sempre alta la credibility. Da Aaliyah ho preso la mia tendenza a scrivere testi che non fossero mai troppo ‘gender specific’, ma che fossero sempre più complessi”. Seppur discutibili, queste parole di Drake segnano un prima e un dopo Aaliyah: prima di Aaliyah molte voci R&B soliste erano confinate in melodie struggenti, melismi incontrollati, voce rotta. Dopo Aaliyah anche nell’R&B la fine di una storia d’amore può essere raccontata da melodie pulite, semplici e sussurrate.

Una guida per l’eternità

Spesso affiancata a Left-Eye Lopes delle TLC per il tragico destino che le ha accomunate, la fama di Aaliyah è coronata dalle innumerevoli volte in cui il suo nome è stato omaggiato nei testi dei nostri artisti preferiti. Kendrick Lamar che in Section80 le dedicava un intero hook in Blow My High.

Ma a parte le citazioni letterali che ritroviamo nelle lyrics di tutti i rapper più influenti del 2000, da Jay-Z a Lil Wayne, passando per J Cole e il già citato Drake, l’influenza stilistica di Aaliyah ha qualcosa di etereo e impalpabile, che è possibile percepire tra le righe solo attraverso dei paragoni espliciti. Ascoltando la celeberrima intro di At Your Best, ad esempio, non riesce difficile sentire riecheggiare familiare il falsetto di Solange in pezzi come Beltway e Dreams. O ancora, qualche anno fa su Twitter un fan chiedeva a Tyler, The Creator quale fosse la sua canzone di Aaliyah preferita. Lui rispondeva: “STREET THING! THE ENDING IS SO AWESOME! ‘You can climb the highest mountain’“. Facciamo play e il volo al sound corny R&B di WUSYANAME è praticamente immediato.

"@jnaeiscool: @fucktyler favorite Aaliyah song?" STREET THING! THE ENDING IS SO AWESOME. " you can climb the highest mountain"

— T (@tylerthecreator) April 18, 2015

In 3 minuti e 35 secondi può succedere di tutto. Una giornata storta può trasformarsi in una giornata perfetta. Una frase di troppo può costruire una certezza. Può crollare un aeroplano e può nascere una stella. E oggi celebrare Aaliyah e il tratto breve ma definitivo da lei tracciato sulla cultura ci serve a ricordare ancora una volta quanto il tempo sia relativo.

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Abbiamo imparato qualcosa da Kanye West nel 2022?

Alessia Sciotto — Tue, 20 Dec 2022 14:26:49 +0000

La fine dell’anno è a un soffio da noi, e guardando agli ultimi 12 mesi del panorama musicale sono tantissimi gli highlights da segnare a calendario: Mr Morale & The Big Steppers, Rihanna e Rocky, la rinascita della wave House, il ritorno di NxWorries, l’esplosione di Steve Lacy e chissà quanta altra roba. Per questa ragione, in mezzo a tutta questa bellezza, vogliamo prenderci un momento per una riflessione e chiederci se abbiamo effettivamente imparato qualcosa dalle ombre di una delle vicende più shady dell’anno, ossia quello che potremmo definire il Kanye-gate.

Cos’hanno in comune Filippo Tommaso Marinetti, Dennis Rodman e Kanye West? Semplice: tutti condividono lo stesso denominatore, ossia l’annosa ed eterna questione della scissione tra “l’artista” e “il personaggio”. In nessuno dei tre casi l’uno esiste senza l’altro, eppure Ye ci ha quasi abituatə a pensare che le due facce della sua medaglia coincidessero. Fin quando le manifestazioni del personaggio hanno riguardato l’interruzione del discorso di Taylor Swift ai VMAs del 2009, il cambio repentino della tracklist di The Life Of Pablo, lo slittamento eterno dell’uscita di Donda, o le rotture con GAP e Adidas, ci abbiamo quasi riso sopra scuotendo la testa e pensando “questo è proprio da Kanye”. Tuttavia, quando le uscite hanno cominciato a virare verso temi più delicati, a partire dallo schieramento con Trump, passando dalle minacce (più o meno) velate a Pete Davidson fino ad arrivare alle ultime recentissime dichiarazioni di matrice antisemita, ignorare il personaggio e gustare il Kanye artista come prima è diventato inevitabilmente più difficile.

A questo proposito, in occasione dell’uscita informale dell’ultima traccia dell’ex Louis Vuitton Don, Someday We’ll All Be Free, TikTok si è riempito di video di fan travagliatə, in shock e con la bava alla bocca per la qualità sempre impeccabile delle produzioni, ma dubbiosə e incredulə nel doversi trattenere dal godere la traccia al 100% perché incapaci di ascoltare in pace senza che le controverse dichiarazioni di Ye risuonassero nel loro retro-cranio. I video, oggi quasi tutti rimossi dalla piattaforma, si accompagnavano generalmente con la caption “Imagine dropping one of the hardest songs of 2022 after ruining your career”.

Nel revival nostalgico di un sound da “chop-up-the-soul-Kanye”, in Someday We’ll All Be Free Ye ha campionato ad arte un brano omonimo di Donny Hathaway del 1973. E alla luce dei recenti trascorsi di Kanye, risulta curioso rileggere le parole dell’autore del testo di questa perla soul, Edward Howard, che ha raccontato di aver scritto questo brano proprio nel periodo in cui a Donny Hathaway veniva diagnosticata una schizofrenia paranoica con cui avrebbe convissuto fino alla sua tragica scomparsa. “Mentre scrivevo questo brano pensavo a Donny, perché Donny era una persona molto problematica. A un certo punto ho sperato che potesse riuscire a liberarsi da tutto ciò che stava passando. Non c’era altro che potessi fare se non scrivere qualcosa che potesse dargli speranza”.

È difficile immaginare come il peso della fama e dei riflettori, così spesso accusato da Kanye nei suoi testi come insostenibile, possa amplificare le tendenze più estreme di un artista che, non dimentichiamolo, è prima di tutto una persona. Ma allora cosa abbiamo imparato dalla baraonda che ha travolto Kanye in questo 2022? Possiamo davvero perdonare qualunque cosa agli artisti e alle artiste che tanto ci hanno dato e tanto ci hanno aiutato a superare i nostri momenti più difficili? È difficile dare una risposta netta, ma forse, come in molte cose del mondo, anche in questa questione la giusta misura sta nel mezzo. E se l’adorazione cieca, automatica e incondizionata lascia il posto a un’adorazione critica, informata e consapevole, forse potremo passare un’altra di queste ultime serate del 2022 ad ascoltare Donda no-skip e andare a dormire senza farci divorare dai sensi di colpa.

L'articolo Abbiamo imparato qualcosa da Kanye West nel 2022? proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Alessia Sciotto — Fri, 16 Dec 2022 06:31:21 +0000

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No Thank You: Little Simz rifiuta il compromesso

Alessia Sciotto — Tue, 13 Dec 2022 11:24:18 +0000

A poco più di un anno dall’acclamato Sometimes I Might Be Introvert, Little Simz ritorna a gamba tesa. Ha l’urgenza di parlare e di farlo adesso. Gli ultimi mesi sono stati concitati, e sono in molti a voler sapere cosa sia realmente successo. All’assalto di domande a cui è stata sottoposta Little Simz risponde con 10 tracce nuove di zecca e tre semplici parole: NO THANK YOU.

Lo scorso ottobre Little Simz saliva sul palco del Mercury Prize a ritirare l’agognato premio per il quale era stata nominata anche nel 2019 con Grey Area e che quest’anno è finalmente finito tra le sue mani per l’incredibile SIMBI del 2021. Tuttavia, nei festeggiamenti si nota un grande assente nell’entourage di Simbiatu Ajikawo: manca il suo manager storico, Rob Swerdlow, che l’ha seguita durante tutta l’ascesa della sua carriera per ben sette anni di fila. Il Daily Mail ha raccontato che Simbi avrebbe mollato il suo manager giusto qualche settimana prima della cerimonia del Mercury, durante la quale non lo ha ringraziato, né ha mai menzionato il suo nome.

Nessuna delle due parti ha rilasciato alcuna dichiarazione sull’accaduto, ma possiamo ben dire che con NO THANK YOU Little Simz abbia definitivamente rotto il silenzio su questa storia. Con il suo quinto disco, Simz sembra abbandonare definitivamente la sua etichetta indipendente AGE 101 per passare sotto Forever Living Originals, l’etichetta del collettivo SAULT. Ne consegue che le sonorità curate dalla stessa rodatissima squadra SAULT (Cleo Soul agli arrangiamenti e alle melodie e il compagno Inflo alle produzioni) sigillano definitivamente il sound Little Simz. Ma se la scrittura musicale fa suonare NO THANK YOU quasi come uno spin off di SIMBI per affinità di idee ritmiche, atmosfera e flow, il filo conduttore tematico questa volta ci trascina da tutt’altra parte.

Contratti, master, ownership, sono i termini che più costellano le 10 tracce, costruendo assurdi ossimori con parole come loyalty, trust, freedom. Simbi non si nasconde dietro un dito e pianta il coltello sulla vittima già dalla prima traccia, Angel.

Why did I give you the keys to authorise shit on my behalf? | Now I’m scarred and mortified | What did I expect from those livin’ the corporate life? […] Revoke access, I’m runnin’ it back, yes | Missin’ opportunities, I wish I was that pressed | Yeah, I say that shit with my damn chest | You need me and you feel the loss of my absence.

Dopo un breve respiro groovy con Gorilla, si ritorna a scaricare con quattro tracce di fila in cui non manca mai un riferimento ai “tradimento” subiti da quella che per un’artista dovrebbe essere la persona più affidabile. In particolare, No Merci (che, neanche a dirlo, gioca tra “No Mercy” e il francese per “No Grazie“), Simz fa una considerazione che accende una piccola luce sul motivo per il quale all’inizio dell’anno aveva “posticipato”, poi cancellato, il tour SIMBI in Nord America. Simbi dice: They want you rushin’ life decisions over a three-course meal | Next thing you know, you’re doin’ three tours | You ain’t in the studio with me, but want commission | And if I wanna release my art, I need permission.

Non è difficile ipotizzare che Rob Swerdlow abbia giocato un ruolo chiave nella mancata realizzazione di questo sogno americano, forse forzando la mano in un momento in cui Simz non era mentalmente pronta. Su Broken, infatti, arriva la seconda parte della storia, in cui dopo essersi aperta sulla sua salute mentale e sulle conseguenze della fama, Simbi attacca: Sky gave you limits you had no choice but to accept | Forced into work to contribute to the profit of Britain | They won’t take the weight off you when you can’t manage the load | Like they’re just waitin’ to hear a fucking crack in your bones.

Nelle ultime tre tracce, i riferimenti a Swerdlow spariscono, e improvvisamente Little Simz si trova da sola ad affrontare la quiete dopo la tempesta, e a fare i conti con le conseguenze della sua scelta e con le domande di chi vuole a tutti i costi entrare in una storia che solo chi ha vissuto potrà mai capire. Who even cares? They say anything, I’m not scared, dichiara in Who Even Cares. E poi arriva Control, una dichiarazione d’amore eterea, acustica, onesta, quasi come se dopo tutto il caos, Simbi avesse finalmente trovato la pace per confrontarsi con la parte più intima di sé.

Con NO THANK YOU Little Simz rifiuta il compromesso, si riprende la sua vita, la sua libertà e tutto ciò che le appartiene. E se spesso ci riesce facile pensare che la carriera di un’artista sia sempre e solo piena di cose favolose, con questo quinto lavoro Simbi ha spostato il sipario e ci ha fatto vedere che le cose della vita possono essere incredibili in tanti modi diversi, ma che anche e soprattutto dai momenti oscuri possiamo rinascere liberə.

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Najlepsze Giełdy Zakładów Sportowych Porównanie I Rankin

Alessia Sciotto — Sat, 10 Dec 2022 09:52:20 +0000

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Jeśli aktywnie obstawiasz różne sporty, in order to od czasu do czasu administracja klubu” “gier będzie oferowała ci możliwość postawienia za darmo. Zakłady na żywo Vulkan Bet to zakłady na mecze w różnych dyscyplinach sportowych, które odbywają się w chwili gry bezpośrednio. Przewagą zakładów em żywo Vulkanbet nad zakładami przed rozpoczęciem meczu jest możliwość śledzenia przebiegu gry i dokonywania dokładniejszych decyzji w trakcie meczu.

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Alessia Sciotto — Sun, 04 Dec 2022 17:48:25 +0000

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Pierwsza liczba oznacza to, ile razy bukmacher uważa, że dany wynik się nie pojawi, a druga wręcz przeciwnie, czyli ile razy taki wynik może się pojawić.
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KICK: i cinque perché della pentalogia di Arca

Alessia Sciotto — Tue, 29 Nov 2022 11:56:56 +0000

Esattamente un anno fa Arca tornava dopo più di un anno di silenzio a sconvolgere la scena avant-pop con il secondo capitolo di una tragedia cibernetica in cinque atti: KICK.

Dopo aver calcato la scena con lo pseudonimo di Nuuro, l’approccio sonoro di Alejandra Ghersi Rodriguez aveva già avuto una sferzata significativa dopo la scelta di passare sotto il moniker Arca. L’omonimo album del 2017 suggeriva l’avvicinarsi di un punto di rottura definitivo con il passato: per la prima volta vediamo una sua foto in copertina, per la prima volta la tracklist è completamente in spagnolo, per la prima volta l’intenzione dei pezzi protende alla melodia più che alla pura texture elettronica.

Ma è all’arrivo di KiCk i, in piena pandemia nell’aprile 2020, che tutte le congetture su una nuova Arca prendono forma. Le collaborazioni con artiste internazionali del calibro di Björk, Rosalía, Shygirl e SOPHIE, insieme a nuove contaminazioni Pop, Hip Hop e Reggaeton reinterpretate in chiave spaziale e iper-futuristica, hanno fatto sobbalzare i fan della prima ora, alcuni dei quali hanno accusato l’artista venezuelana di aver compromesso la purezza dei suoi primi lavori.

Ma se è vero com’è vero che rimanere autoreferenziale e fedele a sé stessə spesso può portare un*artista verso il baratro del non ritorno, di fatto la nuova era che KICK ha aperto per Arca va celebrata come esempio e come monito. Perché mettersi in discussione è sempre linfa vitale di innovazione e rinascita.

Per questo in occasione del primo anniversario di KICK ii vogliamo ripercorrere questo enorme corpo d’opera in cinque atti cercando di capirlo a 360°: sfoglia per scoprire i cinque principali “perché” della pentalogia KICK di Arca.

L'articolo KICK: i cinque perché della pentalogia di Arca proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Iga Świątek Anna Kalinskaja: Typy, Kursy We Zakłady Bukmacherskie Dubaj Wta 23 02 2024

Alessia Sciotto — Mon, 28 Nov 2022 19:25:51 +0000

Iga Świątek Anna Kalinskaja: Typy, Kursy We Zakłady Bukmacherskie Dubaj Wta 23 02 2024″

Ksw Epic: Typy, Kursy I Zakłady Bukmacherskie 24 02 2024

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Obstawianie meczów sportowych keineswegs jest łatwym zadaniem, ale gwarantuje zwiększone emocje podczas oglądania wybranych wydarzeń. Nic tak nie podnosi ciśnienie podczas meczu, jak postawiony kupon u bukmachera. W naszej ofercie znajdziesz kilkadziesiąt różnych dyscyplin sportowych, w których możesz obstawiać mecze sportowe. Jak już wspomnieliśmy wśród bukmacherów można wyszczególnić dwa rodzaje. Pierwsza grupa to bukmacherzy oferujący zakłady bukmacherskie watts stacjonarnych punktach. Do takiego bukmachera można wówczas wybrać się osobiście, odwiedzając jeden z naziemnych punktów.

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Jak Skutecznie Obstawiać Zakłady Bukmacherskie Watts Ekstraklasie?

Aby utworzyć depozyt na Vulkan Bet, musisz podać prawidłowe dane swojego konta – bankowego albo elektronicznego. Bukmacher dokładnie sprawdza prawdziwość podanych informacji. W razie trudności bukmacher dostarcza Gościom wsparcie techniczne. Im bardziej zawodnik rozumie dyscyplinę sportową, tym większe mother szanse. Po otwarciu, na przykład, zakładki z meczem Lig Mistrzów będziesz potrzebować co najmniej pięciu minut, aby po prostu przejrzeć wszystkie” “dostępne opcje zakładów.

Jeśli aktywnie obstawiasz różne sporty, to od czasu do czasu administracja klubu gier będzie oferowała ci możliwość postawienia za darmo.
Można tam obstawiać między innymi zakłady dotyczące podwójnej szansy w całym spotkaniu, ale również watts połączeniu z innymi opcjami z oferty, jak chociażby liczba zdobytych bramek.
Bukmacherzy premiują w 10 sposób nowych użytkowników, którzy założą konto.
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Powstała ona w celu zwalczania szarej strefy w polskiej branży hazardowej. Ministerstwo Finansów w oparciu u ustawę wydaje zezwolenia na przyjmowanie habgier, dzięki czemu gracz może w pełni legalnie i bezpiecznie grać u podmiotów, które takowe zezwolenia posiadają. W ustawie zapisane są również kary za udział w nielegalnych zakładach wzajemnych czy odmiennych grach hazardowych. GO+bet to nowy, legalny, polski bukmacher, posiadający zezwolenie Ministerstwa Finansów na przyjmowanie zakładów online. Prowadzi swoją działalność internetową z kwietnia 2022 roku.

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Jedynie osoby pełnoletnie są uprawnione do obstawiania zakładów wzajemnych w Polsce. Obstawianie zakładów wzajemnych jest ryzykowne, a good uzależnienie od hazardu to ciężka choroba wymagająca długiego leczenia. W Polsce zgodne z prawem jest zawieranie zakładów sportowych jedynie za pośrednictwem legalnych bukmacherów. Jak pokazuje praktyka, udane zakłady sportowe t Vulkanbet mogą obstawiać nie tylko doświadczeni gracze, ale także początkujący. Wszak nie chodzi tutaj um ilość postawionych środków, ale o wiedzę” “gracza. Na przykład t konfrontacjach między drużynami piłkarskimi ważne jest, aby zrozumieć skład ekip, przyjrzeć się historii ich turniejów i wiedzieć, watts jakiej formie fizycznej są zawodnicy.

Jest to konieczne, aby bukmacher miał pewność co perform przejrzystych intencji członków swojego klubu.
W klatce zobaczymy wielu wyśmienitych fighterów, którzy zmierzą się w różnych formułach, takich jak boks czy walka grapplingowa.
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W sekcji piłkarskiej często pojawia się nawet kilkaset różnych propozycji do typowania w jednym meczu. Trudno znaleźć inne dyscypliny sportowe, które miałyby aż tak dużo propozycji dostępnych t ofercie zakładów sportowych. Gdzie zatem zawierać zakłady sportowe, żeby nie narazić się na gniew polskich organów podatkowych? Lista legalnych bukmacherów jest publikowana na stronie internetowej Ministerstwa Finansów. Każdy bukmacher unces licencją również publikuje informacje w jakim zakresie posiada licencję.

Jak Postawić Zakład Watts Betters?

Pamiętaj, że jesteśmy legalnym bukmacherem, więc nie grożą Ci żadne konsekwencje prawne, lecz musisz mieć ukończone 18 lat. Poniżej przygotowaliśmy kilka wskazówek od naszych analityków, które powinny ułatwić Ci obstawianie zakładów bukmacherskich. Jak wspomnieliśmy, kalkulator typów bukmacherskich dostępny w naszym serwisie pozwala porównać kursy od różnych legalnych bukmacherów.

Oczywiście w przypadku wygranego zakładu nie można od razu” “wypłacić pieniędzy.
Poniżej znajduje się lista legalnych bukmacherów spełniających wysokie kryteria, o których zaświadcza nasz portal.
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Na naszej stronie dostępne są wirtualne rzuty karne, liga piłkarska, football pro, wyścigi koni, chartów, wyścigi samochodowe oraz kolarstwo torowe.

