Ci sono dischi che sembrano arrivare da un luogo specifico, ed altri che invece provengono da un altrove difficile da decifrare geograficamente.

Portoluna, il nuovo album di Adriano uscito il 25 settembre per peermusic ITALY, ha il passo di certi racconti ascoltati per caso, tra una strada di Catania e una notte che si allunga più del previsto. Le sue canzoni raccolgono voci, facce, malinconie, racconti primordiali che disegnano una Sicilia lontana dalle immagini da cartolina, dove il quotidiano può prendere una piega surreale e la tragedia, a volte, finisce per strappare un sorriso.

La musica segue questo teatro di personaggi come se fosse lei stessa l’aedo predisposto a narrarli: accompagna le loro vicende attraverso trame acustiche, ritmi sinuosi, deviazioni funky, blues e bossa nova.

Per entrare meglio nell’altrove colorato di Adriano, abbiamo chiesto all’artista di traghettarci attraverso i dischi che lo hanno formato.

Questi sono i dischi che più hanno arricchito e variegato il mio modo di scrivere e pensare la musica.

Freak — Samuele Bersani

Un disco che amo fin da quando ero bambino, pieno di immagini, metafore e giochi di parole che ti trasportano in un mondo nostalgico, quasi cinematografico.
Il modo in cui scrive Samuele Bersani mi ha sempre affascinato: è come se facesse rimbalzare le parole come un pallone. In alcuni brani ci sento un’atmosfera circense che in qualche modo sento appartenere anche a Eremita.

Comedown Machine — The Strokes

Forse questo è uno degli album meno apprezzati degli Strokes, ma per me resta uno dei più belli. Sono innamorato degli Strokes fin da quando avevo 16 anni.
C’è una malinconia di fondo nelle linee vocali di Julian Casablancas, nella sua voce distorta, nelle chitarre minimali e nella composizione dei brani in generale, che mi ha sempre colpito. Mi sono ispirato tanto a loro per diverse canzoni che ho scritto, ma soprattutto nella scrittura di Viaggiatore.

Italiani Mambo — Sergio Caputo

La poetica e la fantasia di Sergio Caputo, in questo album e in Un Sabato Italiano, per me non hanno eguali. Le storie che racconta sembrano appartenere a un’altra epoca. La sua ironia è la cosa che più mi ha affascinato della sua scrittura fin dal primo ascolto. È una scrittura che riesce a raccontare di situazioni quotidiane trasformandole in qualcosa di quasi surreale con un’accurata descrizione e attenzione ai piccoli dettagli.

Demon Days — Gorillaz

Ricordo di avere guardato il video di Feel Good Inc. almeno una volta al giorno per tutto il 2005. Ero innamorato dell’estetica dei Gorillaz, era la prima volta che vedevo una cosa del genere su MTV.
Questo disco, oltre a essere uno dei motivi principali per cui ho deciso di voler unire musica e illustrazione, è per me un capolavoro assoluto. Mi ha colpito molto l’idea di costruire un universo intorno alla musica, dove i personaggi, le immagini e le canzoni fanno parte della stessa storia.

Fabio Concato (1984) — Fabio Concato

Ho sempre trovato la musica di Concato “gentile” e vicina al modo in cui anche a me piace esprimermi. Nella sua scrittura c’è una leggerezza e una poetica disarmante che ti fa sognare.
Mi piace molto il suo modo di raccontare le piccole cose, le relazioni, la quotidianità, senza avere bisogno di renderle più grandi di quello che sono. C’è una delicatezza non scontata e secondo me è molto difficile riuscire a dire cose profonde con così tanta naturalezza.

L'articolo 5 dischi per entrare nel “Portoluna” di Adriano proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

All’inizio doveva essere una storia d’amore.
Un uomo viaggia per il mondo inseguendo una donna, ma arriva sempre troppo tardi: quando raggiunge una città, lei è già partita per la successiva.
Robbie Chater raccontava questa idea a Pitchfork nel 2001, pochi mesi dopo che Since I Left You, il primo album di The Avalanches, aveva cominciato a circolare fuori dall’Australia. Il gruppo aveva accumulato dischi da ogni parte del mondo e voleva usarli per raccontare quel viaggio. Poi aveva lasciato perdere la trama. Niente personaggi, niente storia riconoscibile: qualcosa di quell’idea, però, sarebbe rimasto nella musica.

Pubblicato nel novembre del 2000, Since I Left You è un album di diciotto tracce costruito quasi interamente con registrazioni altrui: soul, disco, pop, colonne sonore, vecchi sketch comici, frammenti di dialoghi. Le canzoni si susseguono senza quasi mai fermarsi, le voci appaiono e scompaiono, una melodia può riemergere dopo diversi minuti. È un disco pienissimo, eppure leggerissimo all’ascolto: un’ora di musica che sembra una festa alla quale continuano ad arrivare persone.

Il punto è che il gruppo non pensava di aver fatto un disco da festa. Voleva un grande album pop, ma lo immaginava malinconico, un’avventura sentimentale. Fu il pubblico a sentirci soprattutto l’euforia, i ritmi da ballare, l’allegria delle melodie, e Chater stesso se ne stupiva. Basta però tornare alla title track per capire che le due cose non si escludono: è una canzone solare, quasi spensierata, eppure attraversata da una malinconia sottile.

A Melbourne, nella seconda metà degli anni Novanta, Robbie Chater e Darren Seltmann avevano cominciato a lavorare con campionatori e vecchi vinili, curiosi di capire cosa potesse nascere smontando registrazioni esistenti. Attorno a loro si era formato un gruppo che comprendeva anche Tony Di Blasi e il turntablist Dexter Fabay. Per Since I Left You passarono anni ad ascoltare dischi, selezionare frammenti e provare combinazioni, senza una grande struttura produttiva alle spalle né particolari aspettative commerciali.

La cifra che accompagna da sempre il disco è 3.500: tanti sarebbero i campionamenti utilizzati. Nessuno, però, li ha mai contati davvero. Le sessioni erano disordinate e i materiali venivano spesso salvati senza indicazioni sulla provenienza. Dexter spiegò a Pitchfork che nessuno nel gruppo immaginava che così tante persone avrebbero ascoltato il risultato. Quando l’album cominciò a farsi notare all’estero, recuperare le fonti e ottenere le autorizzazioni diventò un problema: alcuni campionamenti furono rimossi o sostituiti, e le varie edizioni non sono del tutto identiche.

È facile fermarsi a quel numero e trasformare Since I Left You in un record del campionamento. Ma The Avalanches non volevano dimostrare quante registrazioni si potessero stipare in un album. Volevano scrivere canzoni. Con campionatori Akai S2000 e un mixer Yamaha Promix 01, rallentavano, tagliavano e ricombinavano frammenti fino a ricavarne melodie e armonie. Seltmann raccontò a Sound on Sound che per costruire un solo cambio di accordi poteva servire anche una settimana.

La title track ne è l’esempio più immediato. Una melodia orchestrale, un ritmo morbido e una voce presa da Everyday dei Main Attraction, aggiunta per ultima. Nell’originale canta la felicità di un incontro; nel nuovo contesto finisce per evocare una separazione. Un campionamento che completa una canzone pop e ne cambia il significato.
In Frontier Psychiatrist, invece, la tecnica diventa comica: vecchi sketch, tra cui quelli del duo canadese Wayne e Shuster, vengono montati attraverso lo scratching di Dexter, creando conversazioni mai esistite sopra una batteria hip-hop e un arrangiamento orchestrale. Il brano nacque quasi per gioco, senza un progetto preciso. È l’altra faccia di un disco capace di unire un lavoro minuzioso alla libertà di sperimentare.

Poi c’è il modo in cui tutto è collegato. A canzoni quasi finite, il gruppo tornò sui frammenti accumulati durante le sessioni per ricavarne brevi passaggi di transizione: idee troppo piccole per diventare brani, ma sufficienti per spostarsi da una canzone all’altra senza interrompere l’ascolto. Il disco prende così una forma continua, più vicina a un lungo mix che a una scaletta di tracce. Per questo funziona meglio dall’inizio alla fine: i materiali ritornano, cambiano contesto, assumono significati diversi. La storia dell’uomo che inseguiva una donna da un paese all’altro è stata abbandonata, ma il movimento è rimasto. Il viaggio non viene raccontato: è diventato il modo in cui il disco è organizzato.

Dopo Since I Left You ci sono voluti sedici anni per ascoltare un secondo album: Wildflower è arrivato nel 2016, We Will Always Love You nel 2020. Un’attesa che ha trasformato il debutto in un oggetto di culto e caricato di aspettative tutto ciò che è venuto dopo. Nel frattempo la formazione si è ristretta: oggi The Avalanches sono un trio, con Chater, Di Blasi e Andy Szekeres. Chater ricorda la lavorazione del primo disco come un periodo di grande libertà, quasi senza pressione, una leggerezza diventata col tempo sempre più difficile da ritrovare.