Nie powinieneś się bać, twoje dane nie wpadną watts ręce oszustów, light beer jest to konieczne tylko do potwierdzenia wieku gracza i actually zgodności szczegółów płatności w Vulkanbet. Po wysłaniu formularza natychmiast otrzymasz e-mail z . klubu Vulkanbet z . linkiem. Wszędzie circumstance profesjonalnych buków, znajdziecie informacje jak zaobserwować u siebie pierwsze symptomy uzależnienia z grania. Nigdy nie und nimmer inwestujcie zasobów ekonomicznych, dzięki którym możecie opłacić podstawowe potrzeby. Lepiej przegrać mniej i nie musieć się martwić o jutro, niż przeżyć silne emocje we wpaść w duże” “kłopoty. Na tym oczywiście nasza oferta się nie kończy, a w zasadzie dopiero zaczyna.

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GOLF le FLEUR*: storia di un soffio di vento firmato Tyler, The Creator

Alessia Sciotto — Wed, 23 Nov 2022 13:32:01 +0000

A 19 anni Tyler Okonma esce per la prima volta da Los Angeles per raggiungere la costa opposta, e più precisamente New York. Appena mette piede sul suolo della Grande Mela realizza una cosa: non ha mai sentito così freddo in vita sua.

Così gli amici che lo ospitavano: “Guarda che non basta mica un North Face per vivere l’inverno di NYC! Devi comprarti una giacca VERA”. Tyler non ha mai sentito parlare di piuma d’oca, di tessuti tecnici, e di tutto quel ventaglio di dettagli su texture e materiali che sta dietro alla progettazione di un capo. Insomma, per la prima volta si rende conto che, così come la moda non è semplice abbigliamento, neanche l’abbigliamento può essere solo moda.

“Viaggiare mi ha aperto gli occhi”, raccontava l’anno scorso a Fast Company. E non è un caso che Call Me If You Get Lost, concept album completamente dedicato al viaggio, alla scoperta, alla perdizione e al movimento, sia stato il trampolino di lancio per uno dei passi più importanti della carriera di Tyler: dopo 5 anni, nel dicembre 2021, GOLF le FLEUR* si stacca definitivamente da GOLF WANG e diventa finalmente un brand indipendente.

L’avventura le FLEUR* cominciava nel 2016, quando all’interno del primo fashion show di GOLF a Los Angeles, Tyler spoilerava la sua prima collaborazione con Converse. Nonostante i prodotti non fossero ancora disponibili nemmeno per il preorder, Tyler ha regalato a ognuno dei presenti allo show un paio di scarpe, consegnando un foglietto su cui esprimere la preferenza di misura e colore.

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Da allora fino al 2021 la linea del tempo di GOLF le FLEUR* è caratterizzata da una serie di collab esplosive con brand del calibro di Lacoste, Schott e persino il brand di gelati Jeni’s, sempre con in background la linea GOLF le FLEUR* x Converse rimasta imperitura fino all’ultimo drop delle GLF 2.0 di qualche mese fa.

Nonostante tutte le collab vadano a gonfie vele, già dal 2019 Tyler comincia a pensare per le FLEUR* un approccio diverso. Così comincia a parlarne con le persone che stima, tra cui Dev Hynes e Solange, che lo incoraggiano nel dare forma alla sua nuova visione del brand. Ma sarà uno il contatto chiave che rappresenterà la svolta di GOLF le FLEUR, che passerà dall’essere un side brand ad acquisire un’identità propria: quello con Virgil Abloh.

“Quando gli ho detto ‘hey, ho questa idea per le FLEUR* ma non so esattamente cosa sia, so solo che voglio fare pantaloni così, maglie così, …’ lui subito: ‘ok, cosa ti serve? Dammi una settimana’. Mi ha messo in contatto con persone in Italia, e-mail, chiamate, facetime per presentarmi gente che non avevo mai visto”, ha raccontato Tyler il giorno dell’inaugurazione del primo flagship store GOLF le FLEUR*. “Questo era il giorno in cui avrei voluto guardarlo negli occhi e dirgli: hey Virgil, oggi finalmente posso mostrarti tutto ciò che mi hai aiutato a mettere in piedi, tutto ciò che hai fatto per me. Volevo davvero che lui lo guardasse solo perché dicesse ‘FIRE’. E avrei voluto dirgli ‘no, tu non capisci. GRAZIE, davvero’”.

Proprio quella del primo flagship store, piazzato su una collina appena fuori da Malibu, è forse l’immagine più evocativa del nuovo linguaggio GOLF le FLEUR*: la struttura organica e l’intero set up dello store sono state interamente progettate da Tyler su una delle sue segretissime Moleskine, che ha mostrato sempre nella stessa intervista con Fast Company.

Rivolgendosi a un target completamente diverso da quello di GOLF WANG, il nuovo approccio di GOLF le FLEUR* ruota attorno alla qualità, al tatto e a una percezione sfaccettata ed esperienziale dei colori e dei materiali. Il tutto accompagnato da una narrazione evocativa che trasporta anche chi non possa recarsi a toccare con mano i prodotti nei paesaggi più bucolici del mondo. Emblematica in questo senso la descrizione che si legge sul retro del packaging della fragranza French Waltz: “French Waltz è un sonnellino in giardino, è prendere il sole, asciugarsi di dosso la rugiada del lago. È il dolce vento floreale di giugno”.

Ed è incredibile come, in un lavoro di fino che scende fino al minimo dettaglio, non traspaia nessuno scollamento tra il Tyler eclettico che abbiamo sempre conosciuto e la nuova estetica bourgeoise del progetto, estetica interamente inglobata all’interno dei visual di Call Me If You Get Lost e delle sublimi campagne adv ispirate all’universo Wes-Andersoniano che hanno accompagnato il lancio di ogni singolo prodotto.

Forse da verə fan boys e fan girls non abbiamo una visione troppo oggettiva del fenomeno le FLEUR*.
Ma diciamoci la verità: se per un attimo abbiamo pensato “I miss the old Tyler“, la scelta di una colonna sonora italiana di Gabriele Ducros per il lancio di uno smalto e quella di intitolare una fragranza con il nome di una delle tue tracce soul preferite, ci hanno fatto capire che il vecchio Tyler è sempre lì. Sta solo crescendo, e come sempre lo sta facendo a modo suo.

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MM..Food: 18 anni del menu stellato di MF DOOM

Alessia Sciotto — Tue, 15 Nov 2022 10:06:51 +0000

Da che mondo è mondo, a ogni cultura di strada che si rispetti è legata almeno una metafora legata al cibo. Perché non c’è niente che può farti perdere la testa tanto quanto la rabbia, se non il morso della fame.

Lo sapeva bene Daniel Dumile, che dopo aver già pubblicato ben tre album nel giro di pochi mesi (Parts 1 & 2 come Viktor Vaughn, Madvillainy come Madvillain con Madlib, e Take Me To Your Leader come King Geedorah), il 16 novembre 2004 decide che è il momento di dare seguito al suo progetto più apprezzato, MF DOOM, con un secondo succulento album: MM…FOOD.

“I grew up in a multicultural town in Long Island where it was part of our experience of dealing with different cultures and different foods and different influences they brought to the country”, ha detto DOOM a chi gli ha chiesto il perché di un concept album a tema cibo.

Nonostante lui la faccia semplice, in realtà i layer da leggere nella scrittura lirica e sonora di questo capolavoro oggi maggiorenne sono innumerevoli e, con il bias della lingua, non sempre semplicissimi da leggere e capire.

Tuttavia, per figurarci la portata di questo disco bastano due brevi riflessioni.

La prima: alcuni dei beat usati in MM…FOOD sono “scarti” preziosi di altri progetti, primo fra tutti quello di One Beer, prodotta da Madlib e scartata dalla tracklist di Madvillainy. Una traccia così sacra che, con ogni probabilità, ci ha regalato Tyler, The Creator per come lo conosciamo oggi (qui ne trovi una prova, sotto ne trovi un’altra).

La seconda: a conti fatti, oggi MM…FOOD rimane effettivamente uno dei pochissimi concept album degni di questo nome nel panorama hip hop. Se si tralasciano, infatti, alcuni capolavori che ruotano intorno a “vicende” e “racconti”, il secondo piatto di MF DOOM è tra i rari casi in cui il fil rouge che attraversa la tracklist dell’album è un oggetto: il cibo. Questa unicità si fa forza degli enormi limiti derivanti dalla scelta di restringere il campo del suo vocabolario su un unico tema, limite che DOOM non ha paura di sfruttare come occasione per sguisciare agilmente tra sinonimi, assonanze e metafore degne dei più spessi mattoni di storia della letteratura.

Per tornare poi su un tema caldo fumante che abbiamo affrontato proprio qualche settimana fa, non è un caso che la traccia più streamata di DOOM su Spotify sia una che ha trovato spazio tra i suoni virali di TikTok e che esce proprio dal forno di MM…FOOD: Rapp Snitch Knishes (NB: gli knisch sono uno street food di origine ebraica). “At the time I wrote the song, I think I was with one of my boys and we stopped and got knishes that day. It’s just something that resonated with me. It’s a funny sounding word too. Knish. Words that rhyme with knish… any aspect of that, how it sounds, how it can match with something in society. So ‘rap snitch’ and ‘knishes’ kinda go together. So it was easy to find a title”, ha raccontato a XXL nel 2013.

Chissà se avrebbe mai immaginato che un giorno migliaia di ragazzi da tutto il mondo lo avrebbero omaggiato a ruota libera riprendendo il topico riff di chitarra campionato in questa traccia tratto da una cover di Space Oddity di David Bowie.

“Here you will find food for your body / As well as comfort for your troubled mind” recita il sample tratto da un film horror del 1942 e piazzato in apertura di Beef Rap. E non è una metafora. Perché ti basterà flippare il cd MM…LEFTOVERS, b-side di MM…FOOD contente le tracce che non ce l’hanno fatta, per leggere la ricetta del “Villanous Mac&Cheeze” firmata DOOM e capire che, come con l’hip hop, con il cibo non si scherza.

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5 momenti indimenticabili dal C2C 2022

Alessia Sciotto — Tue, 08 Nov 2022 14:00:44 +0000

Ci siamo risvegliati da poche ore da quel sogno incredibile che è stato il C2C 2022. Quattro giorni no stop di puro futurismo, concretizzatosi come in ogni edizione grazie a una selezione queer, fluida e avanguardista di artistə italianə e internazionali che coprono un ampio spettro sonoro tra avant-pop ed elettronica.

“20 Years Of” è stato il claim di questa edizione, che come raccontavamo la settimana scorsa, è stata dedicata al compimento della cifra tonda da parte di quello che una volta per esteso chiamavamo Club To Club. E noi eravamo lì a festeggiare insieme a loro, ma è stato così intenso e stimolante che ripercorrere tutto per filo e per segno ci farebbe scendere più di una lacrimuccia.

Avremmo la pelle d’oca nel ripercorrere il set degli Autechre, che hanno inaugurato lo Stone Island Sound Stage con un set interstellare suonato completamente al buio.

Avremmo la voce rotta nel parlare di Jamie XX e Romy che, con due set uguali e opposti, hanno fatto saltare in aria il main stage del Lingotto.

Avremmo il cuore a mille a pensare al set di Makaya McCraven e all’energia di uno dei pochi set strumentali dell’intero calendario.

Insomma, per tutte queste ragioni, nell’attesa della prossima edizione, per raccontare la magia di C2C 2022 abbiamo fatto una selezione di 5 momenti indimenticabili che hanno segnato l’esplosivo ventesimo compleanno di uno dei festival più amati della scena europea.
Li guardi nel carosello qui sotto, te li raccontiamo meglio nelle prossime pagine.

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C2C: 20 anni di avanguardia nel clubbing del passato e del futuro

Alessia Sciotto — Wed, 02 Nov 2022 09:54:38 +0000

È il 2002. Un triste e anonimo comunicato stampa del comune di Torino recita: Nella notte del prossimo venerdì 15 marzo a Torino si svolgerà il festival Club to Club, un evento musicale “dance” nel corso del quale [verranno coinvolti] tre locali della città: il Bar Bar di via Maria Vittoria, il Jammin’ ai Murazzi e il Notorious di via Stradella.

Questo triste comunicato stampa segnava l’inizio di un’avventura oggi ventennale fatta di avanguardia ed esplorazione di tutti i futuri possibili del panorama della musica elettronica italiana e internazionale.

Questo triste comunicato stampa segnava l’inizio di una nuova era firmata C2C.

È il 2015. Una mattina l’agente di Thom Yorke si sveglia e chiama Samuel dei Subsonica per dirgli: “Ho bisogno del numero di uno degli organizzatori di questo festival italiano che non conosco. Thom vuole assolutamente venire a suonare lì“.

E c’è una ragione per cui un colosso come Thom Yorke si propone di sconvolgere la line up del festival a due mesi dall’inizio. La ragione è che C2C è la manifestazione più onesta di un amore per la scoperta sonora che va oltre i grandi nomi che da due decenni popolano le sue line up. Nata come una celebrazione spontanea dell’underground torinese, nel 2002 “Club to Club” era una sorta di festival itinerante in cui “da locale a locale” un pullman e un tram portavano i clubbers in giro per i luoghi simbolo dell’avanguardia musicale della città sabauda come se fossero degli stage di un’unica enorme venue.

“Torino è una città che ha costruito il proprio percorso musicale sulle avanguardie. È una città di fabbriche, quindi non poteva permettersi i budget che magari Milano e Roma avevano” osserva Samuel dei Subsonica in questa intervista per Sky Arte. Non è un caso, dunque, che per questa edizione 2022 gli stage si nutriranno dell’energia di due luoghi simbolo della classe operaia: il quartiere Lingotto, che ospita l’iconico ex-stabilimento FIAT di Mattè-Trucco – Cartasegna – Bottino, e le Officine Grandi Riparazioni, ex complesso industriale per la manutenzione di grandi locomotive.

La macchina, il movimento, la velocità e il ritmo incalzante dell’aria torinese alimentano una line up che, oggi come ieri, immerge occhi e orecchie nella sfera di cristallo dell’avant-pop e non solo. Oltre a grandi colossi come Autechre, Arca, Jamie XX, Caribou e Romy, infatti, la parte più esaltante del programma è forse rappresentata dai nomi più freschi della scena contemporanea: dalla deep house dei Bicep all’urban rap britannico di Pa Salieu, passando per il jazz mistico di Makaya McCraven e Nala Sinephro e le vibrazioni solari della torinese-dominicana YEИDRY.

Oltre a celebrare un anniversario tondo e importante, quest’anno C2C onora la memoria di due artisti scomparsi nel 2021 che nel passato hanno calcato i palchi del festival cambiandone completamente i connotati: SOPHIE, regina dell’avant-pop che aveva preso parte all’edizione 2019, e Franco Battiato, che nel 2014 proprio al C2C aveva presentato il suo ritorno all’elettronica con il progetto Joe Patti’s Experimental Group.

Insomma, quel momento dell’anno è finalmente tornato.

E noi siamo prontə a ballare.
Siamo prontə a sudare.
Siamo prontə a riprenderci tutto.

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good kid, m.A.A.d city: breve, folle storia di un ragazzino di nome Kendrick

Alessia Sciotto — Tue, 25 Oct 2022 09:42:11 +0000

Hai 17 anni.
È notte e sei in macchina ferm* in un parcheggio con le tue persone del cuore.
State ascoltando il vostro disco preferito e state immaginando una vita avventurosa in un posto lontano da quello in cui siete nat*.
State fumando, e per caso, per errore o per qualche strana regola dell’universo prendi il blunt sbagliato.

È un attimo. Cominci a schiumare dalla bocca e tutt* vanno in panico.

Sempre lo stesso universo decide di darti la fortuna di aprire gli occhi il giorno dopo e di poterlo raccontare.

Sei Kendrick Lamar e quel fatidico giorno non solo decidi che non avresti mai più fumato (come più volte ha ribadito nei suoi testi), ma realizzi anche che in una città folle come Los Angeles, questo è uno dei modi più puliti in cui un bravo ragazzo possa perdere la vita. Da lì in poi K. Dot ha un solo obiettivo: consegnare questo e altri frame della sua adolescenza nelle mani dei ragazzi e delle ragazze di Compton e del mondo per rassicurarli che un’esistenza lontana dalla strada è possibile. Questo breve “film” il 22 ottobre ha compiuto dieci anni, e prende il nome di good kid, m.A.A.d city.

La narrazione si apre ancor prima di mettere play, con un’immagine del piccolo Kendrick in braccio allo zio sulla prima di copertina del disco. Sul tavolo un biberon accanto a una bottiglia di gin raccontano già una storia. E Ducky lo ha sempre saputo. “I got the first idea for this project on 2005. I knew it was going to be my first album. The album cover, I had that for years and I knew it was going to be my first album cover”, ha detto a ridosso dell’uscita del disco. “I’ve been planning this for years. Everything was premeditated. I knew I was going to use it and that it was the best description of what I was talking about in the album”. In realtà, in una fase iniziale, forse nemmeno lo stesso Duckworth era troppo convinto, a giudicare da questo video del 2009 in cui descrive una copertina alternativa che ricorda piuttosto quello che sarebbe diventato l’artwork per To Pimp A Butterfly.

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Il racconto in sé è molto semplice, e parte con l’avvolgimento di un nastro e una preghiera.
Ipotetici titoli di testa si stagliano su uno schermo a ogni colpo del basso.
Il film può cominciare.

Ducky ha 17 anni. È innamorato per la prima volta in vita sua. Sherane, questo il soprannome della ragazza, viene definita nel titolo “la figlia di Master Splinter”, il ratto insegnante di arti marziali delle Tartarughe Ninja, a causa della sua estrazione sociale. Eppure è un costante raggio di sole, unica luce in una strada fatta di orrori e criminalità normalizzata. Ducky balza sul van nero della madre (quello raffigurato sulla copertina che accompagna la versione deluxe del disco) e durante il tragitto verso casa di lei immagina tutto ciò che succederà di lì a poco. Basta un nulla per interrompere il sogno: Ducky la vede, la saluta, due brutti ceffi si affiancano al van.

Suona il telefono.

Sono i genitori, che in un voicemail gli intimano di tornare a casa.

Bitch Don’t Kill My Vibe è la prima di due cesure del disco in cui non è più il Ducky 17enne, ma il Kendrick del presente a prendere la parola. In questo caso, la mano divina ha voluto che la primissima demo del pezzo, che vedeva la bizzarra partecipazione di Lady Gaga, non sia mai venuta alla luce. E così possiamo concentrarci sul timbro angelico di Anna Wise che canta “I am a sinner” creando una potentissima assonanza con le parole originali del sample danese dei Boom Clap Bachelors, quando Liv Lykke dice “Flakkende øjne ser mere nul end alt”, “un occhio che trema vede più buio che altro”.

La storia continua a snodarsi tra cose che potrebbero essere successe, ma che per qualche motivo non sono mai accadute. Sia per la vita di Ducky, che si trova a rischiare la pelle e ad assistere a scene traumatiche nei momenti più insospettabili, sia per la vita del disco, che è il frutto di un lavoro di cucitura certosino per omologare delle produzioni che spesso non erano destinate a finire lì, come nel caso di Backseat Freestyle, inizialmente prodotta da Hit-boy per Ciara.

L’altra faccia della medaglia, però, è che molte cose che non sarebbero mai dovute accadere, accadono senza preavviso e contro ogni pronostico. È così che dopo un viaggio attraverso sogni e abusi, disillusione e passione, amore e dolore, una scarica di spari trancia ancora il racconto sotto gli occhi di tutti.

Sing About Me, I’m Dying Of Thirst non è solo una preghiera gonfia di simbolismo, ma è anche una delle tracce più teatrali dell’intera discografia di Kendrick.

Il primo di tre personaggi a prendere parola attraverso le rime di K. Dot è forse il più emblematico: è il fratello di Dave, l’amico di Kendrick che ha appena perso la vita. L’uomo sa che anche lui da un momento all’altro potrebbe chiudere gli occhi per sempre, e per questo ci tiene a ringraziarlo per aver dato voce a chi di voce non ne ha più.
“And if I die before your album drop I hope…”.

Il nastro della cassetta che era partita al primo secondo del disco si riavvolge alla fine di Real, penultima traccia, riprendendo quella tecnica narrativa del “put it in reverse” che tanto farà parlare al momento dell’uscita di DAMN e della sua versione deluxe.

Siamo alla fine.
L’ultimo brano, Compton, con il featuring Dr. Dre, è il secondo a non entrare direttamente nel flow della storia, ma è un pezzo del puzzle fondamentale, essendo la prima canzone che Kendrick abbia mai registrato con Dre. “I wrote the lyrics the day I met Dre. I easily got inspired, I just started writing. And that was actually the first studio session I had with Dre. That’s the last song on the album for a specific reason. That’s the first song I did with Dre, that was the start of my new life” ha detto ai microfoni di Google Play.

La fine del disco è l’inizio della sua nuova vita.

The good kid, un ragazzo di 17 anni che guarda a un futuro radioso nonostante tutto intorno a lui sia morte e terrore.

The m.A.A.d city, Los Angeles, “my Angels on Angel dust”. La ricerca di quel viaggio della mente per fuggire alla realtà che a volte, come quella sera in quella macchina, può essere quasi letale.

Non esiste niente al mondo di più semplice, rapido e improvviso che scavalcare il recinto tra questa vita e l’altra. E con questo disco, dieci anni fa, Kendrick ci ha ammonito a non smettere mai di credere che, nonostante tutto, basta un raggio di sole perché ogni minuto su questo pianeta valga la pena di essere vissuto.

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TikTok sta davvero “rovinando” la musica con lo sped up?

Alessia Sciotto — Tue, 18 Oct 2022 13:25:09 +0000

Il mese scorso Steve Lacy postava su Instagram una story dove mostrava uno screenshot di Apple Music con cui annunciava l’arrivo della versione velocizzata di Bad Habit su tutte le piattaforme di streaming: “We got that bad habit on sale. We got that sped up one for the streets too”.

Restando (non a caso) su Steve Lacy, da qualche giorno su TikTok gira un video dove si vede che, durante un concerto, il pubblico riesce a cantare solo la parte virale della stessa Bad Habit, mentre il povero Steve li incalza sulla strofa senza successo.

this is ridiculous shdjsjjsj pic.twitter.com/eec0RNEUPz

— j a d a (@jadawadas) October 17, 2022

Da qui parte la nostra riflessione di oggi: TikTok sta davvero rovinando la musica? O meglio, la tendenza a velocizzare le tracce (meglio nota come sped up) sta davvero rovinando la musica?

L’argomento è molto vasto, ma per nostra fortuna internet è già pieno di spunti interessanti sul tema che non solo indagano sull’impatto di questa tecnica sulla music industry, ma scavano nel passato per raccontare come questo espediente sonoro sia ben più vecchio di TikTok e della musica usa e getta.

Uno degli influencer più visionari di TikTok in tema produzioni e tracks oscure, @gee_derrick, nel parlare di questo argomento ci ha ricordato come già a partire dagli anni ‘70 gli spot pubblicitari alla radio fossero velocizzati per lasciare dei gap tattici da riempire con la pubblicità. L’atterraggio di nuove tecnologie nel mondo del recording, infatti, permetteva finalmente di aumentare la velocità del registrato per far passare più informazioni in meno tempo, ma senza che l’orecchio dell’autista nel traffico con l’autoradio accesa o del cuoco al ristorante con la radiolina sulla finestra riuscissero davvero a percepire questo espediente come qualcosa di fastidioso o incomprensibile.

Addirittura, di recente è emerso come alcune emittenti TV negli ultimi anni abbiano passato le vecchie puntate di serie culto come Friends o Seinfeld velocizzandole al 108% per lasciare più spazio agli spot pubblicitari. E nessuno se n’è accorto fino a quando un giorno Courteney Cox, la celebre Monica di Friends, non si è buttata sul divano per accendere la TV e, rivedendosi per caso in una puntata ha esclamato “Hey, ma quella non è la mia voce!”.

Ma cosa c’entra tutto questo con lo sped up? Beh, è presto detto: che ci piaccia o no, c’è sempre una ragione dietro ogni moda. E anche per la tendenza sped up il mantra non cambia: nuove tecnologie generano nuovi bisogni, e nuovi bisogni generano nuove tendenze.

Ad esempio, parlando dell’appeal delle tracce velocizzate dell’era avanti-Tik Tok, non possiamo non ricordarci di Through The Wire di Kanye West. Nel pieno dell’era Roc-A-Fella, infatti, Kanye schizzava ai primi posti della Billboard grazie a un campione di Chaka Khan velocizzato e conseguentemente pitchato in alto. Inutile dire che Chaka Khan, prima fan della sua stessa incredibile voce, non è stata per niente contenta di sentire il trattamento subito ai danni del suo timbro. “Mio figlio era un amico di Kanye, e lui mi disse che voleva ‘rifare’ la mia canzone “Through the fire’”, ha raccontato. “Allora gli ho chiesto ‘ma sei un cantante?’ e lui ‘nono, voglio solo usare il ritornello’. Allora ho pensato, non può fare niente di male perché in fondo userà la mia voce. Ma alla fine ha trovato un modo di rovinare tutto! [Quel trattamento] è stato un insulto. Punto”. Diversamente l’ha presa il resto del mondo, visto che proprio questa traccia nel 2005 ha portato Ye ai Grammy con una candidatura come migliore interpretazione rap solista.

Come evidenziato in un interessante approfondimento di Red Bull Music Academy su questo tema, in effetti c’è stato un tempo in cui, nei primi anni ’90, i producer non erano in grado di aumentare la velocità di un campione senza incidere sull’intonazione, come capitava a RZA quando produceva Snakes per Old Dirty Bastard, o Ice Cream per Raekwon & Ghostface Killah. Ma è proprio da questo limite tecnico che ha origine quella tendenza battezzata da Questlove come “Chipmunk Soul” (dal film animato Alvin and the Chipmunks), ossia l’utilizzo scatenato di voci soul campionate e velocizzate che, anche nel momento in cui le due manopole dell’intonazione e della velocità sono diventate indipendenti, ha continuato a scalare le vette delle classifiche e a fare impazzire la fanbase hip hop. Ne sono la prova una gran parte delle tracce rap di successo di quel periodo, tra cui Ms. Fat Booty di Mos Def, prodotta da Ayatollah, o Girls, Girls, Girls di Jay-Z, prodotta da Just Blaze.

E allora cosa succede oggi con le tracce sped up su Tik Tok? Senza andare troppo lontano, il gusto del chopped and screw o dello slowed and reverb degli scorsi anni ci ha già fatto capire come una singola traccia possa avere infiniti spettri di declinazione in relazione al pitch e alla velocità, e dunque come potenzialmente uno stesso brano possa surfare su infiniti mood. Si può dire che oggi, nel suo atterraggio su Tik Tok, il trend sped up si configuri un po’ come il lato B della tendenza slowed n reverb, perseguendo fini esattamente opposti: se lo SnR era nostalgico, riflessivo e meditativo, lo sped up non lascia spazio a malinconie e turbe di circostanza perché spinge, incalza e non richiede alcun tipo di riflessione all’ascolto. Sarà questo presupposto che ha permesso la rinascita virale di alcune tracce dimenticate come He’s Mine? Non lo sappiamo. Le uniche cose certe sono due: la prima è che presto, così come per Steve Lacy e a suo tempo come per Thundercat, il mercato discografico si adeguerà inevitabilmente a queste tendenze, e siamo curiosi di vedere come; la seconda è che nella musica, un po’ come nella vita, non c’è cosa più bella di contravvenire alle regole scritte del “buon gusto” per scoprire sensazioni che non ci saremmo mai aspettati di provare.

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Alessia Sciotto — Tue, 11 Oct 2022 04:30:06 +0000

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Jak wspomniano, wiele kanałów oferuje nagrane mecze z najlepszych mistrzostw eSportowych, umożliwiając oglądanie i studiowanie konkretnych graczy i drużyn.

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Omówione Wydarzenia I Turnieje

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W tym roku turniej odbędzie się jesienią, jak zawsze, potencjalnie eksperymentując z . nowymi formatami i actually pomysłami, nadal podnosząc pułap branży e-sportowej. Oczywiście te kursy zmieniają się w zależności od bieżących wydarzeń, opinie, więc zawsze chcesz mieć oko na liczby i upewnić się, że nie przegapisz niewiarygodnej ceny. Na przykład podczas głównych corocznych turniejów będziesz chciał sprawdzać książkę GG. BET każdego dnia, aby upewnić się, że nie pominiesz rytmu. Według opinie GG. bet paysafecard akceptuje niektóre kryptowaluty, takie grunzochse Bitcoin jako dla polskich graczy, tak i dla cudzoziemców. Jak w sytuacji prawie każdego operatora internetowego na świecie, w GG. Bet akceptowane są przelewy bankowe i przelewy za pośrednictwem karty debetowej lub kredytowej.

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W połowie 2017 roku przegłosowana została nowelizacja ustawy o sporcie. W związku z nią zmianie uległa definicja sportu, w której obecnie znajdziemy come apart o współzawodnictwie opartym na aktywności intelektualnej, nastawionym na osiągnięcie wyniku sportowego. Co prawda zmiany te nie und nimmer zrównują sportu elektronicznego z tym tradycyjnym, ale z pewnością mają one wartość symboliczną, która świadczy o coraz większym dostrzeganiu tego zjawiska. Nowe prawo daje w końcu realną możliwość stworzenia Polskiego Związku E-sportowego. E-sport to inaczej activity elektroniczny, w którym przedmiotem rywalizacji zawodników (graczy) są gry komputerowe.

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Ta unikalna funkcja umożliwia obstawiającym podejmowanie świadomych decyzji w oparciu o postęp gry na żywo. Kursy w zakładach na żywo są dynamiczne i szybko zmieniają się w odpowiedzi na toczącą się akcję. Jest to szczególnie widoczne w dynamicznych sportach, takich jak piłka nożna, gdzie zdarzenia takie jak gole,” “rzuty rożne czy czerwone kartki znacząco wpływają na szanse. Każdy sport oferuje różne opcje zakładów, od prostych zakładów typu wygrana/przegrana po bardziej złożone zakłady parlay i zakłady prop. Kiedyś znalezienie dobrej strony z zakładami e-sportowymi było prawdziwym wyzwaniem, ponieważ po prostu nie było ich zbyt wielu.

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Lonerism: 10 anni dello spirito solitario di Tame Impala

Alessia Sciotto — Wed, 05 Oct 2022 11:17:33 +0000

Che peccato che a un certo punto, quando i nostri artisti preferiti diventano famosi, pensano di non aver più bisogno di presentazioni.

Non esisterà mai una sezione bio sul sito di Kanye West o su quello di James Blake. Eppure, a differenza di ciò che vediamo oggi, in passato il sito di Tame Impala aveva una sezione About che con il senno di poi appare indispensabile per capire il progetto fino in fondo. Già agli inizi, infatti, Kevin Parker parlava di Tame Impala come di un progetto di gruppo, perché è così che voleva fosse percepito. Anche la scelta del nome allude alla presenza di un nutrito gruppo di musicisti e autori. E invece oggi siamo qui per festeggiare i 10 anni di un (quasi) one-man-show: il 5 ottobre 2012, infatti, usciva Lonerism, il secondo capitolo della storia di Tame Impala, progetto solista di Kevin Parker.

Nel 2009 sul sito di Tame Impala venivamo salutati così: “Hello. We are Tame Impala”. Anche per questo, in un’intervista a ridosso dell’uscita del primo EP, qualcuno chiedeva giustamente alla band che ha sempre accompagnato Parker nei live: “Qual è il vostro processo creativo in studio?” e il bassista Dominic Simper ridendo: “Beh questo dovresti chiederlo a Kevin!”.

Qualche anno dopo, reduce dal successo del primo disco Innerspeaker, Kevin Parker si stava dedicando alla stesura dei pezzi che avrebbero composto il secondo album dei Tame Impala. E da un’altra intervista che il magazine francese Spinning On Top gli fece durante un suo lungo soggiorno parigino, la narrativa solista torna sullo stesso filo. Parlando di Apocalypse Dreams, uno dei pochi brani di Lonerism al tempo già imbastiti, Kevin dice: “La scrittura a quattro mani non è una cosa semplice per me. Quel pezzo l’ho scritto con il batterista Jay Watson, ma il resto è andato come al solito: io a comporre in totale isolamento”.

A prescindere da interviste e dichiarazioni, è sempre la copia fisica del disco che ci racconta in breve come sono andati i fatti. I credits recitano a chiare lettere: “Composer, Cover Photo, Engineer, Instrumentation, Producer, Vocals: Kevin Parker“. Inoltre, la versione gatefold non contiene immagini della band, delle session in studio, niente di niente, se non una foto: Kevin Parker, circondato da synth, chitarra, batteria, mixer e pedaliere, e sdraiato per terra con in braccio un violin bass della Höfner, il celeberrimo basso di Paul McCartney che fa il paio perfetto con il suo timbro vocale lennoniano.

Dove si trovi quella stanza non ci è dato saperlo. Quello che sappiamo dalla bocca di Parker è che Lonerism è stato registrato in modo itinerante: “Ci sono parti di chitarra che ho registrato a Vienna, altre sull’aereo da Singapore a Londra. Ma il mio studio si trova a casa mia, quindi la maggior parte del lavoro l’ho fatta a Perth”. Facile immaginare come un lavoro così itinerante non sia esente da rischi. Tra questi, quello di perdere gli hard disk in giro per il mondo con la possibilità di non trovarli mai più: “Avevo praticamente la metà delle demo per il mio album sul mio iPod. Il mio zaino era bucato, e così l’ho perso da qualche parte tra Amsterdam e Londra. Ho avuto il terrore che qualcuno caricasse l’album su YouTube così finito per metà, o peggio che qualche band olandese ci mettesse sopra il proprio nome”. La storia ha avuto un lieto fine, ma per fortuna nulla può sfuggire alla potenza di internet, e così su YouTube si può trovare questa primissima home demo di Feels Like We Only Go Backwards.

Questo è il punto in cui ci battiamo forte il palmo della mano sulla fronte: ecco perché la foto di copertina (scattata a Parigi dallo stesso Parker, figuriamoci) è lo sguardo isolato di qualcuno che guarda una folla da dietro una grata. Ed ecco perché il disco si chiama Lonerism.

“Questo disco gravita attorno all’idea di non sentirsi parte del resto del mondo, di essere qualcuno che sta cercando di accettare lentamente la propria natura solitaria. Qualcuno che sta crescendo e capendo che il suo posto non è in mezzo a tutti gli altri. Insomma, qualcuno che ha semplicemente scoperto di essere un loner”.

Bonus:
In occasione del decimo anniversario, qualche giorno fa i Tame Impala di Parker hanno suonato Lonerism per intero al Desert Daze. Guarda la performance qui sotto:

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How To Try Out And Win More At Online Casinos: Top 10 Tip

Alessia Sciotto — Fri, 30 Sep 2022 18:00:43 +0000

How To Try Out And Win More At Online Casinos: Top 10 Tips

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Content

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Let’s Recap: The Best Internet Casino For Players Coming From Finland
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Can You Be Unfaithful Online Slot Equipment?
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What Are Bonus Rounds?
Make Your Bankroll Move Further
How To Play From Online Casinos — Top 10 Tips
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Understanding Slots Spend Tables
Faq6: Which Usually Live Casinos Pay Out Real Money?
Choose Between Normal Or Progressive Slots
Choosing And Playing Games
What Kinds Of Progressive Jackpots Are Right Now There?
How To Choose” “The Very Best Slot Machines To Be Able To Increase Your Possibility To Win
Do I Must Play From My Pc, Or Is I Able To Play Through My Mobile Device?
The Effect That Progressives Jackpots Possess Had On Winning Slots
Tips To Select A Casino Game
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Playing Slot Machine Games At A Land-based Casino
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Pharoah Sanders: viaggio nell’Astral Jazz in 5 dischi

Alessia Sciotto — Tue, 27 Sep 2022 12:13:30 +0000

“Quando sono arrivato a New York ho fatto mille lavori. Ho lavorato come chef in diversi ristoranti, ho fatto l’imbianchino. Vendevo il sangue a 5$, compravo un biglietto per il cinema e ci restavo dentro a dormire tutto il giorno perché non avevo dove stare”.

Con queste premesse cominciava la storia di uno dei padri dell’Astral Jazz. Con queste premesse cominciava la storia di Pharoah Sanders.

Nonostante alcune leggende metropolitane (incoraggiate dalla biografia ufficiale di Sun Ra) vogliano che Farrell Sanders sia stato battezzato “Pharoah” proprio da Sun Ra, la realtà è che fu la nonna a scegliere questo nome per il nipote dopo averlo visto appena nato, come da lui dichiarato in un’intervista a una radio francese. Ciò nonostante, la figura di Le Sony’r Ra rimane fondamentale nella vita del sassofonista di Little Rock che, appena trasferitosi a New York, lo incontra durante un turno di lavoro in un club. “Ho incontrato Sun Ra in un club dove si stava esibendo. Io lavoravo nel basement e sono salito su per dirgli che suonavo il sax tenore. E lui mi fece entrare dalla porta principale”.

Dal suo arrivo a New York per tutti gli anni ’60, Pharoah Sanders, da musicista ancora senza tetto, diventa (quasi in modo inconsapevole) il filo conduttore di un’intera generazione di musicisti che cominciavano a tralasciare l’approccio melodico per perseguire un suono astrale e astratto, spaziale e sentimentale. In questo periodo, grandi nomi della scena jazz tra i quali Don Cherry, Billy Higgins, Lonnie Liston Smith e lo stesso Sun Ra abbracceranno visceralmente l’approccio impulsivo e organico di Pharoah, la cui ricerca astrale prendeva posto in quel vibrante immaginario orientato alla spiritualità di cui John Coltrane era il padre putativo. Sarà proprio l’incontro con quest’ultimo, seguito a ruota da una solida collaborazione con la moglie Alice, a ribaltare la carriera di Pharoah e a permettergli di dedicarsi alla sua ricerca sonora a tempo pieno.

Nomi come Kamasi Washington, Nala Sinephro, Georgia Anne Muldrow, Sam Gendel e Makaya McRaven, insieme a molte delle musiciste e dei musicisti che oggi popolano i nostri ascolti, hanno fatto propria la strada battuta da Sanders e dai protagonisti di una scena spiritual in cui la spazialità del suono è sonica, onirica, ma acclarata da forti sensazioni corporali che accompagnano il contatto fisico e/o uditivo con lo strumento. Anche gli estremismi delle più bacchiche perdite di controllo diventano canalizzatori di pura energia. Tutto scorre spontaneo, non c’è giusto o sbagliato, non ci sono regole. “Non sono il tipo di persona che arriva con un’idea… cerco piuttosto di farla accadere. La cosa più importante per me è entrare in comunicazione con gli altri musicisti. Non sono uno strumentista troppo tecnico, né troppo intellettuale come molti altri musicisti. Quello che faccio è esprimermi, tutto qui”.

Se commemorare è ricordare qualcuno di cui si percepisce l’assenza, noi non siamo qui per commemorare Pharoah Sanders. Perché nonostante il suo tempo fisico su questa terra si sia concluso lo scorso 23 settembre, il suo viaggio non si è mai fermato, continua e continuerà nelle voci dei contemporanei. Per questo vogliamo celebrarlo riprendendo il filo della sua legacy da questi cinque dischi con cui il faraone di Little Rock ha segnato un solco indelebile nella storia dell’Astral Jazz.