No Bad Memories, in uscita il 16 ottobre per Modular, prova a recuperarne una parte.
Chater e Di Blasi hanno detto di aver voluto un album consapevolmente più gioioso, veloce e festoso, vicino all’energia del debutto. Sono 31 tracce, con ospiti come Karen O, Jamie xx, Jessy Lanza e Nikki Nair. Stavolta, accanto ai campionamenti musicali, compaiono anche jingle pubblicitari, suoni di avvio dei dispositivi e vecchi loghi sonori. Il titolo è già un piccolo cortocircuito: ricordi che sembrano personalissimi e che invece qualcuno, a suo tempo, ci aveva venduto.

C’è qualcosa di significativo in questo ritorno. Nel 2000 The Avalanches volevano raccontare un’avventura malinconica e si sono ritrovati con un disco che il pubblico ha adottato come colonna sonora di una festa. Ventisei anni dopo, quella festa è diventata un’intenzione.
Il 29 ottobre The Avalanches saranno alle OGR di Torino per l’apertura del C2C Festival, a pochi giorni dall’uscita di No Bad Memories.

Ventisei anni dopo, il gruppo torna a cercare consapevolmente quell’energia festosa che nel debutto era emersa quasi per caso. Eppure, dietro quella festa, è rimasta la malinconia di una storia d’amore mai raccontata fino in fondo.

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MIRA, il festival internazionale delle arti digitali e della musica contemporanea, si terrà a quest’anno tra il 6 e il 7 novembre presso la Fira Montjuïc a Barcellona.
Il programma, che comprende installazioni audio-visive ed esperienze immersive, è arricchito musicalmente da 27 acts tra cui spiccano i nomi di Arca, AMORE, Grand River, Helena Hauff, Kavari, Machine Girl, Martin Rev (Suicide), ML Buch, Tortoise, e Shygirl.

Due giorni in cui elettronica d’avanguardia, sperimentazione audiovisiva e arte digitale si incontrano in uno degli appuntamenti più interessanti per chi cerca nuove direzioni nella musica contemporanea.
La quindicesima edizione di MIRA si preannuncia, dunque, come crocevia di traiettorie che mettono al centro la ricerca sonora: la line-up è un puzzle che attraversa elettronica, sperimentazione, post-club, paesaggi ambientali e contaminazioni audiovisive, mettendo in dialogo generazioni e sensibilità differenti.

Scopri il cartellone completo e non perderti l’esperienza di MIRA Festival.

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Il 26 ottobre il polistrumentista francese FKJ sarà in concerto al Fabrique di Milano, dove avremo l’imperdibile occasione di ascoltare per la prima volta dal vivo i brani dal suo ultimo disco Tyber, uscito a settembre.

Com’è evidente dalla live session qui sopra, FKJ è uno di quei pochi ad avere il dono di portarti dentro un’altra dimensione: con quel suo mix raffinato di neo-soul, jazz e french house, French Kiwi Juice stratifica il suono che diventa materia terrosa ed eterea insieme. Nelle sue produzioni, infatti, convivono il gusto francese per i dettagli elettronici, il calore del funk, le armonie del jazz e una sensibilità R&B che privilegia il fraseggio e la fluidità.

Più che inseguire un genere preciso, Fenton sembra interessato a capire cosa succede quando linguaggi diversi condividono lo stesso spazio: è bellissimo vederlo mentre si destreggia tra tastiere, chitarre, basso, sax e sintetizzatori in uno spazio liminale tra improvvisazione e controllo.

Proprio per questo crediamo che la sua dimensione live resti una componente fondamentale della sua figura artistica perché è quella che ci rende più tangibile questa sua modalità liquida di fare musica e noi non vediamo l’ora di seguire le infinite strade in cui può portarci il suo live.

In apertura, a settare il mood e l’atmosfera sognante, l’australiano Richie Griner.

Biglietti qui

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L’avant pop di C2C Festival quest’anno soffia su 25 candeline e noi siamo prontissimi a festeggiarlo dal momento che mancano poche settimane  alla nuova edizione: dal 29 ottobre al 1° novembre la kermesse torinese celebra il quarto di secolo con un cartellone d’avanguardia, il più esteso e ambizioso di sempre.