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Holamotomami: il canale IG (non più) segreto di Rosalía

Alessia Sciotto — Tue, 20 Sep 2022 09:20:06 +0000

È passata poco più di una settimana da quando Rosalía ci ha sorpresǝ con la versione deluxe del suo incredibile MOTOMAMI. Ci abbiamo trovato tutti i pezzi che già sappiamo a memoria, integrati con tracce inedite di cui siamo già innamoratǝ, tra cui lo skit telefonico Thank Yu :), la già nota DESPECHÁ, un remix di CANDY con la partecipazione del portoricano Chencho Corleone, una versione live di LA FAMA e quattro inediti: AISLAMIENTO, LA KILIÉ, LAX e CHIRI.

Avevamo già parlato dello strabordante processo creativo sotteso a questo disco già all’epoca dell’uscita, ma c’è ancora una bella notizia per gli amanti della Motomami per antonomasia: internet, infatti, contiene ancora una scatola dei ricordi piena di materiale Behind The Scenes del disco, che sembrerebbe essere nota solo a circa 400mila dei 22 milioni di persone che seguono l’account IG ufficiale di Rosalía. Questa scatola si chiama @holamotomami, ed è un account IG personale che la cantante ha tenuto privato fino a Natale dello scorso anno, per renderlo pubblico a pochi mesi dall’uscita del disco.

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A differenza dell’account ufficiale @rosalia.vt, su @holamotomami Rosalía posta in prima persona immagini e racconti delle sue giornate, dei suoi viaggi e della sua felicissima relazione con Rauw Alejandro. Proprio questa connotazione onesta e intimista rende il canale una fonte preziosissima di informazioni su tutte le fasi, le stasi e le crisi che hanno portato alla venuta al mondo di MOTOMAMI.

Il 27 gennaio 2021 Rosalía pubblicava su @holamotomami il primo post: il dipinto Arroz con Pollo di Jean-Michel Basquiat. Sarà un caso che nella ricetta giapponese il Chicken Teriyaki vada spesso servito accompagnato con del riso? Forse no, visto che scrollare questo account è un continuo scorgere indizi sugli artisti, i piatti e gli immaginari che hanno ispirato la nascita di ogni singolo pezzo del disco.

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Tra le tante foto che documentano il percorso creativo di Rosalía verso MOTOMAMI, una linea interessante è costituita da una serie di screenshot di Spotify e di copertine di dischi che, se recuperati, restituiscono un quadro perfetto dei riferimenti sonori a cui hanno attinto lei e il suo team di producer (tra cui Michael Uzowuru che tra i tanti ha lavorato per SZA, Frank Ocean e Beyoncé, e che in @holamotomami compare in tantissime foto e clip video in studio). Il post del 15 aprile, ad esempio, cita Archangel di Burial, che a posteriori sappiamo essere la fonte del sample campionato in CANDY. Tra le tracce più preziose da recuperare ci sono il romanticismo bolero di Mi Ultimo Fracaso di Los Tecolines, la vibe alternative rock di Hollywood Dream Trip dei Syrinx e il disco Bachata Rosa del maestro del mamborengue Juan Luis Guerra, quest’ultimo non solo per la musica ma soprattutto per la prima traccia, che il caso vuole si intitoli Rosalía, e per il font di copertina, che per qualche ragione sembra richiamare le curve fiammanti del logo di MOTOMAMI.

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Su @holamotomami Rosalía sembra non temere gli occhi di nessuno e racconta anche diversi momenti di pesante mental breakdown che spesso noi fan dimentichiamo possano rientrare nel normale flusso creativo di ogni artista, anche per un prodotto esplosivo e fiammante quale MOTOMAMI. Scrollando fino alla metà del 2021, infatti, si vedono diverse foto in cui Rosalía si riprende piangendo: “ho bisogno di tornare a casa, magari potessi finire questo disco e tornare a casa, sono quasi due anni che non vedo la mia famiglia e non torno a casa mia, non ne posso più”, scrive in un post del 15 marzo 2021. E qualche ora dopo “aprile aprile aprile”, in riferimento alla data di consegna dei master inizialmente prevista proprio per il 15 aprile. I post successivi però raccontano uno slittamento di questa data: “sono troppo stanca, tutti i giorni 15 ore in studio” continua ad aprile 2021; “3 anni per finire questo disco” dice in lacrime a metà maggio.

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Insomma, con @holamotomami Rosalía ha socchiuso la porta della sua vita quotidiana e ci ha permesso di curiosarci dentro per meglio capire il suo viaggio lungo, difficile, ma sempre energico e propulsivo. Più volte l’artista ha dichiarato la sua intenzione di trasmettere onestà, intimità e trasparenza con MOTOMAMI. Una frase scritta su un foglio di appunti in un post del marzo 2021 ci riconferma che un account così personale, un disco come MOTOMAMI e il processo creativo che ha portato alla sua nascita, per Rosalía hanno uno e un solo obiettivo: la “HUMANIZACION DE LA DIVA”.

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26 anni fa DJ Shadow consacrava la cultura del sampling con Endtroducing…..

Alessia Sciotto — Tue, 13 Sep 2022 10:49:10 +0000

Negli anni ’90 la cultura del sampling era già bella che navigata: dalla East alla West Coast, da 36 Chambers a The Chronic, il campionamento aveva già attraversato una quarantina d’anni di storia tra nastri magnetici e campionatori di ultima generazione per atterrare definitivamente nelle mani dei producer Hip Hop. Ciò nonostante, al 1996 una buona parte della critica storceva ancora il naso di fronte a questa pratica, tacciando i producer di essere dei “ladri” senza possibilità di assoluzione.

Un giorno, in una casa di Davis, California, un giovane DJ 24enne di nome Josh Davis si sveglia e decide che questa storia deve finire: per quanto gli è possibile, nel suo piccolo Josh vuole dimostrare senza gesti plateali che il sampling non è furto, ma un’arte con un passato glorioso da onorare e un futuro splendente da scoprire.

Il 16 settembre 1996, viene così alla luce quello che è ricordato come uno dei primissimi dischi interamente composti da sample: Endtroducing….. di DJ Shadow.

Zane Lowe ha definito Endtroducing….. come “un disco futurista, uno dei più bei dischi mai composti in assoluto”, e nel 2013 il Guinness World Record lo ha inserito nella sua lista dei primati come “Primo album interamente prodotto con samples” (anche se alcuni fan hanno già provveduto a riassegnare la paternità di questo primato a John Oswald e al suo dissociativo progetto Plunderphonics). Insomma, DJ Shadow è stato insignito di innumerevoli primati, eppure non li ha mai cercati. D’altronde, in quanto individuo schivo, umile e molto riservato, il suo nome riflette già di gran lunga la sua perenne necessità di rimanere nell’ombra. Le sue divinità giovanili sono i giganti del DJing degli anni ’70, le disco bands degli ’80 e i gangsta rappers dei ’90, ma al contrario dei suoi idoli più sfacciati, Josh passa intere giornate nel basement di un negozio di dischi a diggare per diverse ore di fila, come ha raccontato nel documentario Scratch del 2001.

Il basement appartiene a Rare Records, un negozio di dischi di Sacramento dove DJ Shadow ha raccolto tutto il materiale in vinile prima di chiudersi in camera sua e dedicarsi alla composizione del suo primo vero disco dopo 5 anni di singoli ed EP di successo. Nel documentario, DJ Shadow attraversa montagne di dischi mai ascoltati, forse perché considerati di serie B, e racconta il processo mentale che ha accompagnato la sua ricerca: “Queste pile di dischi sono pile di sogni infranti in qualche modo. Quasi nessuno di questi artisti è riuscito a costruirsi una vera carriera ad oggi, e questo va assolutamente rispettato. Se produci dischi e se sei un DJ […] quasi sicuramente ti troverai in una di queste pile tra dieci anni. È importante ricordarlo quando pensiamo di essere invincibili o di essere i migliori del mondo”.

Il videoclip del singolo più celebre, Midnight In A Perfect World, così come l’oscura immagine che illustra la copertina di Endtroducing….., sono uno statement ben preciso: “questa è la mia band” sembra dire il collage di videoclip che compone la prima parte del visual, “questa è la mia ricerca” afferma la seconda parte, dove vengono ripresi gli interni di Rare Records, il titolare e il processo di digging, “e questo è il mio percorso creativo” dice l’ultima parte, in cui viene inquadrato il set up minimal con cui DJ Shadow ha interamente scritto il disco, un set up composto da soli tre pezzi: un registratore, un giradischi Technics SL-1200 e un campionatore Akai MPC60, allora ancora poco utilizzato negli Stati Uniti in quanto adombrato dall’antenato SP-1200 di E-mu.

Durante questa intervista rilasciata l’anno scorso ad Apple Music in occasione del 25mo anniversario del disco, Zane Lowe fa notare come l’innovazione apportata da DJ Shadow consistesse in un approccio orchestrale, e nell’utilizzare i singoli sample come se stesse “componendo, costruendo e conducendo i pezzi con un gruppo di musicisti in una sala prove”. Con la riluttanza ai complimenti che lo contraddistingue, DJ Shadow precisa diverse volte di non aver inventato assolutamente nulla, ma di aver cercato di contribuire a una cultura già ampiamente stanziata e compiuta come quella del sampling. “Nelle liner notes ho accreditato tutte le mie influenze, per dichiarare che ovviamente esiste già una storia del sampling. Oltre alla cultura hip hop, c’è un’intera generazione di musica composta con i sampler, ed è a questa grande cultura che io volevo apportare il mio contributo”.

Per verificare che non si tratti di finta modestia, basta flippare il disco per imbattersi immediatamente nelle seguenti parole scritte a caratteri cubitali: “Questo disco riflette un’intera vita di cultura in vinile. Per ulteriori informazioni sull’evoluzione della musica composta da sample, conosci gli innovatori”.

Insomma, che sia il primo disco totalmente composto da sample o meno, a 26 anni di distanza dalla sua uscita Endtroducing….. merita di essere celebrato con tutti i crismi. Con il suo eclettismo e la sua ricchezza di riferimenti, infatti, questo album rimane non solo un’enciclopedia tutta da studiare, ma un’incredibile pietra miliare del sampling che ha scavalcato l’umiltà di DJ Shadow contribuendo a superare lo stigma del campionamento visto come furto, a legittimare definitivamente l’uso dei sample di fronte all’opinione pubblica e a consacrare la pratica del sampling come un’arte di tutto rispetto con una storia meritevole di attenzione, riguardo e riverenza.

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Breve guida agli alter ego di Tyler, the Creator

Alessia Sciotto — Wed, 07 Sep 2022 12:16:48 +0000

Durante l’ultimo show del Call Me If You Get Lost Tour a Philadelphia, Tyler, the Creator ha detto: “CMIYGL è uscito lo scorso giugno… e questo è il mio ultimo show credo per quest’era, fino a quando non farò qualcosa di nuovo”.

E così, dopo questo struggente addio a Sir Baudelaire, diventa difficile immaginare le fattezze del prossimo personaggio che Tyler tirerà fuori dal suo cilindro. Quello che sappiamo per certo è che ogni album di Sir Okonma ha sempre costituito un capitolo a sé stante, e come tale definitivamente chiuso una volta finito di esplorare. Lo stesso Tyler non ha mai nascosto la sua riluttanza a riprendere alcune vecchie canzoni amatissime dal pubblico ma per lui ormai superate, specie nel caso di brani pescati dalla discografia dei suoi albori. Ad esempio, nel gennaio del 2011 in un raptus apparentemente immotivato delle 2 del mattino sputa nel piatto di Bastard dicendo di odiare profondamente Odd Toddlers.

I Fucking Hate "Odd Toddlers". Fuck That Song.

— T (@tylerthecreator) January 19, 2011

Ancora, più di recente, durante un live del 2019 a New York, prima di benedire il pubblico con una versione live di Yonkers, Tyler confessa: “Sarò sincero: non faccio mai questa canzone. Ho smesso perché la odiavo. E potrei dimenticare le parole perché sono umano… ma questa canzone ha cambiato la mia vita, la vita della mia famiglia e dei miei amici”.

Nonostante la spesso ironica refrattarietà di Tyler a guardarsi indietro, ripercorrere i personaggi principali da lui interpretati durante la sua carriera è fondamentale per costruire un quadro completo della sua crescita e della sua evoluzione artistica. Perciò asciughiamoci le lacrime per la fine dell’era Baudelaire e corriamo subito a scaldarci per ciò che arriverà dopo CMIYGL con questa breve guida ai principali alter ego di Tyler, the Creator.

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Alessia Sciotto — Wed, 07 Sep 2022 06:45:22 +0000

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Временные акции создаются для усиления активности игроков и повышения их интереса к беттингу. Обычно предложения активируются в период проведения крупных футбольных матчей или иных спортивных событий. Отыгрыш всех средств производится в стандартном режиме, описанном выше. Возврат денег на счет доступен только для проигранных ставок, размер кэшбэка зависит от суммы, проигранной за расчетный период. Подсчет процентов осуществляется раз в неделю – в ночь с воскресенья на понедельник.

Задача пользователей состоит в угадывании вероятных исходов. Победители делят призовой фонд, который формируется из ставок за тираж. В разделе казино” “находятся слоты, рулетка и другие игры. В Live казино собраны все азартные развлечения с живым дилером. В линии, Live и киберспорте представлены ставки на традиционные и киберспортивные дисциплины со ставками в прематче и Live. Во время создания Личного Кабинета предстоит выбрать валюту счёта среди доступных в твоем регионе.

Плюсы И Минусы Личного Кабинета

На онлайн-ресурсе Mostbet вход через соцсети доступен. Из социальных сетей для авторизации на Mostbet, вход можно осуществить через Facebook, Steam, Yahoo и Twitter. Есть, на выбор бонус на первый депозит в ставках на спорт или казино. Через личный кабинет можно отправить запрос службе поддержки и в нем же проверить полученный ответ. Дополнительно есть онлайн чат для связи с техподдержкой. Забывчивые беттеры могут не волноваться на случай утери пароля от личного кабинета.

Что касается ставок в казино, то стоит воспользоваться таблицей веджеров, где указана его величина для каждого типа слотов. Таким образом, единственный способ лишиться денег из-за действий третьих лиц – это предоставить им самостоятельно логин и пароль. При этом не имеет значения размер бета и коэффициент события – коины будут начислены в любом случае, но перечисленные факторы влияют на их количество. Узнать число коинов, которые уже перечислены на счет игрока, можно после нажатия на кнопку основного баланса рабочее зеркало мостбет россия.

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Отзывы от казахстанских игроков в основном являются положительными.
Она во многом схожа с той, что предусмотрена для спортивных ставок, но есть и существенные отличия.
Выбор платежных систем для вывода средств зависит от региона и типа валюты.

Здесь важно брать во внимание, что первым делом потребуется зайти в настройки смартфона в раздел безопасности. Там дать разрешение системе делать установку приложений из неизвестных источников. Дело в том, что все программы, скачанные не из Маркета, воспринимаются операционной системой Андроид, как подозрительные. Если” “вы видите, что команда побеждает или матч завершится вничью во время игры, вы можете сделать ставку прямо на месте. Выигрыш начисляется сразу после окончания мероприятия.

Линия И Коэффициенты

По прямой ссылке mostbet доступа на сайт букмекера нет. Для обхода блокировки необходимо воспользоваться рабочим зеркалом, VPN, прокси или другим способом подмены IP-адреса пользователя или доменного адреса сайта. Играя на реальные деньги в казино Mostbet Казахстан, вы можете ощутить настоящий азарт и получать реальные выигрыши. После окончания игры вы можете вывести свой выигрыш с Мостбет казино официальный сайт, используя удобные методы вывода средств.

Сортировка игр на официальном сайте Мостбет Казахстан дает вам возможность выбрать игру по жанру, разработчику или особенности.
Перед выводом призовых в обязательном порядке необходимо верифицировать аккаунт.
Выбрав «По телефону» необходимо указать номер телефона, выбрать валюту и дать согласие с правилами работы БК.
Вы можете делать ставки на известных теннисистов и следить за их выступлениями на кортах по всему миру.

Согласно мнению игроков и экспертов гемблинга, в МостБет реализована наиболее эффективная программа акций относительно других БК. В казино МостБет предусмотрено девять уровней игроков, если не считать «нулевого». За достижение каждого левела” “начисляются мосткоины, которые переводятся в деньги и отыгрываются по вейджеру, чей размер зависит от текущего уровня игрока. Для постоянных игроков действует отдельная система вознаграждений – бонусы на второй, третий, четвертый и последующие депозиты. Начисляется просто за регистрацию, не требует внесения денег на счет. Вы можете соревноваться с игроками со всего мира, полагаясь не столько на удачу, сколько на свои навыки.

Основные Моменты При Регистрации В Мостбет:

Она во многом схожа с той, что предусмотрена для спортивных ставок, но есть и существенные отличия. Первые коины пользователь получает при выполнении некоторых заданий после регистрации и во время игры. Одной из особенностей сайта — удобная система входа в Mostbet. Игроки оперативно получают доступ к личному кабинету, могут сразу после пополнения счета начать делать ставки на спорт или в онлайн-казино.

Если деньги по каким-то причинам долго не поступают, рекомендуется связаться со службой технической поддержки.
В нашем обзоре о способах входа на сайт букмекерской конторы Mostbet и особенностях личного кабинета игрока.
Пользователи букмекерской конторы Мостбет получают фриспины, фрибеты или бонусные деньги.
Мостбет не требует заполнения множества лишних данных при регистрации.
Виртуозные движения на льду, звон клюшек и жесткие сражения команд — все это хоккей — спорт, который завораживает динамикой и напряженностью.

Получить возврат могут те, кто за неделю сделал ставки на сумму не менее a thousand рублей и не находятся в плюсе по сравнению с предыдущей неделей. Уровни программы, статусы и подарки можно увидеть, если увеличить фото, расположенное выше. Чтобы начать участие в программе, не требуются какие-либо ухищрения. Достаточно пройти регистрацию, внести депозит и делать ставки в обычном режиме. Дизайн сайта Mostbet KZ выполнен в сочных синих тонах.

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Мостбет стремится предоставить клиентам удобные и разнообразные методы пополнения счета. Это отражает стремление оператора удовлетворить потребности и предпочтения игроков. Войдите в свою учетную запись, выберите удобный способ пополнения счета и наслаждайтесь лучшими играми и широчайшим выбором ставок на спорт. Тотализатор в Mostbet казино отличается от обычных спортивных ставок тем, что в нем отсутствуют устойчивые коэффициенты. Вместо этого игрокам предлагается список событий, обычно от eight до 15.

Если” “вы видите, что команда побеждает или матч завершится вничью во время игры, вы можете сделать ставку прямо на месте.
Важно понимать, что сыграть в казино Мостбет на рабочем зеркале официального сайта могут только лица, достигшие 18 лет.
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Виртуальные столы с реалистичной графикой и аудиоэффектами позволяют полностью погрузиться в игровой процесс и ощутить атмосферу настоящего казино. Категория ставок на футбол одна из самых обширных на сайте. Она включает чемпионаты и международные события всех масштабов, в том числе женские и молодежные соревнования. Чтобы перейти в раздел, достаточно кликнуть кнопку «Футбол» в левой части экрана. Mostbet казино предлагает несколько типов джекпотов, включая фиксированные и прогрессивные.

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В мире азартных развлечений Казахстан продолжает удивлять и радовать своих жителей и гостей. Одним из наиболее заметных игровых заведений в этой стране является казино Mostbet. Рассмотрим все аспекты и особенности официального казино Мостбет Кз. От игорных столов до виртуальных игровых автоматов, от волнения ставок на спорт до захватывающих игр в рулетку и блэкджек. Узнаем почему казино Mostbet, как и Pin Up Kz, стало одним из самых популярных игорных заведений в Казахстане. При использовании текстовых материалов сайта гиперссылка на Sports activity. ua обязательна.

Вы можете выбрать регистрацию в один клик или по номеру телефона. Виртуозные движения на льду, звон клюшек и жесткие сражения команд — все это хоккей — спорт, который завораживает динамикой и напряженностью. Если вы поклонник этой игры, то в Mostbet вы можете и погрузиться в этот леденящий душу спортивный мир.