Da quest’anno il festival amplia la propria presenza diffusa in città: oltre al Lingotto (main venue) e alle OGR, dopo undici anni, ci sarà il ritorno al Teatro Carignano con uno speciale matinée che si terrà sabato 31 ottobre. Mentre la Domenica 1 novembre un evento diffuso toccherà le venue di Le Roi, iconica ballroom ideata dall’architetto Carlo Mollino, e Notorius, tra le location che hanno ospitato primissima edizione di “Club To Club” nel 2002.

La line-up della 25esima edizione porterà sul palco: Robyn, Oklou, Arca, Yung Lean & Bladee, Kelela, The Avalanches,
underscores, Shygirl, Smerz, Grouper, Crystallmess, Chuquimamani-Condori, Chanel Beads, Wendy Eisenberg, Theo Parrish, ML Buch, Marina Herlop, Joanne Robertson, HEADACHE, gyrofield, Fine, Elias Rønnenfelt, DJ Python, KMRU, Kode9 & RP Boo, LIIM, Lorenzo Senni, Picture,
Visible Cloaks, Carl Stone, Clara 3000, Other People with Eli Wewentxu, Fake Samo, Fronte Violeta, Hundebiss with Bladeblanc & Giesse,
NEXUS [Jokkoo Collective], Talpah.

Ultimi biglietti disponibili qui.

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Gli Autechre tornano a Milano l’11 ottobre all’Alcatraz per una delle due date italiane del tour di twentytwentysix: al primo appuntamento bolognese previsto per il 10 ottobre, infatti, farà seguito il giorno successivo la tappa milanese del tour del duo britannico con uno show organizzato da 3D e Terraforma.

Entrambe le date italiane saranno aperte da MDX, progetto di Andy Maddocks (fondatore dell’etichetta di Manchester Skam Records) e dal compositore e producer Bochum Welt.

Info e biglietti per la data milanese qui.

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“Quando voi forse, allora noi già” è l’ultimo progetto di SANO, cantautore e produttore napoletano che abbiamo già conosciuto nei Thru Collected.
Il suo nuovo EP è una dichiarazione di verità: dal momento che non esiste un “noi” senza un “voi”, il racconto si fa corale, si fa dialogo e confronto. La musica diventa un disegno aperto, di cui ogni ascoltatore può sentirsi libero di dare la sua interpretazione, riconoscersi, guardarsi come in uno specchio.

In questo lavoro troviamo anche Tutti Fenomeni, IRBIS, ma anche lo zampino di Golden Years, DRAST, Tripolare o Giovanni Truppi.

Abbiamo raggiunto Riccardo per scoprire qualcosa in più sulla musica che lo ha influenzato durante la composizione dell’EP.

L'articolo Gli ascolti recenti di SANO proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Incontrare la musica di Only Bee in questi giorni senza respiro è come aprire le finestre in città e fare una boccata d’aria marina.
Un’illusione ma tant’è, dal momento che il suo primo singolo uscito venerdì via Soul Express Records si intitola proprio “Sembra vero” e sprigiona una freschissima aria di house mediterraneo.

La conosciamo meglio in attesa delle sue prossime mosse musicali, con i 5 brani che raccontano il suo profilo artistico.

1. GIORGIA – Un amore da favola

Giorgia è stata una delle prime voci femminili di cui mi sono innamorata. Da bambina il mio lettore CD ha letteralmente consumato questo disco, insieme a molti altri suoi album. Ricordo ancora quando cercavo di trascrivere i testi su un quaderno mentre ascoltavo le sue canzoni, provando a cantarle tutte. Solo molti anni dopo ho scoperto che Mangio troppa cioccolata, l’album che contiene questo brano, è prodotto da Pino Daniele, un altro artista fondamentale e protagonista dei miei ascolti da sempre. Ripensandoci oggi, mi sembra quasi inevitabile che quei due mondi si siano incontrati così presto nella mia vita.

2. MS. LAURYN HILL – I Gotta Find Peace of Mind

Ho scoperto Lauryn Hill da piccolissima e da quel momento non ha mai smesso di accompagnarmi. Avrei potuto scegliere altro, ma I Gotta Find Peace of Mind è riapparso in un momento in cui avevo davvero bisogno di lui. Mi ha accompagnata durante una fase di stallo che poi si è trasformata in un grande cambiamento, ricordandomi quanto sia importante cercare la propria pace interiore. La sua voce, il suo modo di stare dentro ogni parola, il suo sound: tutto in lei continua a ispirarmi. Ogni volta che la ascolto sento nascere il desiderio di trasmettere la stessa verità attraverso la musica.

3. MINA – Amante amore

Mina è una presenza costante nella mia vita. È una di quelle artiste che non smettono mai di sorprenderti: classica e modernissima allo stesso tempo, elegante, libera, inesauribile. Continuo a scoprire sue canzoni ancora oggi. Ho scelto Amante amore perché, tra i tanti brani che mi fanno riflettere, questo riesce soprattutto a divertirmi. Mi fa sentire leggera e mi riporta alle serate più belle con le mie amiche. È una canzone che associo alla felicità più semplice.

4. ADEVA – Respect

Questa traccia mi ha davvero aperto la mente. Mi ha fatto capire, ancora una volta, quanto sperimentare con la musica possa portare a risultati sorprendenti. È una reinterpretazione in chiave soulful house di Respect: un brano che tutti associamo ad Aretha Franklin, ma che in realtà era stato inciso per la prima volta da Otis Redding, prima che Aretha lo rendesse immortale. Pensavo che sarebbe stato impossibile farmi amare un’altra versione di questa canzone, vista la devozione che provo per Aretha e per la sua interpretazione. E invece Adeva ci è riuscita. La sua Respect non sostituisce l’originale, ma la guarda da un’altra prospettiva, con un’identità tutta sua. È una canzone che mi ha insegnato a non avere paura delle riletture e dei cambi di prospettiva, nella musica come nella vita.

5. ETTA JAMES – At Last

Infine, At last. Cantare At Last è una sensazione difficile da spiegare: mi libera completamente. È una canzone che porto nel cuore anche perché l’ho cantata infinite volte con mio padre alla chitarra. È diventata il nostro cavallo di battaglia. Ogni volta che la ascolto torno immediatamente a quei momenti, noi due davanti alla nostra famiglia, immersi in quel silenzio speciale che si crea quando la musica riesce davvero a unire tutti. Per me questa canzone ha il suono di casa.

L'articolo 5 brani per conoscere Only Bee proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Lo scorso venerdì è tornato il nostro producer del cuore Ceri Wax con due brani che omaggiano la dance tradizionale italiana alla Gigi D’Agostino.
“Sun Boy” e “Sun Friend” sono la side A e la side B di questo piccolissimo EP il cui unico scopo è quello di portarci sul dancefloor, anche solo con la mente, con la punta delle dita che batte sulla scrivania o con il tacco-punta che non si arresta al di sotto di una sedia.
Questi brani sono sfavillanti di energia e proprio per questo ci siamo fatti preparare proprio da Ceri una playlist di ascolti soleggiati per illuminare le tue giornate.

Qui il player, il racconto nelle prossime pagine

L'articolo La playlist del sole di Ceri Wax proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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In un disco la puntina si posiziona esattamente su quello che vogliamo sentire, in un ufficio tiene appeso quel foglietto con su scritte le cose che non dobbiamo proprio dimenticare.

PUNTINE è il nostro modo di fermare la musica bella appena uscita e farla rimanere viva nonostante il tempo voli via velocissimo.
Questa settimana: Antony Szmierek, 47SOUL, CCCC, mary in the junkyard e 5 Puntine live su YouTube.
Questa è l’ultima puntata di Puntine che scrivo, è stato un piacere e un onore.
Grazie per aver letto e ascoltato la musica bella – che gli altri ascolteranno domani – con me.

L'articolo Puntine #224 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Dopo più di trent’anni a Stoccarda, il Jazz Open sbarca per la prima volta in Italia dal 13 al 18 luglio.
Il festival “jazz and beyond” curato dal fondatore Jurgen Schlensog, si svolgerà in tre luoghi della città emiliana: Piazza Roma con il main stage, il Baluardo che ospiterà la programmazione più propriamente jazz, e il Giardino Ducale Estense con le proposte più emergenti.

On stage due star come Moby e Gregory Porter, ma anche Diana Krall, Jamie Cullum, Parov Stellar, Meute e Jean-Michel Jarre.
Non mancheranno anche proposte nostrane come sleap-e, Godblesscomputers e C’mon Tigre.
Insomma, una formula che abbraccia una vasta gamma di generi dal jazz alla techno, passando per l’elettronica più sperimentale che trasformerà il cuore di Modena in un palco vibrante a cielo aperto.