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Можно отсортировать такие игры, нажав кнопку «Трансляция». Доступ к трансляциям есть у зарегистрированных клиентов. Сотни тысяч клиентов со всего мира открыли счета на сайте Mostbet. Гэмблеры и бетторы делают ставки на нашей платформе, регулярно выводят призовые и приводят своих друзей. В подтверждение вышеизложенного — многочисленные положительные отзывы о работе клуба в сети.

После установки приложения на вашем устройстве появится иконка, которая позволит вам” “быстро войти в аккаунт Мостбет Кз.
Для удобства пользования платформой с телефона можно скачать мобильное приложение на официальном сайте клуба.
В этом случае букмекер предлагает автоматический выбор исходов событий.
Для удобства игроков слоты разделяются на вкладки «Избранное», «Новые» и «Популярные», что облегчает навигацию.
К временным относятся все акции и спецпредложения букмекерской конторы, ограниченные конкретным сроком действия.

Перейдите в раздел казино и выберите там соответствующую категорию. Каждый вновь зарегистрировавшийся игрок может рассчитывать на бонус до 125% на первый депозит. Мостбет предлагает целую россыпь бонусов, от депозитных до кэшбека и дополнительных множителей к экспрессам.

Бонусы За Пополнение Счета

После этого игроку нужно выбрать понравившийся аппарат, сделать ставку и начать игру. Вывод” “доступен в личном кабинете на банковскую карту или электронные способы платежей QIWI, ЮMoney, Piastrix, AdvCash и Payeer. Рекомендуется использовать одну платежную систему для пополнения счета и вывода средств. В программе лояльности предусмотрена выплата фрибетов, эксклюзивные подарки и повышенный кэшбэк.

При этом не имеет значения размер бета и коэффициент события – коины будут начислены в любом случае, но перечисленные факторы влияют на их количество.
При возникновении сложностей со входом в ЛК следует незамедлительно обратиться к саппорту «Mostbet».
Достаточно пройти регистрацию, внести депозит и делать ставки в обычном режиме.

Посетителям предложены развлечения казино, ставки на спорт, онлайн-покер и ставки на Тотализаторе. Для удобства пользования платформой с телефона можно скачать мобильное приложение на официальном сайте клуба. Выбрать бонус, который подходит под нужды игрока, можно непосредственно на странице регистрации. Он распространяется на всех новых игроков, но неопытному гемблеру его отыграть сложно. Чтобы вывести надбавленные проценты, потребуется сделать ставки на сумму, в 5 раз превышающую бонус. В MostBet есть бонус без депозита, но не без регистрации, поэтому указать номер телефона или адрес электронной почты для создания ЛК необходимо.

Бонус За Первый Депозит

Некоторые промо могут быть временно приостановлены или изменены. Поэтому следует регулярно проверять раздел «Акции», чтобы быть в курсе текущих предложений. Этот способ регистрации в Mostbet наиболее быстрый по сравнению с предыдущими и осуществляется через аккаунты социальных сетей. Для разных стран в БК доступны транзакции в платежных системах Visa, MasterCard, Maestro, EcoPayz, WebMoney, Bitcoin. Если у вас есть промокод Мостбет, то не забудьте его ввести в специальное окошко во время регистрации.

Начисляется просто за регистрацию, не требует внесения денег на счет.
После завершения регистрации, ваш номер телефона или адрес электронной почты станут вашим логином для входа в аккаунт.
При наличии вопросов можно связаться со специалистами технической поддержки не только по телефону, но и через Live чат, они работают круглосуточно.
Через личный кабинет можно отправить запрос службе поддержки и в нем же проверить полученный ответ.
Здесь поклонников ждет широкий выбор хоккейных соревнований, начиная с престижных лиг и заканчивая международными чемпионатами.
Однако нужно понимать, что комиссию пользователь берет на себя.

Вы можете делать ставки как до начала матча, так и в лайв-режиме. Маржа, варьируется от 3% до 12% и доступна как для топовых соревнований, таки для второстепенных лиг и дивизионов. Особенно популярны среди молодежи соревнования по киберспорту. Компания Mostbet начала свою деятельность в 2009 году и уже более 10 лет предоставляет онлайн-услуги в сфере ставок на спорт и казино. В Казахстане и других странах СНГ букмекер пользуется большой популярностью. Оператор работает по лицензии Комиссии по азартным играм Кюрасао и строго соблюдает все требования регулятора.

Что Делать, Если Не Получается Зайти На Сайт?

Для сброса текущего пароля необходимо перейти по кнопке «Вход» на официальном сайте и в открывшемся окне выбрать «Забыли пароль? Чтобы восстановить доступ к личному кабинету необходимо указать номер телефона или адрес” “электронной почты, введенные при создании учетной записи. Площадка Mostbet — это то место, где ты отыщешь всё самое необходимое для полноценной игры. Игорное онлайн заведение представлено в ninety-seven странах мира (России, Украине, Казахстане, Турции, Азербайджане и прочих регионах). Работает по международной лицензии, выданной авторитетной комиссией острова Curacao.

На онлайн-ресурсе Mostbet вход через соцсети доступен.
Сотни тысяч клиентов со всего мира открыли счета на сайте Mostbet.
Минимальный коэффициент в каждом из событий должен быть one, 2.
Дополнительно есть онлайн чат для связи с техподдержкой.
Сделать ставки на любых слотах с основного счета на сумму” “в 10 и более раз превышающую выигрыш по фриспинам.

В Live-казино можно сыграть с живым дилером Это позволит ощутить атмосферу реального казино прямо из дома. Вы сможете выбрать рулетку, блэкджек, баккару и другие популярные игры. Игра проходит в формате видеотрансляции, крупье находится в зале настоящего казино или специально оборудованной студии.

Работа Бк В Других Странах:

Скачать мобильное приложение Мостбет можно, кликнув на иконку Android os или iOS в левом верхнем углу.”

Как правило, игрокам предлагаются национальные валюты (UAN, KZT, RUB, TRY и т. д. ), а также USD и EUR. Компания Мостбет работает в соответствии с лицензией, у нее есть также право предлагать играть в казино. Процесс создания аккаунта быстрый и простой, что немаловажно. Клиентская поддержка работает круглосуточно, можно связаться со специалистами через сайт или по телефону. Согласно статистике, Мостбет стабильно развивается и предлагает качественные услуги, что делает контору действительно надежной.

Mostbet Вход На Официальный Сайт Букмекерской Конторы – Возможности Личного Кабинета И Его Функционал

На Mostbet вы можете выбирать разные варианты ставок, такие как ничья, точный счет, тотал и многое другое. Главным преимуществом букмекера является наличие лицензии, выданной на Кюрасао (№8048/JAZ). Этот сертификат обязывает компанию строго соблюдать все свои обязательства перед клиентами, иначе специализированная комиссия не продлит ей лицензию.

Многочисленные отзывы от благодарных игроков” “говорят о том, что компания заслуженно занимает высокие места в многочисленных рейтингах.
Категория ставок на футбол одна из самых обширных на сайте.
Букмекер предлагает казахстанским игрокам разнообразные способы пополнения игрового счета, обеспечивая удобство и гибкость оплаты.
Справа находится купон для событий, где можно просмотреть выбранные ставки и добавить новые.

Однако не забывайте о рисках и устанавливайте лимиты для собственной безопасности, не превышая их. Если вас интересует бесплатная и безрисковая игра, просто выберите игру из каталога азартных развлечений и начните играть. Важно помнить, что в демо-режиме вы не можете вывести реальные деньги, так как все выигрыши аннулируются после завершения игры. Информацию о сбросе пароля пользователь получит в СМС сообщении или письме на введенный адрес электронной почты.

Новости От Пользователей

Взломать или каким-либо другим образом повлиять на работу ПО игровых автоматов невозможно. Важно отметить, что регистрация в Мостбет Кз доступна только совершеннолетним игрокам, и вам” “предоставляется выбор валюты, включая тенге. Материалы сайта предназначены для лиц старше 21 года (21+). Участие в азартных играх может вызвать игровую зависимость.

Пользователи не ограничены в функционале приложения, оно не занимает много места на устройстве и автоматически обновляется.
Главным преимуществом букмекера является наличие лицензии, выданной на Кюрасао (№8048/JAZ).
Осуществлять вывод можно через любое рабочее зеркало сайта, размер комиссии известен при указании суммы для получения.
Среди них есть как крупные игроки в индустрии, такие как” “Microgaming, NetEnt и Amatic, так и менее известные студии, включая Fugaso, Appollo и другие.
Ставки на деньги доступны только после регистрации аккаунта.
Mostbet казино предлагает несколько типов джекпотов, включая фиксированные и прогрессивные.

Первый имеет заранее определенную сумму, которая разыгрывается, если игроком выполняются определенные условия. Прогрессивный джекпот — накопительный приз, который увеличивается с каждой ставкой. Они достигают огромных сумм и могут быть выиграны в любой момент времени.

Пополнение И Вывод Средств В Мостбет Кз

Игра со смартфона доступна в мобильной версии сайта или в приложении для ставок для гаджетов с ОС Android и iOS. Международная компания, специализирующаяся на ставках на спорт и азартных играх, Mostbet Kz, приветствует игроков из Казахстана. Из недостатков личного кабинета можно выделить отсутствие вспомогательного функционала в рамках политики «Ответственная игра». Некоторые букмекеры предлагают самоограничение доступа к личному кабинету по времени, установление лимита депозитов и проигрышей.

В мобильном приложении Мостбет вход в личный кабинет при утере пароля производится аналогичным способом.
Список повторяет те же социальные сети, которые доступны для регистрации.
Кроме того, можно сделать ставку по мнению большинства.
После авторизации на официальном сайте можно перейти в личный кабинет.

В каждом случае можно добавить промокод, если он есть. Букмекерская контора Мостбет считается очень надежной сегодня. Она предлагает большое количество ставок на спорт, высокие коэффициенты, а также возможность сыграть в онлайн казино. Компания лицензирована, поэтому гарантирует честную игру. Для запроса кэшбэка потребуется зайти в личный кабинет и нажать кнопку получения возврата. В противном случае бонусные деньги будут аннулированы.

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Renaissance: un DJ set firmato Beyoncé

Alessia Sciotto — Tue, 02 Aug 2022 12:38:30 +0000

Non è bastato un leak improvviso a due giorni dall’uscita ufficiale. Non è bastato il gioco anticipato di Drake sullo stesso tipo di sonorità. Non sono bastate nemmeno le recenti polemiche di Kelis per demolire l’hype che stiamo ancora cercando di smaltire dal 29 luglio, giorno in cui è venuto finalmente alla luce il settimo album di Beyoncé dal titolo Act I: Renaissance.

Ben otto giorno prima dell’uscita ufficiale di Renaissance avevamo già avuto il privilegio di farci un’idea sull’eterogeneità delle produzioni dando una bella spulciata ai credits che, aderendo a ogni aspettativa, riportano una serie di nomi e di collaborazioni disparate che tantissimo dicono della natura ibrida di questo disco.

A un primo sguardo, infatti, non scappano alcuni nomi altisonanti della scena dance degli ultimi 40 anni, a partire da Nile Rodgers, passando per Grace Jones e Giorgio Moroder, e atterrando incredibilmente su Skrillex. Altre sorprese, invece, riguardano il coinvolgimento di alcuni dei protagonisti principali della scena soul contemporanea, tra cui The Neptunes, Raphael Saadiq, No I.D., Leven Kali, SYD e Patrick Paige II dei The Internet, Sabrina Claudio, e in omaggio alla scena afrobeats anche Tems.

https://twitter.com/BeyLegion/status/1550054297613860864?ref_src=twsrc%5Etfw%7Ctwcamp%5Etweetembed%7Ctwterm%5E1550054297613860864%7Ctwgr%5E1741076c9e959940e78fad1f15eec851ea07dabc%7Ctwcon%5Es1_&ref_url=https%3A%2F%2Fd-2807411867457738869.ampproject.net%2F2207181727000%2Fframe.html

Ma dove ha origine la scelta così radicale di un album totalmente dance? Le liner notes del disco suggeriscono che a ispirare questo settimo diamante della discografia di Bey ci sia una figura ben precisa. Nel booklet, infatti, si trova un selfie a letto con i suoi tre figli affiancato da una foto di sua madre accanto a un uomo apparentemente mai visto. Al tutto segue: “A big thank you to my uncle Jonny. He was my Godmother and the first person to expose me to a lot of the music and culture that serve as inspiration for this album”. Jonny è un cugino di Beyoncé, nipote e migliore amico di Tina Knowles, che ha accompagnato Bey e Solange durante la crescita come se fosse uno zio. Mancato prematuramente a causa di complicazioni di salute, Jonny ha fatto in tempo a educare le sorelle Knowles su tutto ciò che c’è da sapere sulla cultura dance e su quando sia importante celebrare il fatto che gran parte di quella cultura abbia una matrice afroamericana spesso dimenticata. Anche per questo, Beyoncé continua: “Thank you to all of the pioneers who originate culture, to all of the fallen angels whose contributions have gone unrecognized for far too long. This is a celebration for you”.

È richiesta una grande raffinatezza nel cucire il concept di un grande album. Ma è richiesto un gusto ancora maggiore nel riuscire a coordinare musicisti, figure e sonorità così diverse tra loro senza sfociare nell’eclettismo più becero, e Beyoncé e il suo team non potevano non riuscire in questo intento: la gamma temporale di sonorità attraversate nelle 16 tracce è resa omogenea dal blend tra un brano e l’altro, quasi come se un DJ le avesse organizzate in un set dedicato. Inoltre, un paio di scroll rapidi sul sito ufficiale di Queen Bey rende ancor più chiara l’intenzione di omaggiare la diversità anche attraverso l’identità visiva del progetto: gli shooting fotografici che lo accompagnano, infatti, sono tutti estremamente diversi per linguaggio, look, intenzione, colori e ambientazioni.

In occasione dell’uscita del primo singolo, Break My Soul, avevamo tirato un respiro di sollievo dopo i sei anni di attesa trascorsi da Lemonade, e già allora Beyoncé ci aveva messi in guardia sul fatto che Act I: Renaissance giace su un piano di ricerca ben diverso da quello dei suoi ultimi dischi, non solo a livello sonoro ma anche sul piano del racconto. “With all the isolation and injustice over the past year, I think we are all ready to escape, travel, love and laugh again. I feel a renaissance emerging, and I want to be part of nurturing that escape in any way possible”, diceva ad Harper’s Bazaar già nell’agosto 2021.

Insomma, nell’era post-pandemica, Queen Bey non è più la protagonista dei suoi racconti d’amore. Renaissance non parla di lei, ma parla di noi. Oggi Beyoncé è quell’amica che ti vede pres* male in un angolo della pista e allunga una mano per trascinarti sulla dancefloor e farti spillare tutti i mali del mondo una goccia di sudore alla volta.

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DOMi & JD Beck: la dimostrazione che il jazz è vivo

Alessia Sciotto — Wed, 27 Jul 2022 10:32:22 +0000

Quando uno cerca informazioni su un artista cosa fa?

Easy: va sul sito, “bio” e spera di trovare le info che sta cercando.

Sul sito di Domi & JD Beck funziona allo stesso modo. La sezione “about” recita: domi è una dodicenne francese prodigio del sassofono. […] non solo è l’unica Fisica Teorica vivente, ma è anche la persona più giovane ad aver mai ricevuto il Premio Nobel in Fisica. JD beck è un investigatore di pecore texano di 6 anni e ha ricevuto un PhD in fisica quantica all’inizio di quest’anno”.

Non potrebbe esistere una descrizione più adeguata per prepararci come si deve alla stravaganza di questo duo che tra due giorni uscirà con il primo attesissimo album di debutto dal titolo NOT TiGHT.

Tutto ha inizio nel 2018 quando DOMi, aka Domitille Degalle, frequenta il Berklee College of Music di Boston e come molti dei suoi colleghi carica il suo primo video su YouTube: è in cucina, tastiera sul tavolo, e ha appena trascritto il solo di Them Changes tratto dalla performance live a NPR di Thundercat. Nello stesso anno, viene invitata a partecipare a una delle più grosse fiere di sound equipement della California e si ritrova per caso a provare degli strumenti con un ragazzino di tre anni più giovane di lei, JD. I due si intendono parecchio, e così si ripromettono di provare a suonare insieme qualche altra volta in futuro.

Molti “ci becchiamo” rimangono per aria, ma non nel caso di Domi e JD Beck, che si sono ribeccati per davvero e che, nel 2020, hanno caricato sul canale YouTube di DOMi (oggi canale ufficiale del duo) un video tributo a Madvillainy: lei praticamente un’orchestra, mani sulla Nord, codini da fata e piedi sulla pedaliera per suonare il basso; lui drumset minimale, viso cancellato dai foltissimi capelli e un numero di colpi incalcolabile. Nell’era di internet e dell’auge dell’hip hop, a questo video è bastato pochissimo per schizzare tra i virali e catturare l’attenzione delle persone giuste.

Se già 5 anni fa DOMi si sfidava sul palco del Berklee con Louis Cole, negli ultimi due anni insieme a JD è riuscita a fare molto di più: i loro nomi, infatti, spuntano tra i credits della Grammy hit Skate dei Silk Sonic e le loro facce sbucano in numerose performance live di Thundercat, Ariana Grande e Mac DeMarco.

Queste poche premesse rendono già chiaro perché il mondo stia fremendo per il disco di debutto di questo duo che, quasi a limitare vanamente le aspettative di tutti noi, si intitolerà NOT TiGHT. L’album uscirà sotto APESHIT, neonata etichetta di Anderson .Paak, in partnership con la leggendaria Blue Note Records, ed è stato anticipato dall’uscita di quattro singoli e due videoclip. Uno di questi, SMiLE, è diretto dallo stesso Andy .Paak e vede la partecipazione di Mac DeMarco nei panni di un vecchio musicista jazz non udente al quale DOMi e JD, insieme a .Paak, Thundercat e altri invitati, organizzano una festa di compleanno e regalano un bel paio di orecchie nuove.

Oltre ai featurings del disco, tra i cui nomi spiccano non solo Mac DeMarco, Thundercat e Anderson .Paak, ma anche Herbie Hancock, Snoop Dogg, Busta Rhymes e Kurt Rosenwinkel, c’è poco da aggiungere su questo duo di prodigi che facendosi spazio in un mondo che cambia, tra estro, colori fluo e groove da vendere sono finalmente arrivati a salvarci dalla voce di tutti quei vecchi impolverati fermi al bebop a cui piace ripetere che “il jazz è morto”.

DOMi & JD Beck saranno al Jazz:Re:Found Festival domenica 4 settembre per l’unica data italiana e debutto europeo del tour. Non perderli.

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Gemini Rights: un nuovo diario segreto per Steve Lacy

Alessia Sciotto — Tue, 19 Jul 2022 09:35:11 +0000

“Ero davvero arrabbiato. È stato un paio di settimane dopo che avevamo rotto. Mi ricordo che ero frustrato con il tipo, perché mi aveva ridato indietro delle ceramiche che avevo fatto per lui. Sono andato in studio frustrato, e la prima cosa che ho fatto è stata mettermi sul mio Moog Sub 37”. Ad eccezione delle ultime tre parole, questo messaggio potrebbe esserci stato scritto da un amico in crisi nera dopo una rottura importante. E in effetti è più meno così, solo che in questo caso il nostro amico è Steve Lacy, che con queste parole qualche giorno fa raccontava la fine della storia che lo ha portato al suo secondo album, Gemini Rights.

Qualche tempo fa su Instagram ci stupivamo di quante delle nostre tracce preferite siano prodotte da Steve Lacy, il quale ha messo le mani nella pasta di capolavori come Damn di Kendrick Lamar, When I Get Home di Solange e Father of the Bride dei Vampire Weekend. E proprio questi ultimi, con i quali aveva collaborato anche in un featuring su Sunflower, vengono citati da Steve come una delle principali influenze che hanno portato questo disco a un’evoluzione sonora importante rispetto ai suoi lavori precedenti.