Scopri il programma qui e più info sui biglietti.

L'articolo Manca pochissimo al Jazz Open Modena Festival proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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PUNTINE è il nostro modo di fermare la musica bella appena uscita e farla rimanere viva nonostante il tempo voli via velocissimo.
Questa settimana: Sari Lightman, The Hobknobs, Julia Holter e 5 Puntine live su YouTube.

L'articolo Puntine #223 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Per noi che lo seguiamo dagli esordi, che lo ascoltiamo nelle giornate ridenti e anche in quelle tristi, che sorridiamo alle sue facce buffe da palcoscenico e restiamo con gli occhi chiusi quando ci sono solo lui e la sua chitarra, intervistare Mac DeMarco è stato come un sogno.
E già. A volte, fortunatamente, succede che qualcuno si avvera e tu ti ritrovi a parlare su zoom con uno dei tuoi artisti preferiti.
Entra nella tua camera, la stessa in cui spesso risuona la sua musica.

Congratulazioni per l’album e per le date in Italia. L’album “Guitar” è più introspettivo, semplice e poetico rispetto ai tuoi lavori precedenti. Da dove nasce questa scelta di tornare a un approccio più essenziale?
“Non lo so davvero. Non credo di averci pensato troppo. Credo che “Guitar” sia semplicemente venuto fuori da me. È anche indicativo del tipo di musica che ascolto oggi. Forse è anche perché faccio questo da più tempo. Non so se sia più sicurezza, ma so cosa mi piace e non sento il bisogno di nascondermi dietro tanta produzione. Volevo solo fare qualcosa di conciso. È sembrato tutto naturale.”

Hai una chitarra preferita o legata a dei ricordi?
“Non ho mai dato nomi alle chitarre, ma ne ho alcune che sono con me da tanto tempo. Sono terribile a buttare via le cose, quindi le tengo quasi tutte. C’è una chitarra elettrica che ho usato per tutti gli album fino a Another One, e quella per molte persone è ‘la mia chitarra’. Poi ce n’è una acustica usata per anni nei dischi. E ne ho una che era di mio padre, che è molto preziosa per me. Ne ho molte, non le suono tutte spesso, ma ogni tanto ne tiro fuori una vecchia ed è bello.”

Quante chitarre hai adesso?
“Direi circa una ventina. Ma non sono chitarre impressionanti o costose. Sono tutte un po’ di merda a modo loro. Però mi piace anche questo.”

Nel disco usi chitarra acustica ed elettrica e parli di relazioni: c’è una connessione tra questi elementi?
“Non ci avevo davvero pensato, ma mi piace l’idea. Forse c’è qualcosa lì dentro. È sempre stato difficile per me far convivere due chitarre senza che si intralcino. Quindi sì, è interessante.”

Com’è stato il processo di scrittura e produzione di questo album?
“Sono impazzito un po’ e ho fatto un altro disco prima di questo. Poi mi sono perso nel processo di demo e ho pensato di cambiare tutto. Alla fine ho smontato tutto e mi sono seduto sul divano. Ho fatto le cose come faccio di solito, in modo semplice. E quello che è uscito dalle demo è rimasto. Studio a Los Angeles, senza grandi cose. È stato liberatorio concentrarsi solo sulle canzoni.”

Come scrivi oggi musica e testi?
“Oggi succede tutto insieme. A volte il testo influenza la melodia. Scrivo una linea, continuo, e la chitarra è lì con me. Tutto arriva insieme. Dopo aggiungo batteria, basso e magari un’altra chitarra se serve.”

Da dove arriva l’ispirazione per questo disco?
“Molte colonne sonore, musica più lirica e semplice. E anche artisti come Lou Reed. Inoltre ho passato del tempo nel Pacific Northwest prima di farlo, e quell’atmosfera è rimasta dentro. I luoghi ti restano addosso.”

Questo album sembra meno nostalgico ma comunque malinconico. C’è anche speranza?
“Sì, credo ci sia. È un po’ come: ci sono problemi, ma anche… chi se ne frega, divertiamoci. Da giovani tutto è più drammatico. Ora è più equilibrato.”

Fare musica è più difficile oggi o quando eri più giovane?
“È diverso. Da giovane non pensi troppo, succede tutto in modo naturale. Ora c’è più consapevolezza e anche più cose nella vita. Non potrei fare la musica che facevo allora, ma nemmeno allora avrei potuto fare quella di oggi. Va bene così. Sono contento di tutto quello che c’è stato.”