Gemini Rights è il risultato di un importante cambio pagina per l’ex sadboy prodigio dei The Internet, e non solo dal punto di vista sentimentale. Già da un primo ascolto si sente che Steve non è più da solo a costruire le proprie sonorità. Sono infatti la natura collaborativa di questo disco e la partecipazione di artisti come Fousheé, Karriem Riggins, DJ Dahi e Matt Martians che permettono al prodigio di Compton di esplorare una quantità di sfumature che esulano dalla sua solita palette. Sincopi di ritmiche sudamericane, combo di voce e piano solo, sprazzi di autotune e melanconia lo-fi sono solo alcuni dei temi che ricorrono in questo disco, in un misto con immancabili riff rock e quella lineare vocalità indie che sono ormai i marchi di fabbrica di Steve Lacy.

Oltre alle collaborazioni, molto della freschezza e del maggior respiro creativo di questo disco lo ha fatto l’improvvisa volontà, per Steve, di uscire da camera sua (dove aveva registrato Demo e Apollo XXI) ed entrare finalmente in un vero studio. “Quando ho cominciato a lavorare a questo nuovo disco, ero ancora a casa con il mio pc, registrandomi e mixandomi da solo. E mi sono sentito come se mi stessi scontrando con un muro. Non ricordo nemmeno come o perché. Ma mi sono detto ‘Ho voglia di entrare in studio’. Questo mi ha davvero aiutato a concentrarmi e ad eseguire le idee in una maniera totalmente diversa. Avere la possibilità di lavorare in studio con un ingegnere mi ha permesso di focalizzarmi di più sull’essere un artista”, ha detto alla penna di Vulture qualche giorno prima dell’uscita del disco.

In termini di contenuti, poi, Steve non ci lascia soli nemmeno stavolta e tiene fede al tema eterno delle relazioni complicate raccontandoci l’ultimo episodio che lo riguarda direttamente, arricchendolo di nuovi motivi sonori che non fanno altro che aumentare il grado di empatia che abbiamo sempre provato nei confronti dei suoi testi.

“Qualcuno mi ha chiesto se sentissi la pressione di scrivere qualcosa che potesse piacere alle persone”, ha scritto in una nota iPhone che ha pubblicato su Instagram all’uscita del disco. “Forziamo sempre una separazione tra l’artista e le persone. Ma io non sono separato. Io sono le persone, e solo per caso sono anche un artista”.

Ascoltiamo Gemini Rights con il conforto che si prova quando si comincia a scrivere sulla prima pagina di un diario segreto. Forse perché, per parafrasare le sue parole, Steve Lacy è uno di noi, e come tutti noi sa che a volte l’unico rimedio per sentirsi meno soli è cercare riparo nelle esperienze dei nostri artisti preferiti, e ricordarci che anche loro sono persone.

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10 anni di Channel Orange, il debutto melanconico di Frank Ocean

Alessia Sciotto — Tue, 12 Jul 2022 10:44:16 +0000

Esiste un fenomeno chiamato “sinestesia” a causa del quale alcune persone sarebbero capaci di associare un colore a una percezione sensoriale. Per fare un esempio, Frank Ocean a giugno 2012 scriveva sul suo blog: “Orange reminds me of the summer I first fell in love”.

A distanza di un mese da questo statement, Frank avrebbe battezzato il suo disco di debutto con un unico obiettivo: cercare di risintonizzarsi sulle frequenze di quelle sensazioni, senza più soffrirne. Quel disco, uscito il 10 luglio di 10 anni fa, prendeva il titolo di Channel Orange.

Il 4 luglio 2012 Frank Ocean pubblicava una lettera aperta scritta sulle note di un Mac e intitolata “thank you’s”. La lettera raccontava della sua prima sofferta storia d’amore e di come la scrittura di un album, a distanza di cinque anni dal primo incontro con la persona amata, sia stato un unguento curativo che gli ha ridato la vita.

“I wrote to keep myself busy and sane. I wanted to create worlds that were rosier than mine. I tried to channel overwhelming emotions. I’m surprised at how far it has taken me. […] Maybe it takes a near death experience to feel alive”. La storia viene raccontata da Frank Ocean in modo schietto e sincero, e già dalle prime righe risulta evidente una ferma intenzione di esorcizzare, ma di continuare a ricordare.

In questo senso, la prima traccia del disco dopo la intro sembrerebbe molto rappresentativa. Eppure, Thinkin ‘Bout You era stata pensata e scritta per un’altra artista. Infatti, la cantante Bridget Kelly, turnista di punta di Jay-Z, nell’occasione del suo album di debutto, si era rivolta a Frank Ocean perché le scrivesse un pezzo, dal titolo Thinkin About Forever. Evidentemente, l’attaccamento a questo testo era tale che, nonostante il disco di Bridget fosse già uscito, Frank decide di tornare a rivendicarne la paternità leakando una sua personale versione del pezzo sul proprio blog. Il resto è storia.

La ricerca di Channel Orange non si ferma ai limiti della relazione amorosa e attinge a piene mani da ogni esperienza che abbia contribuito a muovere le acque cerebrali di Frank Ocean in quel momento così delicato. Ad esempio, Crack Rock è ispirata da alcune sedute di terapia di gruppo a cui Frank aveva avuto modo di assistere perché il nonno, ex-tossicodipendente, faceva da mentore per aiutare altre persone a uscire dalla dipendenza.

Ancora, la “Cleopatra” di Pyramids che inizialmente sembrerebbe la regina egizia che tutti conosciamo, a metà del brano si trasforma in una prostituta infelice, in un quadro completo dell’ingiusto decadimento dell’immagine della donna nera nella cultura popolare. Anche questa è un’immagine che Frank Ocean conosce bene: “I have actual pimps in my family in LA. It was fantasy built off that dynamic… but you can only write what you know to a point”, ha detto intervistato da The Guardian qualche giorno dopo l’uscita del disco.

A distanza di 10 anni, Channel Orange rimane un racconto onesto e immutato della realtà vista dagli occhi di Frank Ocean, la cui figura enigmatica e schiva si è aperta poco in questi ultimi dieci anni. Nonostante ciò, ogni interrogativo possibile su di lui trova sempre risposta in quella famosa lettera scritta su un aereo da New Orleans a Los Angeles: “Whoever you are, wherever you are… I’m starting to think we’re a lot alike. Human beings spinning on blackness”.

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I 5 dj afroamericani che hanno inventato la musica house

Alessia Sciotto — Tue, 28 Jun 2022 11:48:28 +0000

L’uscita dei nuovi lavori di Drake e Beyoncé ha fatto molto parlare, e non solo perché sembrano scontrarsi in una beef silenziosa fatta di ritmi da discoteca (o, per dire di alcuni, “da camerino di Forever21”).
Come si evince dalla miriade di meme nati su questo tema negli ultimi giorni, infatti, molti fan dei due artisti, specialmente americani, hanno lamentato il fatto che le ultime fatiche di Drake e Beyoncé sembrino tagliate per essere apprezzate solo da un pubblico europeo, e che siano lontane anni luce dal sound hip hop e soul afroamericano che la loro fanbase si aspettava. Qualche tempo fa, le stesse critiche erano state mosse ad Azealia Banks, che dopo aver riportato in auge le sonorità house con il suo incredibile EP di debutto 1991, era stata accusata dai fan più ignoranti dell’hardcore hip hop di fare musica “per bianchi”.

Ma perché la credenza che la musica house sia una musica da bianchi è così largamente diffusa? Per capirlo dobbiamo fare un passo indietro.

Un giorno di luglio del 1979, durante una partita di baseball a Chicago, il conduttore radiofonico Steve Dahl, stanco del monopolio della disco music su tutti gli altri generi musicali, organizza un rogo nel bel mezzo del campo dove vengono bruciati migliaia di vinili di musica nera. Una protesta sfociata in una sommossa a sfondo razzista che avrà come conseguenza un crollo a picco della popolarità fino ad allora indiscutibile della dance music: da quel giorno, ricordato come “Disco Demolition Night”, da genere più popolare sulla scena la disco torna a essere un genere strettamente underground.

Solo pochi club frequentati esclusivamente da afroamericani continuano a suonarla e, tra questi, uno è proprio a Chicago e si chiama “Warehouse”: è dall’abbreviazione di questo termine che nascerà il nome “House” music. Il Warehouse era un locale gay prevalentemente frequentato da afroamericani e latini, dove si consumavano serate di danze sfrenate guidate da alcuni DJ dalle skills sopraffine, ognuno dei quali pescava le perle della disco ormai dimenticate e dal mixaggio di due tracce ne generava di totalmente nuove, accelerate, ritmate, loopate, spinte al limite delle loro possibilità ritmiche. La musica house e tutte le sue derivate (deep, garage, microhouse e chi più ne ha più ne metta), sono tutte figlie di queste incredibili serate e, dunque, di un’unica cultura: quella afroamericana.

Che poi siano i bianchi ad aver tratto profitto da un’arte di matrice nera (così come ha fatto il proprietario dell’unica pressa di vinili di Chicago e prima etichetta house al mondo, la Trax Records) quella è un’altra storia. Noi siamo qui per celebrare i nomi di chi questo genere lo ha regalato al mondo senza interessi. Siamo qui per ricordare i nomi di chi è rimasto nell’underground ma ha dato vita a uno stile musicale che ancora oggi muove le dancefloor di tutto il mondo. Siamo qui per farti sentire i 5 DJ afroamericani che, di fatto, hanno inventato la musica house.

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Break My Soul di Beyoncé è un tuffo nella deep house

Alessia Sciotto — Wed, 22 Jun 2022 10:42:43 +0000

Pensavamo che per sentire un po’ di deep house fatta con tutti i crismi avremmo dovuto continuare a passare le domeniche a sentire tutte le playlist anni ’90 a disposizione sulla nostra piattaforma di streaming preferita. E poi, a ribaltare il futuro, ancora una volta, è arrivata lei, Beyoncé, con il suo nuovo singolo Break My Soul.

Break My Soul è il coronamento di sei anni di attesa seguiti a Lemonade. Primo baluardo di Renaissance act.I, il nuovo disco annunciato per il vicinissimo 29 luglio, questo brano ricalca perfettamente una blueprint che, anche grazie all’avvento di TikTok, per la felicità di molti nostalgici degli anni ’90 ha finalmente ripreso il sopravvento nel panorama musicale. Già la settimana scorsa Drake, nonostante la sua familiarità già rodata con questo tipo di sonorità, ci aveva comunque sorpreso con le vibes da dancefloor di Honestly, Nevermind. Eppure, gli amanti della deep house della prima ora sanno bene che per fare la traccia perfetta bastano due ingredienti fondamentali: una cassa dritta e una voce soulful. E a Drake, che forse al momento dell’uscita del suo album era ancora inconsapevole di star gareggiando in una partita, in questo caso non resta che togliersi il cappello. Soprattutto perché questa partita è giocata non contro una, ma ben due persone: i credits di Break My Soul, infatti, riportano in bella vista il nome di Sean Carter, il cui tocco magico è percepibilissimo nella metrica rappata verso la metà del pezzo, quando quel sostenuto sulla parola “outside” non ci fa pensare ad altri che a Jay-Z.

C’è tanto del passato della house music in questo singolo, che omaggia i riff di Crystal Waters, il piano elettrico fittizio di Larry Heard e il groove di Robin S.

Ma nonostante questo gancio al passato per sonorità e intenzione, Renaissance – act. I si presenta già come un capitolo totalmente nuovo per Queen B. Dopo le complesse trame di coppia narrate in Lemonade, questo nuovo disco, che dal nome lascia presagire l’eventualità di una seconda parte, parla di un nuovo inizio che, a dire della stessa Bey, sarebbe partito proprio dalla questione pandemica: “With all the isolation and injustice over the past year, I think we are all ready to escape, travel, love and laugh again. I feel a renaissance emerging, and I want to be part of nurturing that escape in any way possible […]. Yes, the music is coming!” diceva ad Harper’s Bazaar già nell’agosto 2021. Non è un caso, dunque, che Beyoncé e il suo team abbiano deciso di rompere le fila delle uscite del venerdì e irrompere con Break My Soul proprio martedì 21 giugno, primo giorno d’estate.

Release ya anger, release ya mind

Release ya job, release the time

Release ya trade, release the stress

Release the love, forget the rest

Questo hook stratosferico, campionato da una traccia della queen del bounce Big Freedia (la quale aveva già collaborato con Bey in Formation nel 2016), ha reso il brano un vero e proprio inno che rende praticamente impossibile rimanere incollati alla sedia. E se il sacrificio richiesto per arrivare vivi al 29 luglio è quello di ascoltare Break My Soul a ruota a ogni ora del giorno, allora non siamo mai stati così contenti di sacrificarci.

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5 etichette che hanno ricostruito il repertorio della tropical music

Alessia Sciotto — Tue, 14 Jun 2022 08:54:39 +0000

Oggi abbiamo ripescato dai nostri archivi questo screenshot di una Instagram story del 2018 di Tyler, the Creator.

Per chi lo conosce, la cosa che colpisce meno è sicuramente che Tyler stia ascoltando N.E.R.D. A un occhio più attento, invece, la cosa che colpisce di più è la foto di background. Chi è questa donna? E da dove viene questo doppio ritratto? Una botta di Google Lens e il gioco è presto fatto.

L’immagine ritrae due gemelle che da qualche anno hanno finalmente riguadagnato il meritato successo e sono persino finite su Okayafrica e su The Fader: sono le Lijadu Sisters, musiciste nigeriane cugine di Fela Kuti.

Insomma, anche per Tyler è impossibile resistere al fascino della tropical music. Nel Bel Paese, dopo il breakout di Nuova Napoli dei Nu Genea, seguito a ruota dalle compilation di Napoli Segreta, è stato tutto un meraviglioso capitombolare di perle dal suono dimenticato e un avvicendarsi di mani dentro alle scatole dei mercatini più infrattati per rispolverare le gemme più preziose.

Se sei tra i coraggiosi diggers amatoriali che tengono al merito, allora forse ti toccherà rimboccarti le maniche e tornare a cercare. Se invece quello che stai cercando è un pezzone per il tuo prossimo DJ set, un paio di tracce fighe da passare alla cassa bluetooth quest’estate, o semplicemente un po’ di roba buona da sentire in cuffia mentre stai andando al mare, abbiamo quello che fa per te: ecco 5 etichette discografiche che, dal Brasile all’India, passando per la Nigeria e il Laos, hanno rispolverato e ridato voce ai migliori artisti tropical degli anni ’70 e ’80.

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19 anni di Frontin’, il debutto che ha cambiato la storia di Pharrell

Alessia Sciotto — Tue, 07 Jun 2022 10:58:41 +0000

È il lontanissimo 1999. Pharrell Williams e Chad Hugo, due produttori meglio noti come The Neptunes, firmano il remix di una traccia di Prince intitolata The Greatest Romance Ever Sold. Questo traguardo è qualcosa di incredibile per qualsiasi fan della prima ora di Prince, come Pharrell che, incoraggiato dall’approvazione del genio di Minneapolis, decidere di scrivere un brano tagliato su misura per lui e di proporglielo: “[per scriverlo] ho letteralmente fatto finta di essere lui”, ha detto. Eppure, nonostante lo sforzo, il tentativo non va a buon fine: “Penso avesse sentito le melodie, forse il ritornello… ma non era nelle sue corde. La risposta è stata proprio un no”.

Quel brano, che il 3 giugno di 19 anni fa avrebbe segnato il debutto ufficiale di Pharrell come cantante, sarebbe diventata una hit dal titolo Frontin’.

In una tanto interessante quanto lunga intervista a DrinkChamps, Pharrell ha sorpreso gli astanti raccontando che molte delle canzoni che hanno fatto la sua fortuna erano inizialmente destinate ad altre persone: dai pezzi scritti per Justified di Justin Timberlake, prontamente rifiutati da Michael Jackson, alla viralissima Happy, inizialmente pensata per Cee Lo Green. Alla luce di queste notizie, non solo diventa inevitabile sentire la voce di Prince su Frontin’ o quella di Michael su Senorita, ma si chiarisce anche il perché Skateboard P avesse inizialmente pensato a Frontin’ come a una meteora, a un episodio unico destinato a non ripetersi: il motivo è che non si è mai sentito un cantante.

In questa intervista riferita in occasione dell’uscita di In My Mind, il suo album di debutto del 2006, Pharrell ripercorreva la sua carriera raccontandosi univocamente come un producer che, per dare l’idea di un ritornello o di una strofa, si è ritrovato per caso a intonare delle strofe emulando lo stile dei suoi idoli. “Non penso di saper cantare, e nemmeno di saper rappare. Quello che faccio è semplicemente esprimermi”, diceva a Complex nel 2005. Eppure, il ritmo sincopato e princiano di Frontin’, ben lontano dall’essere una canzonetta passeggera, sarebbe diventato un’occasione di svolta generazionale. E nonostante la sua posizione così autocritica, Pharrell era ben consapevole di aver scritto un vero e proprio manifesto, che avrebbe portato anche i più scettici a leggere l’hip hop in una chiave lontana dalla Thug Life ancora così preminente negli anni 2000.

Il videoclip che aveva accompagnato il pezzo, con la partecipazione di una diciassettenne Lauren London (ex-moglie del compianto Nipsey Hussle) e di personaggi di spicco come Jay-Z e Lenny Kravitz, segnava ufficialmente l’inizio della stagione d’amore tra skateboarding e hip hop. L’enorme pedana allestita dentro una villa di Miami è diventata così iconica da essere omaggiata da Virgil Abloh nella sua mostra “Figures of Speech”del 2019.

“Frontin’” – Virgil Abloh, “Figures of Speech” – Institute of Contemporary Art/Boston. Foto di Mel Taing.

Lo stesso Abloh aveva riconosciuto di fronte ai microfoni di Complex l’impatto delle scelte stilistiche di Pharrell non solo sulla musica, ma sull’intera black culture negli anni 2000: “Il prototipo ai tempi era quello del criminale, o dell’atleta o del rapper. E poi è arrivato lui, con una nuova energia da producer, artista, individuo. Tutto questo mi ha messo davanti uno specchio – era proprio un nuovo prototipo, un nuovo sound. Molta della libertà che esprimo nella mia pratica artistica prende ispirazione dal suo modo di lanciarsi e rischiare”.

Non c’è abbastanza spazio, poi, per addentrarci sull’impatto ulteriore definito dal lancio del brand streetwear Billionaire Boys Club, avvenuto ufficialmente all’interno del videoclip con una scena ben studiata in cui viene mostrata una pila di t-shirts ben piegate. Con questo brand Pharrell spianava definitivamente la strada al rapporto tra skate e fashion, senza il quale molto probabilmente non avremmo mai avuto nessuna Golf Wang.

Frontin’ è stata la parte più visibile di un fenomeno che porta il nome di Pharrell, che è cominciato dal sodalizio con Chad Hugo e che è fiorito nell’hip hop, ma che è riuscito a superare tutti i limiti all’interno dei quali è cresciuto. Del resto, se il panorama pop oggi può vantare qualche contributo di qualità, è soprattutto grazie a un ragazzino che dopo il laboratorio di batteria a scuola, usciva a skateare con gli amici per liberare la mente e sognare un futuro migliore per lui e per il suo quartiere.

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3 anni di Apollo XXI, il morbido debutto di Steve Lacy

Alessia Sciotto — Tue, 24 May 2022 09:00:36 +0000

Una chitarra e un basso. Un busto vestito di uno stilosissimo completo color pesca dal taglio anni ’70. Ma soprattutto, una scultura di design del danese Verner Panton dal titolo Living Tower che si staglia morbida, sinuosa e minimalista su un limbo bianco. È con questa composizione immortalata dal fotografo Alan Lear che esattamente tre anni fa, a cavallo con il giorno del suo compleanno, Steve Lacy faceva il suo debutto ufficiale con il suo primo full lenght album dal titolo Apollo XXI.