Ti piacerebbe fare una colonna sonora?
“Forse sì, ma solo se fosse qualcosa di importante per me o per qualcuno importante. Non sono molto bravo a ricevere note o cambiamenti. Se consegno qualcosa e mi danno feedback, probabilmente direi che era meglio prima. Non è proprio il mio forte.”

Hai rimpianti o progetti che avresti voluto fare?
“Non davvero. Cerco di andare avanti. A volte penso ai mix o a come avrei fatto diversamente, ma poi passa e finisci per amarli così come sono. Sto seguendo una strada e continuo su quella. C’è ancora mistero, e lo scoprirò col tempo.”

Cosa pensi di AI e nuove tecnologie nella musica?
“Non sono molto dentro a queste cose. Mi sento fortunato perché sono arrivato prima del grande cambiamento. Oggi è tutto un po’ folle. È difficile per i nuovi artisti emergere. Però forse questo creerà nuove strade.
Il problema è che molta gente salta la parte importante, cioè fare arte. Tutti pensano a numeri e soldi, e allora non importa più se è umano o no.
E mi preoccupa anche la disonestà, tipo ‘questa band non è reale ma non te lo dico’. È strano. Meglio che resti chiaro.”

Che consiglio dai ai giovani che vogliono fare musica?
“Ho sempre detto la stessa cosa: fallo e basta. Divertiti a fare arte e trova persone nella tua zona che lo fanno. Oggi c’è tantissima informazione online, ma una volta dovevi capire tutto da solo. Internet aiuta, ma l’esperienza reale è diversa.”

Hai scoperto nuova musica italiana o artisti emergenti?
“Mi vengono in mente cose italo-americane. Poi c’è una band chiamata Gigi Girls che ho conosciuto tramite Ryan Paris. Fanno un tipo di disco molto divertente. E poi ci sarà Otto Benson che aprirà i concerti in Italia con noi. Ha le idee giuste. In generale ci sono cose buone in giro, anche se oggi è difficile.”

L'articolo Fare le cose in modo semplice: intervista a Mac DeMarco proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: SOAK, Yehra, Blumi e 4 Puntine live su youtube.

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C’è un nuovo festival da aggiungere alla guida di quest’anno.
Fa il suo debutto l’1 agosto a Siracusa la prima edizione di Loud Garden Festival, nuovo progetto dedicato alla musica elettronica contemporanea che nasce dall’unione di Garden House Club e la piattaforma Loud Contact.

Live e dj set si alterneranno dal tramonto all’alba negli spazi di Garden House XXL con due palchi che saranno animati da techno e house insieme a Marcel Dettmann, Donato Dozzy, Francesco Del Garda e Anthea.
In cartellone anche GNMR, Gianmarco Orsini, Lumiere e Innerlakes, nuovi nomi della club culture contemporanea.

 

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Questa settimana: Quinn Oulton, Dana and Alden, Lowtopic e Marci.

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Primo venerdì del mese ci regala il ritorno di Steve Lacy che ha annunciato il prossimo album in uscita a luglio, ma anche i dischi di Jalen Ngonda, Navy Blue e quello del producer Jolly Mare che rilegge il prezioso archivio di Piero Umiliani.

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Questa settimana: Death Cab for Cutie, Hillsboro, Phoenix James, Horatio Luna.

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PUNTINE è il nostro modo di fermare la musica bella appena uscita e farla rimanere viva nonostante il tempo voli via velocissimo.
Questa settimana: Ibeyi, Mario Rossi fa rap, Shannon Lay, Tugboat Captain.

L'articolo Puntine #219 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Era già scattato il colpo di fulmine ma vederli al MI AMI quest’anno è stato il colpo di grazia definitivo: siamo innamorati dell’energia e della freschezza di questo trio composto dalla cantante e rapper italo‐colombiana Sicala e il duo di produzione e sound design Trampa.
Tresca Y Tigre hanno da poco pubblicato un nuovo EP intitolato “Casi Caustica, Casi Nada” che fa convogliare nel solco dell’Hip Hop esplorazioni su strade differenti come quella del reggaeton, della cumbia e del dembow.
Curiosi di capire cosa c’è dietro questo melting-pot di influenze, abbiamo raggiunto il trio per sbirciare nella loro collezione di dischi.