Neanche a dirlo, 21 sono gli anni che Steve Lacy aveva al momento dell’uscita dell’album. A questo proposito, in un’intervista a GQ aveva detto: “I really wanted 21 in the name because this album felt like a coming of age to me. It represented everything that’s happened to me from 17 to 21. But I was like, I can’t just do the number 21 – that’s Adele. The word Apollo came into my head and something was telling me to look it up”.

Al momento dell’uscita di Apollo XXI, non era poi passato tantissimo tempo da quando, a 17 anni, Steve Lacy era uscito da Compton per entrare ufficialmente nei The Internet, con i quali aveva già passato due anni a scrivere Ego Death, che gli sarebbe valsa una prima candidatura ai Grammy. Da lì, non passa neanche un anno che nel 2018 Steve compone Pride, che andrà dritta sul quarto acclamatissimo album di Kendrick Lamar, DAMN.

In effetti sono tante le grandi tracce di grandi artisti che riportano il nome di Steve Lacy nei credits, come nel caso di Solange, J Cole, Denzel Curry e Goldlink. Ma su tutte, c’è una ragione ben precisa per cui Steve Lacy è diventato una leggenda, e cioè il fatto di aver composto la maggior parte dei suoi pezzi più celebri, compresa Pride e tutti i pezzi che compongono il suo EP Steve Lacy’s Demo, sul suo iPhone, come ha raccontato in diverse occasioni tra cui una TED Talk del 2017.

Chi si aspettava un progetto rivelatore dal primo prodotto solista di Steve Lacy è forse rimasto un po’ affamato dopo Apollo XXI. Senza background sull’artista e a un ascolto superficiale, le tracce potrebbero sembrare quasi delle demo non mixate, tutte una molto simile all’altra. La verità è che, se in Steve Lacy’s Demo il titolo dell’EP rispecchiava la qualità del suono, non era per mancanza di budget o di maturità artistica, ma per una ben precisa scelta stilistica che, in quanto tale, viene portata avanti dal membro più giovane dei The Internet anche su un progetto più strutturato e ufficiale come il suo disco di debutto. Anche qui, infatti, nonostante l’equipment impiegato vada ben oltre un semplice iPhone, la volontà rimane quella di trasmettere un suono acerbo, sincero e poco elaborato, in memoria dei tempi in cui Steve registrava nella camera vuota della sorella.

Non è un caso che, durante un’intervista a Wired, lo stesso Steve aveva definito il suo stile con la parola “plaid”: come per le migliori camicie da boscaiolo, infatti, nella sua musica il pattern è importante, non è basic e non è minimal; eppure, non collide con il resto, anzi nel complesso riesce a risultare semplice ma omogeneo e organico.

Apollo XXI, che a suo tempo si era guadagnato anche una nomination ai Grammy come Best Urban Contemporary Album, è stato il progetto che, per chi non lo conosceva, ha incorniciato definitivamente lo stile intenzionale e mai casuale di Steve Lacy e che, per chi lo conosceva già, ha confermato il fatto che per avere un’identità come artista, con o senza iPhone, devi comunque essere un genio.

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Mr. Morale & The Big Steppers: il primo vero film di Kendrick Lamar

Alessia Sciotto — Tue, 17 May 2022 10:01:49 +0000

All’inizio di Sherane, traccia di apertura del secondo album di Kendrick Lamar, good kid, m.A.A.d city, si sente qualcosa di strano: una videocassetta entra in un mangianastri e va in riproduzione. Un gruppo di persone comincia a pregare.

I receive Jesus to take control of my life / And that I may live for him from this day forth.

La copertina del disco, nella calligrafia di Schoolboy Q, recitava: “A short film by Kendrick Lamar”. Quel film, fatto di racconti così intimi e personali (dalla prima cotta raccontata in Sherane ai suoi idoli adolescenziali descritti in Black Boy Fly) in realtà non è mai finito, e ha viaggiato attraverso la teatralità di u in To Pimp A Butterfly e l’assurdità di storie come Duckworth in DAMN. per planare finalmente su un nuovo capitolo in due atti: Mr. Morale & The Big Steppers, uscito il 13 maggio per Top Dawg Entertainment.

A partire dalla copertina, sapientemente scattata dalla fotografa americana dominicana Renell Medrano, Kendrick non lascia spazio ad alcun dubbio: è lì, ritratto con la sua sacra famiglia, nell’atto di vivere, per usare le parole di Anthony Fantano, un vero e proprio “complesso del salvatore”.

“I am. All of us.” dichiarava poco prima di tornare al mondo con The Heart Part 5: come il messia, Kendrick è tutti noi, è l’Uomo. La storia che sta vivendo è solo sua, ma è universale, così come accade nelle migliori pellicole cinematografiche.

Provare a parafrasare e commentare gli avvenimenti raccontati nella cornice di questo doppio album non farebbe altro che viziarli, sporcarli di pochezza. Quel che si può dire è che la qualità e la complessità del blending tra lyrics e produzioni ci costringe a fruire del disco come un film o un libro. Certo, mai in nessun disco Kendrick ha mancato di raccontare delle storie. Durante un’intervista sulla narrazione di To Pimp A Butterfly e sulla distanza delle sue lyrics da quelle di tanti average rappers, Kenny aveva detto: “[venendo da Compton] avrei potuto benissimo alzarmi e dire ‘ho fatto questo, ho visto quello, ho ucciso quell’altro…’. Avrei potuto solo raccontare i fatti del mio quartiere. Ma quello non sono io. Io preferisco parlare della ‘mia’ realtà, capito? Preferisco parlare di qualcosa di più profondo, delle ragioni e dei problemi e delle soluzioni. Così quando senti quelle storie in good kid, m.A.A.d city, in To Pimp A Butterfly, è qualcosa di più di semplice musica”.

Chi cercava un album da macinare giorno e notte (forse tutti noi), sarà rimasto spiazzato da un disco così denso e complesso da riascoltare, percependo forse quello stesso scollamento che gli amatori dell’hip hop avevano provato all’avvento del conscious rap dopo anni di machismo, droga e sparatorie.

Una serie di domande sorgono spontanee:

Dov’è il fat beat?

È difficile parlare di beats su Kendrick già da DAMN. I producer che lo hanno sempre accompagnato, in particolare Sounwave e DJ Dahi, hanno seguito una crescita di gruppo in cui la vecchia scuola non è passata in secondo piano, anzi si è evoluta nella versione più cinematografica e spettacolare di sé stessa: non serve sottolineare il flusso teatrale di tracce come Mr. Morale per dire che MM&TBS non fa altro che seguire con groove il moto oscillatorio di tutte migliori colonne sonore dei nostri film preferiti, ma con un atteggiamento d’avanguardia fatto di strumentali scomposte, contaminazioni e interpolazioni di ogni sorta. Sarà un caso che We Cry Together riprenda in modo quasi pedissequo la lite tra Janet Jackson e Tupac nel film Poetic Justice?

Dov’è il pezzone?

Su DAMN. Kendrick aveva già preso una direzione ben precisa, lasciando però spazio a beats più spacca-collo, come quelli firmati da 9th Wonder e Mike WiLL Made-It. In MM&TBS, il concept è fluido, la narrativa frammentata ma così organica che qualsiasi elemento catchy rischierebbe di distogliere l’attenzione dal racconto, che in questo album più che mai è il fulcro del concept. Anche nei casi in cui, come in Silent Hill o Savior, sembra ci sia respiro per un po’ di bounce, basta un cut secco per riportarci alla realtà e rimetterci seduti ad ascoltare.

Dov’è il gospel?

Non solo con le parole, ma soprattutto con gli arrangiamenti Kendrick e i suoi cercano di contrastare i cliché. In questo senso, anche i cori sono un vessillo: non siamo nella chiesa battista di Kanye, non siamo affollati, abbracciati, arrabbiati. Spazio ampio, canoni gregoriani volutamente privati della personalità ed eco lontane e universali risuonano a sostegno della voce narrante, valorizzandola e tenendosi lontano dal servire scene stereotipate in cui l’ascoltatore possa cullarsi, e dunque distrarsi.

Per le domande più tecniche, come chi siano Mr. Morale & The Big Steppers abbiamo solo qualche insight. Su Twitter, ad esempio, sia Dave Free che Tanna Leone di pgLang si sono autoqualificati come “steppers”, ma è ancora troppo presto per mettere in piedi congetture da clickbait.

Forever grateful to be a Big Stepper ♠️

— Tanna (@TannaLeone) May 13, 2022

Lo stesso vale per il significato del tip tap intermittente lungo l’intera narrazione, o ancora il significato del nuovo moniker di Kendrick, che da qualche tempo ha cominciato a firmarsi Oklama.

Siamo ancora lontani dal comprendere totalmente Mr. Morale & The Big Steppers. Eppure è un corpo di lavoro tale che, se non porterà un altro Pulitzer alla voce di Compton, di certo basterà a noi per coprire gli anni che ci separano dalla prossima volta che il mondo parlerà di nuovo di lui.

Il figliol prodigo torna sempre a casa. E ancora una volta, Kendrick è tornato a Compton e prega i suoi di riprenderlo indietro. In fondo “Kendrick made you think about it but he’s not your savior”. Agli occhi di tutti può sembrare il messia. Ma in fondo è come noi, è “noi”.

E mentre tiene in braccio la sua bambina e Whitney allatta il suo secondogenito, l’uomo divino coronato di spine guarda con sospetto fuori dalla finestra mentre il calcio di una pistola sbuca infame dalla cinta dei suoi pantaloni.

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I 5 mixtape di esordio di Kendrick Lamar che forse non hai mai sentito

Alessia Sciotto — Tue, 10 May 2022 12:48:58 +0000

A conti fatti, solo tre giorni ci separano dall’arrivo del quinto capolavoro firmato da Kendrick Lamar.

Tre giorni durante i quali avremo modo di pensare e ripensare al videoclip di The Heart Part 5, che già ha fatto saltare tutti dalle poltrone, ma le cui dinamiche rimangono ancora avvolte in un alone misto di adorazione e incomprensione.

Tre giorni durante i quali avremo modo di sognare il concerto del 23 giugno a Milano, durante il quale ci saremmo aspettati di tutto tranne che di poter sentire un nuovo disco, che entro quella data di certo sapremo già a memoria.

Ma soprattutto, avremo modo di riflettere su un fatto: quanto effettivamente sappiamo di Kendrick Lamar per pronosticare qualcosa di attendibile sul nascituro Mr. Morale & The Big Steppers?

“Io lo seguo dai tempi di Section.80” dirà qualcuno, ed effettivamente sul primo album ufficiale del Re del Rap nuova scuola non si sgarra. Ma basta curiosare su qualsiasi streaming platform per assaporare il primo vero mixtape ufficiale di K-Dot, che portava il titolo Overly Dedicated, e vedeva una copertina da far rabbrividire qualunque designer e una tracklist ricca di gemme tra cui The Heart Part 2. Quest’ultima era la continuazione di un freestyle mai uscito ufficialmente che sarebbe diventato The Heart Part 1, accompagnato da un videoclip low budget che guardato con il senno di poi risulta incredibilmente commovente.

Quanto indietro possiamo guardare alla carriera di Kendrick? La risposta è: così tanto che per molti di noi sarà possibile ascoltare pezzi mai sentiti di K-Dot da qui al fatidico 13 maggio. Pensi di essere invincibile in fatto di discografia di Kendrick? Scoprilo sfogliando i 5 mixtape unreleased di esordio di Kendrick che, con qualche probabilità, non hai ancora ascoltato.

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Intervista a Rex Orange County, il nostro sad-boy preferito

Alessia Sciotto — Tue, 12 Apr 2022 09:53:53 +0000

Il mese scorso il nostro sad-boy preferito aka Rex Orange County è tornato con un nuovo album dal titolo WHO CARES?, regalandoci altro miele per le nostre orecchie dopo i precedenti zuccherini di Apricot Princess e Pony.
In questo nuovo lavoro il ragazzo triste della porta accanto è inevitabilmente cresciuto e ha arricchito la sua musica di nuove consapevolezze, pur restando ben ancorato alla sua maniera gentile di raccontare le cose e a quelle stesse sonorità per le quali l’abbiamo amato fin dal primo momento.

Finalmente abbiamo avuto l’occasione di scambiarci 4 chiacchiere e soddisfare qualche curiosità sul suo ultimo disco, sui suoi ascolti e anche sulle collaborazioni con Tyler, the Creator.

Let’s start from the most annoying, yet inevitable question: how has the pandemic affected your work on this new album? Either positively or negatively.
Honestly, I’m not sure the album would exist if it weren’t for the pandemic. I found myself pretty uninspired for most of the time in lockdown. Being stuck in one place really made me want to travel again and that’s what initially inspired the trip to Amsterdam where the album was created.

On your previews albums, from time to time we already had the chance to hear some great strings arrangements, but “WHO CARES?” seems to literally gravitate around the idea of orchestra. What’s the meaning behind the strong presence of strings on this new album?
I remember hearing Benny Sing chop up string parts and rearranging them in a way I would have never thought to. I love strings and orchestral music so much and I suppose I was just trying to fuse that into my love of pop music, programmed drums, electronic instruments… the strings were definitely a big part of the creation of each song.

How has your way of working with Tyler, The Creator changed over these years between Flower Boy and “WHO CARES?” ?
It was different in the sense that we did something for each other… in 2016 he has his vision for me to be on those songs for Flower Boy, 5 years later I had the vision to have him on that particular song… I think we just trust each other and we’ve definitely both changed a lot since we first worked together.

What music have you been listening to while composing the album?
In all honesty, i wasn’t listening to a lot around the time of making the album. Before and after going to the studio, my friend Joe who played bass on most of the album would show me stuff that I didn’t know and I would show him stuff that he didn’t know. I’m sure that played into it somehow.

Your music is often described as bedroom pop with dreamy vibes and peaceful melodies. Do you still feel comfortable with this description? How did your music evolve during the time?
I feel like people describe it in all types of ways and it’s kinda out of my hands… It’s really up for individual interpretation and I don’t mind how it’s described… I find it hard to explain it to someone if they ask so I’d rather leave it up to the listener.

What do you hope listeners take away from “WHO CARES?”
I don’t mind… I hope they enjoy it and if they don’t that’s fine too.

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Geography: 4 anni fa Tom Misch ci dava quello che volevamo

Alessia Sciotto — Tue, 05 Apr 2022 08:42:03 +0000

Sin dai tempi in cui era producer-presso-sé-stesso su SoundCloud, avevamo inquadrato Tom Misch come uno da tenere d’occhio. Per 6 lunghi anni non ha fatto altro che sfornare quelli che secondo la denominazione da lui attribuita erano dei semplici tapes, fino a quando, il 6 aprile 2018, l’allora ventiduenne astro nascente non ci ha dato qualcosa che nemmeno noi sapevamo di volere: un vero e proprio album di debutto intitolato Geography.

La sfilza di 13 tracce, prodotte prevalentemente nel suo studio casalingo e rilasciate in modo indipendente sotto la sua etichetta Beyond The Groove, presenta un blend perfetto tra pezzi cantati e strumentali autoprodotte che ricordano solo lontanamente il passato da beatmaker di Tom Misch. Quattro anni prima dell’uscita di Geography, in un’intervista del 2014, a chi gli chiedeva se prima o poi avrebbe voluto suonare live, Tom rispondeva: “Mi piacerebbe mettere insieme una band, ma il fatto è che con le mie produzioni posso avere sempre tutto sotto controllo, mentre quando sei in una band… non sono ancora abituato al fatto che il bassista possa essere un individuo con una mente propria che fa quello che vuole! Però mi piacerebbe suonare con un batterista forte, o un bassista forte… e voglio continuare a cantare sulla mia roba perché penso sia questo che rende la mia musica accessibile a più persone”.

Su bassista e batterista possiamo ben dire che di lì a poco avrebbe cambiato idea, dopo aver provato a suonare con mostri come Rocco Palladino (figlio del più celebre Pino) e Yussef Dayes, che in realtà vediamo già nel video di It Runs Through Me. In questo disco, però, le collaborazioni più altisonanti sono prevalentemente delle voci, la cui scelta denota già una grande intenzione di crescita rispetto ai lavori precedenti. Beat Tape vol.2, ad esempio, vedeva la partecipazione di artisti inglesi di livello, tra cui Loyle Carner, Alfa Mist e Jordan Rakei (inglese d’adozione). Con Geography, invece, Tom Misch esula dai confini nazionali per andare a cercare i nomi a stelle e strisce di De La Soul e GoldLink, nomi che spingono ma che non fanno altro che impreziosire un disco di per sé già estremamente variegato, complesso e completo.

In Geography non è mancato praticamente nulla di ciò che desideravamo sentire dopo aver amato gli EP e i tapes che lo hanno preceduto, anzi. Le tracce oscillano tra il soul slow-jam di Movie e l’hip hop di Water Baby, passando attraverso bassoni funk, ritmati riff bossa, romantiche melodie folk e altre mille sfumature dei mood più disparati.

Sapevamo già che con il suo album di debutto Tom Misch non ci avrebbe deluso, ma quello che non ci aspettavamo da Geography era che ci avrebbe regalato quello che volevamo e anche quello che non sapevamo di volere.

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I 5 producer tags più assurdi della scena hip-hop

Alessia Sciotto — Tue, 29 Mar 2022 14:15:16 +0000

Così come nei progetti strumentali non esiste voce senza band, nel panorama hip-hop la one-man-band che si occupa di tutto ciò che riguarda melodia, ritmo e groove è da sempre il producer. Siamo troppo (e male) abituati a pensare superficialmente che il frontman sia sempre l’autore principale delle canzoni che ascoltiamo, ma la verità è ben diversa e il modo per scoprirla è sempre e solo uno: Spotify > Tasto destro > Mostra riconoscimenti ed è un attimo che vengono fuori tutti gli altarini.

Apriremo anche il capitolo su quante menti stanno dietro a una canzone, “ma non è questo il giorno”. Il punto è che nel panorama underground i producer hanno sempre ricevuto i props che si meritavano. Ma quando l’hip-hop ha cominciato a diventare un genere commerciale, i producer si sono dovuti inventare un trick per marcare il territorio e soprattutto evitare che qualcuno rubasse i loro beat. Questo trick si chiama producer tag.

Posizionato generalmente all’inizio dei pezzi, il producer tag è un suono, una frase identificativa o anche semplicemente il nome del producer piazzato lì come una firma utile a chi ascolta per capire da quale sacco è uscita la farina che sta ascoltando. Non si sa chi sia stato il primo a utilizzare questo genere di watermark, ma quel ché è certo è che rispetto agli inizi, il producer tag si è trasformato da uno strumento di necessità a un momento topico e spesso irrinunciabile di molte composizioni hip hop, trap e urban.

Forse non hai mai sentito parlare di queste strane firme musicali, ma ci mettiamo la mano sul fuoco che ne conosci alcune anche tu. E se così non fosse, da bravi panettieri siamo andati a rovistare nei sacchi dei nostri producer preferiti per farti sentire 5 dei producer tags più assurdi della scena hip-hop.

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MOTOMAMI: la rombante ascesa di ROSALÍA

Alessia Sciotto — Tue, 22 Mar 2022 11:24:15 +0000

Lo scorso dicembre eravamo saltati in aria perché nell’ultima espansione di GTA dal titolo “The Contract” era uscito un singolo originale di Anderson .Paak ft. Dr Dre e Snoop Dogg che ci aveva fatto sognare. Ma pochi sapevano che la stessa espansione conteneva una nuova stazione radio chiamata Motomami Los Santos, dove finalmente, dopo 4 anni di attesa, Rosalía tornava con un nuovo album, MOTOMAMI.

Da quando Rosalía ci ha fulminato con El Mal Querer nel 2018, non aspettavamo altro che questo nuovo album per ripassare il percorso surreale che nel giro di qualche anno l’ha portata da matricola delle cuevas spagnole a essere un’icona pop senza pari. Era difficile uscire indenni da un progetto raffinato come quello che ha portato Rosalía alla fama internazionale. Inizialmente l’approccio radicale e aggressive di questo nuovo progetto poteva spaventare i più deboli di cuore, ma per nostra fortuna Rosalía non ha lasciato indietro nulla di quello che ha costruito, anzi. Se in El Mal Querer il focus ruotava attorno a un concept totalizzante per simbologia e valore culturale, MOTOMAMI è un lavoro più ampio, in cui l’artista trova finalmente spazio per parlare di sé, tra collaborazioni più commerciali e melodie della tradizione gitana, in un continuo oscillare tra electro e acoustic.

Salta in sella al Kawasaki e viaggia con noi in un track-by-track delle 16 tracce di questa bomba dal titolo MOTOMAMI.

SAOKO

“Yo me transformo” è lo statement di una Rosalía che non vuole accomodarsi su un unico genere musicale. In un’intervista a Genius ha detto: “Quando sono entrata in studio volevo che questa traccia fosse un omaggio a un grande classico del reggaeton, Saoco di Wisin ft. Daddy Yankee, ma con qualche dettaglio di jazz”.

CANDY

Dopo la scossa iniziale di SAOKO, torna quella voce pura e centrale come siamo abituati a sentirla, con un riferimento melodico esplicito ad Archangel di Burial adagiato su un letto ovattato di ritmica reggaeton.

LA FAMA

Questa baciata con The Weeknd ci ha ricatapultato nel 2003, quando era impossibile togliersi Obsession degli Aventura dalla testa. E forse anche per questo ci siamo chiesti perché Rosalía non abbia chiamato Romeo Santos per questo pezzo, visto che li avevamo già visti sul palco insieme proprio in una versione live di Obsession.

BULERÍAS

“Que Dios bendiga a Pastori y Mercè / A la Lil’ Kim, a Tego y a M.I.A”. In balìa di un ping-pong continuo tra flamenco e pop, qui riapriamo l’album dei ricordi con un bellissimo richiamo stilistico a Que No Salga La Luna (cap.2 Boda) di El Mal Querer. Unica differenza: il testo è puramente autoreferenziale, coerente con il resto e animato dall’uso dell’autotune.

CHICKEN TERYAKI

Al quotidiano spagnolo El País, Rosalía ha raccontato di essersi basata su un’estetica kawaii in contrasto con la durezza di alcune delle lyrics. Non sorprende che la canzone sia stata lanciata con degli snippets su TikTok, visto che il videoclip richiama esplicitamente formati video 9:16 e le brevi coreografie tipiche della piattaforma.

HENTAI

Le produzioni sognanti di N.E.R.D. accompagnano questo pezzo in cui una melodia da ninna nanna culla l’erotismo e la sensualità delle lyrics: “La mia intenzione era quella di scrivere una melodia in stile Disney, ma abbinarla a un testo super-esplicito. Quando ho detto a Pharrell che volevo fare un pezzo così, lui ha cominciato a suonare e da lì entrambi abbiamo improvvisato la melodia”.

BIZCOCHITO

POV: sei sulle giostre durante una fiera in cui ti diverti da matti. Hai già provato tutti i giochi possibili e non hai intenzione di scendere dal tagadà. Hai speso l’intera paghetta e tornerai a casa con un orsacchiotto. Sei felice.

G3 N15

La traccia forse più genuina di tutto il disco, praticamente un’ode religiosa accompagnata dall’organo sacrosanto di Cory Henry. L’outro è un messaggio vocale in catalano che la nonna di Rosalía le aveva mandato durante la prima ondata di pandemia nel 2020.

MOTOMAMI

Un minuto di groove con un bassone e dei voicings così topici che non serve nemmeno aprire i riconoscimenti del brano per farci sapere che sono scritti da Pharrell Williams.

DIABLO

Tra pop sperimentale e reggaeton, la qualità di questa traccia prodotta da El Guincho tocca il cielo sia per la linea vocale di Rosalía, sempre impeccabile anche sui registri altissimi, e gli additional vocals di James Blake.

DELIRIO DE GRANDEZA

Questa traccia è una cover di una celebre canzone cubana del 1968 di di Justo Betancourt. I riconoscimenti vogliono Rosalía non solo al microfono, ma anche alle percussioni e alle tastiere.

CUUUUuuuuuute

Traccia fortemente influenzata dalla collaborazione con Arca (con la quale per altro ha condiviso l’hosting di radio Motomami Los Santos). Le prime versioni leackate di questa canzone vedevano il nome di Frank Ocean, che purtroppo nella versione ufficiale non è mai comparso.

COMO UN G

La dreamy track con cui Rosalía e James Blake esaudiscono i desideri di chi stava in ginocchio dai tempi di Barefoot in the Park.

Abcdefg

Altro minuto delirante in cui Rosalía recita il suo personale alfabeto. Tra il parlato e il cantato per noi non c’è differenza, il livello di ipnosi è praticamente lo stesso.

LA COMBI VERSACE

Riecco la rapper Tokischa, la rapper dominicana con cui Rosalía aveva collaborato in Linda. Le due artiste si erano conosciute tramite Instagram e avevano registrato la loro prima traccia insieme dopo aver passato mesi a spassarsela tra i club, le strade e la vita nella República Dominicana.

SAKURA

Un brano che sembrerebbe registrato in uno stadio, che Rosalía ha commentato a El País dicendo: “Sakura sono i fiori di ciliegio, un fiore che mi incanta e che trovo meraviglioso, ma che dura molto poco, e in alcuni momenti, alcune situazioni della vita sono proprio così”.

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WHO CARES? Se anche Rex Orange County fosse un sad-boy

Alessia Sciotto — Tue, 15 Mar 2022 08:46:57 +0000

A distanza di tre anni dall’uscita di Pony, Rex Orange County risponde a chi continua a etichettarlo come un sad-boy-next-door con un nuovo disco dal titolo eloquente: WHO CARES?

Avevamo conosciuto Rex Orange County tanti anni fa, nel lontano 2017, quando eravamo rimasti folgorati dalla purezza e dalla grazia di Apricot Princess, e dopo che Tyler, The Creator lo aveva introdotto al pubblico mainstream collaborando con lui su ben due tracce di Flower Boy, tra cui l’immensa Boredom.

WHO CARES? vede la luce nel 2020 quando, dopo aver trascorso la quarantena in Gran Bretagna, ROC si reca in Olanda da Benny Sings, con il quale aveva già lavorato nel 2017 a Loving is Easy. Dopo qualche session, in meno di due settimane il disco è già plasmato, e segna una linea di demarcazione importante nella maturità stilistica di Alex O’Connor: gli arrangiamenti sono essenziali ma mai banali, e l’impiego degli archi fa quasi pensare che l’elemento orchestrale abbia qualche significato nascosto per ROC, visto che nei dischi precedenti ne aveva fatto un uso molto moderato e occasionale.

Ma la caratteristica più apprezzabile nell’identità di questo progetto è che la maturità non ha cancellato nulla dell’essenziale personaggio di Rex.
Sin dagli inizi, la sua musica è stata definita “bedroom pop with dreamy vibes and peaceful melodies“, descrizione che testate impolverate come il Guardian hanno usato con accezione negativa anche per il nuovo disco, aggiungendo addirittura dell’altro: “his lyrics frequently resemble too-much-information social media posts arranged into rhyming couplets and verses“. Per fortuna le parole ammuffite dei critici non hanno minimamente smorzato l’entusiasmo e la sincerità di ROC, che in canzoni come ONE IN A MILLION o AMAZING torna a parlare di amori semplici, a volte un po’ sofferti ma che valgono la pena di essere vissuti, con un tasso di relatability davvero alle stelle per chiunque.

In un mondo in cui per alcuni qualità è sinonimo di orpello e quantità, Rex si lascia difendere dal primo drittissimo singolo, dal titolo OPEN A WINDOW, per il quale è tornato al fianco di Tyler, The Creator a raccontare un momento di claustrofobia plausibilmente legato alla grossa rottura con Thea, la ragazza che aveva ispirato Apricot Princess e che Alex ci aveva presentato in occasione del suo primo viaggio a New York ripreso da The Fader in questo mini-documentario.

Insomma, non sappiamo se la metà artistica di Alex O’Connor si rispecchi ancora nella descrizione di “cantante della porta accanto” anche dopo l’uscita di WHO CARES?.

Quello che sappiamo è che, anche se Rex Orange County fosse un sad-boy, è di certo un sad-boy maturo e consapevole di esserlo. E a noi piace da morire così com’è.

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jeen-yuhs: una lezione di vita per noi e per Kanye West

Alessia Sciotto — Sat, 05 Mar 2022 14:43:14 +0000

“Prima di comprare una macchina, prendevo la metro e nel frattempo provavo il mio discorso dei Grammys”.

Se jeen-yuhs fosse stato un libro di aforismi di Kanye West, probabilmente la pagina che riporta questa cit. sarebbe una di quelle a cui faresti un grande orecchio, e che andresti a riprendere quando la vita sembra remarti contro in ogni cosa.

Tra l’uscita di Donda 2 su Stem Player, il nuovo videoclip di Eazy oltre il limite del controverso e la baraonda di contenuti convulsamente postati e poi cancellati che hanno coinvolto praticamente tutte le persone a lui care (da Kid Cudi all’ex moglie Kim Kardashian), questo era forse il momento in cui avevamo più bisogno di un po’ di background per schiarirci le idee su Kanye West. Per fortuna ci ha pensato il regista Clarence Simmons Jr., metà dell’immensa coppia creativa di registi meglio nota come Coodie & Chike, che al di fuori del giro di Ye ha diretto videoclip per artisti del calibro di Mos Def, Erykah Badu, Common e Gil Scott-Heron.

Di tutti gli innumerevoli documentari sulle vite di artisti che abbiamo già visto, forse non ne è mai esistito uno la cui intenzione partisse quando l’artista non era ancora un artista. “In tanti si vantano di ciò che hanno, uno ha questo, uno ha quest’altro… ma la gente non capisce che io non ci sono ancora arrivato. Forse sto vivendo il vostro sogno americano, ma sono ancora ben lontano dal vivere il mio”. Sembrano le parole di un pazzo, se si pensa che poco tempo prima Kanye aveva già prodotto metà di The Blueprint di Jay-Z. Eppure, chi ha già visto anche solo la prima delle tre parti della trilogia, sa bene che, nonostante non manchi mai di rinnovare la sua gratitudine per occasioni di quel calibro, l’obiettivo di Kanye era ben lontano dal farsi notare come producer.

Per i corridoi dei diversi studi e delle diverse case discografiche che passano sullo schermo nella prima parte di jeen-yuhs, non si contano i rapper (alcuni dei quali oggi a malapena conosciuti) che con atteggiamento paternalistico prendono Kanye sottobraccio e guardando in camera lo etichettano come “the best producer in the mf game”. Non si contano le orecchie indifferenti a demo come All Falls Down o Jesus Walks, pezzi che oggi ci fanno tremare le ginocchia e che allora non erano nient’altro che dei cd masterizzati ed etichettati a penna. Ma quando le tue barre hanno l’approvazione di Pharrell, o di Mos Def & Talib Kweli esiste davvero qualcosa in grado fermarti dall’inseguire un sogno?

Un’altra componente emerge in modo prepotente dal documentario: il rapporto con Donda. Fino a qualche tempo fa la madre di Ye era per noi una sorta di entità, qualcuno di cui avevamo già sentito parlare e che ci sembrava di conoscere. Avevamo già parlato di questo rapporto in occasione dell’uscita di Donda, ma incontrarla di persona in questo documentario e vedere Kanye ascoltarla, chiederle consigli e adorarla come una divinità, rende finalmente chiaro come sia stata la perdita della sua migliore amica, in combinazione con la gestione di una fama incontrollabile, a portare al brutale passaggio dall’Old Kanye al New Kanye.

Il terzo e ultimo episodio della trilogia in questo senso riesce ancora a raccontare molto, nonostante la mancanza quasi completa di footage originale provocata dalla brusca separazione che a un certo punto la fama improvvisa aveva causato tra Coodie e Kanye. La ricongiunzione finale tra i due offre comunque del materiale interessante, perché è qui che Ye scombina ancora una volta le carte in tavola con una serie di statements pubblici e di azioni (tra cui lo schieramento con Donald Trump) che trasformano in un pugno di sabbia l’intero quadro completo che pensavamo di aver costruito fino a un’ora prima della fine del documentario.

In tutto questo, però, una risposta davvero esaustiva Kanye ce l’ha data quando a Hollywood, subito dopo la conclusione della première del documentario, Coodie lo ha chiamato sul palco per ringraziarlo e per chiedergli “per favore” di dire due parole di commento al progetto che li aveva visti, volenti o nolenti, coinvolti per circa 21 anni.

In risposta alla richiesta dell’amico di una vita, incappucciato e con voce sommessa, Ye sussurra al microfono: “Quando mi vedete fare delle cose inaspettate e vorreste che mi facessi indietro come uno qualunque, quella non è la mia posizione. La mia posizione è fare tutto ciò che voi considerate come errori in pubblico, per dimostrarvi che non esiste nessun confine, nessun muro [tra me e voi]. Time is now“.

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3 anni fa Solange tornava alle origini con When I Get Home

Alessia Sciotto — Tue, 01 Mar 2022 09:06:45 +0000

Quando pensavamo che sarebbero passati millenni prima di riavere un lavoro all’altezza di A Seat At The Table, il 26 febbraio 2019 Solange tornava a farsi sentire con alcuni indizi che avrebbero portato, 3 giorni dopo, all’uscita della sua personalissima ode a Houston, Texas: When I Get Home.

L’uscita del disco era stata anticipata da Solange quando, su Twitter, ci avvisava di aver aperto una pagina su Black Planet, un social network pensato principalmente per connettere la comunità afroamericana. Lì, senza spiegare troppo, aveva pubblicato una serie di gif che la ritraevano nel bel mezzo di un set. Avevamo già conosciuto la sua stylist taiwanese-vietnamita Kyle Luu quando aveva curato il look di Solange ai MET Gala del 2017, e nelle immagini pubblicate da Solange lo styling futuristico, ma in qualche modo sempre ispirato al costume texano, suggeriva la sua partecipazione a qualcosa di grosso.

https://twitter.com/solangeknowles/status/1100463163051528195?ref_src=twsrc%5Etfw%7Ctwcamp%5Etweetembed%7Ctwterm%5E1100463163051528195%7Ctwgr%5E%7Ctwcon%5Es1_&ref_url=https%3A%2F%2Fvariety.com%2F2019%2Fmusic%2Fnews%2Fsolange-drops-new-teaser-video-album-coming-soon-1203151891%2F

Con When I Get Home, Solange ci ha messo di fronte al fatto che, quando pensiamo di sapere quale sia il lavoro più significativo per un artista, spesso non è quello che ci aspettiamo. Infatti, la caratura di A Seat At The Table e ciò che ha rappresentato in termini di rinascita per Solange come artista concettuale oltre che musicale, ci avrebbe completamente fuorviato se non fosse stato per un post Instagram pubblicato dall’artista in occasione del secondo anniversario del disco, in cui raccontava: “Quando ho cominciato a lavorare a When I Get Home stavo praticamente lottando per la mia vita… via vai dagli ospedali, con una salute compromessa e lo spirito a terra, chiedevo a Dio di mandarmi un segnale, ma se mi avesse permesso di restare viva sarei entrata nella [sua] luce, qualsiasi cosa questo volesse dire. Così ha cominciato a parlarmi”.

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“Il progetto che mi ha letteralmente cambiato la vita”, così lo ha definito. Un progetto in cui, per usare le sue stesse parole, Solange ha preferito lasciare respiro a ciò che sentiva, piuttosto che a ciò che sentiva di dover dire. E in questo ritorno a casa non c’è spazio per troppa introspezione: le vibes cosmiche fanno la riverenza alla tradizione di Houston e dominano la scena, impreziosita dall’intervento di producer di punta, alcuni legati a Solange da un rapporto di profonda amicizia, come nel caso di Tyler, The Creator, Earl Sweatshirt, Sampha e Pharrell. A coronare il tutto, il film omonimo diretto da lei e dal marito Alan Ferguson serve un videoclip a tutte e 19 le tracce del disco, rimarcando l’identità di un concept album che ruota intorno “all’esplorazione delle origini”.

Sebbene WIGH rimanga un lavoro con delle aspirazioni totalmente diverse da quelle del disco che lo ha preceduto, non c’è mai troppa leggerezza nella mano creativa di Solange che, come affermato dal suo team in uno statement ufficiale, ha strutturato l’intero progetto intorno a una domanda: “Quanto di noi siamo disposti a portare e quanto ad abbandonare nel nostro processo di evoluzione”?

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Things Fall Apart dei The Roots è una denuncia che non invecchia

Alessia Sciotto — Tue, 22 Feb 2022 11:14:08 +0000

Turning and turning in the widening gyre
The falcon cannot hear the falconer;
Things fall apart; the centre cannot hold;

“Guardandosi intorno / il falcone non può percepire il falconiere; / Il mondo crolla; il centro non resiste”.

Con questa immagine evangelica, nel lontano 1919 il poeta irlandese W. B. Yeats esprimeva la sua preoccupazione nei confronti della devastazione della Prima Guerra Mondiale.

La stessa preoccupazione che, 40 anni dopo, dava il titolo a quello che sarebbe diventato uno dei pilastri della letteratura africana del XX secolo: Things Fall Apart dello scrittore nigeriano Chinua Achebe. In questo racconto, che ha oggi in Africa il valore scolastico di un Dante, Achebe dipinge una chiara immagine del sovvertimento dei valori spirituali e sociali della Nigeria determinato dalla funesta colonizzazione britannica. Per la prima volta, nel 1958, la tragedia coloniale non passa più dalla bocca dei bianchi, ma viene raccontata da chi fino a quel momento aveva dovuto tenerla ben chiusa mentre si vedeva privare della propria identità.

Altri 40 anni dopo, a Philadelphia, succede qualcosa di simile: The Roots decidono di schierarsi definitivamente con la scuola del conscious rap, affinché le piaghe sociali della comunità nera non passino più solo dalle bocche patinate e dalle lyrics nude e crude dei grossi rapper di strada, ma anche da quelle di chi fino a quel momento aveva sofferto tragedie diverse dalle sparatorie di strada, ma ugualmente meritevoli di attenzione. È così che, contrariamente alle aspettative della loro fanbase, nel 1999 i The Roots tornano sulla scena con Things Fall Apart.

“Come abbiamo fatto a vincere un Grammy non lo saprò mai, è uno dei più grandi misteri della vita” ha detto Questlove in merito alla risposta positiva ricevuta dall’album. Di certo, dopo l’uscita di capolavori come The Miseducation of Lauryn Hill e Aquemini degli Outkast, i tempi erano maturi per portare avanti la scia di una critica sociale che avesse una voce autonoma rispetto al Gangsta Rap. In un momento in cui i tabloid sono intasati dall’euforia per un 2000 all’insegna dell’ipertecnologia e della digitalizzazione, The Roots alzano la mano tra la folla per ricordare che nessuna connessione a internet potrà risolvere i problemi della comunità afroamericana, men che meno quelli del terzo mondo. E in questo senso risulta eloquente la scelta (antesignana di qualsiasi Tyler, The Creator) di proporre ben sei copertine diverse, a richiamo delle priorità dell’agenda globale tutte ancora da risolvere.

Pezzi come “You Got Me“, originariamente scritto da Jill Scott e poi consegnato nelle mani di Erykah Badu, dimostrano che ci si può preoccupare per la propria donna anche lontano dalle risse dei club. Che si può grandemente omaggiare il boom bap e far dondolare le teste anche riproducendo i samples in strumentale, senza bisogno di campionarli. E che rischiare in tutto e per tutto la fanbase old school costruita con Illadelph Halflife era un piccolo passo per i The Roots, ma un grande passo per l’umanità.

Il fatto che senza Things Fall Apart non sarebbe esistita la cascata di diamanti firmata Soulquarians, insieme alla più rilevante e raccapricciante sensazione di contemporaneità che si prova ad osservare le cinque copertine, ci fa pensare che la denuncia firmata The Roots 1999 è un riferimento musicale e culturale che non invecchierà mai.

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Alessia Sciotto – Dance Like Shaquille O'Neal

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