L'articolo La collezione di dischi di Tresca Y Tigre proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Anche quest’anno l’estate è entrata senza bussare e anche dalla porta del tuo bilocale in città.
Fortuna che ci sono progetti come quello di Banda Maje che con il loro funk cinematografico e salsedinoso, portano un po’ di mare e freschezza costiera anche nel tessuto urbano.
Il loro ultimo disco uscito il 15 maggio si intitola proprio “Costa Sud” e intreccia groove partenopeo con echi di colonne sonore che hanno reso grande il nostro cinema.

Ci siamo fatti consigliare 10 dischi da mettere in play per sognare l’estate al mare.

Ciao agli amici di DLSO, siamo i Banda Maje e abbiamo raccolto dieci brani in ordine sparso che, ogni volta che li ascoltiamo, riescono a trasportarci immediatamente dentro un immaginario estivo molto preciso.
Non sono necessariamente canzoni che parlano d’estate, ma brani che ogni anno ci riportano automaticamente lì, tra giornate lentissime, musica all’aperto e quella sensazione collosa che solo l’estate sa creare.

L'articolo Banda Maje consiglia 10 pezzi per sognare l’estate proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Il fatto è che quando un artista è raffinato te ne accorgi anche dagli album che sceglie quando gli chiedi che musica ascolta.
Rareș, nomen omen, è tra quei cantautori preziosi della nuova scena italiana che si contano sulla punta delle dita: il suo gusto sopraffino per gli ascolti è lo specchio di una maturità artistica unica per un ragazzo della sua età, che naturalmente ritroviamo anche nel suo ultimo disco Sincero!

In questo nuovo progetto Rareș racconta in undici canzoni la fine di una storia d’amore insieme anche ad alcuni compagni di viaggio come Giovanni Truppi, faccianuvola e iako.
Un groviglio complesso di emozioni particolari si snoda in un modo di raccontare universale, semplificando (più musicalmente che a livello testuale) stati d’animo difficili da esporre, in primis a se stessi, figuriamoci agli altri.

Gli abbiamo chiesto, come dicevamo nell’intro, di raccontarci secondo lui quali sono i 5 dischi (+1) più sinceri.

1. Martin Rev — See Me Ridin’

Un disco intimo, la cui produzione mi ha completamente stregato. All’inizio volevo che il mio album suonasse così. Lo trovo profondamente vero anche per il suo programma dichiarato: gli echi del pop e dell’r&b americano anni ’50 e ’60 che Martin Rev ascoltava per le strade di New York durante l’adolescenza. (o perlomeno così dice l’interno del vinile)
Consiglio: I Heard Your Name

2. Belle Grand Fille — Noël nouvelet

Un disco che non smette di commuovermi e che ho ascoltato sia d’estate che d’inverno, nonostante sia una raccolta di canti natalizi. Lo sento molto vicino alla tradizione delle colinde, i canti di Natale rumeni. C’è qualcosa di antico e familiare che continua a tornarmi addosso ogni volta che lo ascolto.
Consiglio: Un flambeau, Jeannette, Isabelle

3. The Magnetic Fields — 69 Love Songs

Un disco che ho riascoltato molte volte nella vita. Un’opera delicata e reale, a tratti buffa, sicuramente prolissa. Riesce a essere leggerissima ed intensa allo stesso tempo.
Consiglio: I Don’t Want to Get Over You

4. Nelu Ploieșteanu — Am iubit și-am să iubesc

Una compilation di muzică lăutărească, genere tradizionale della Romania e dei Balcani più in generale, legato anche alla cultura rom. È un disco dolcissimo e divertentissimo, sia nei testi che nella musica, anche per chi non dovesse comprendere la lingua.
Consiglio: Trec țiganii, trec

5. Gică Petrescu — Cântece de petrecere

Interprete e compositore di musica leggera, popolare e da festa. Ha scritto una delle mie canzoni preferite, Căsuța noastră. In questi anni ho ascoltato molta musica rumena: sento una curiosità naturale verso questi artisti, li studio e ascolto sempre volentieri.

BONUS

Meara O’Reilly — Hockets for Two Voices

Amo la voce e la sua espressività, allo stesso tempo limitata e infinita. Trovo questo disco molto ispirato, diretto e chiarissimo. Mi ricorda anche certe correnti minimaliste che amo molto e da cui ho preso spesso ispirazione libera negli arrangiamenti di Sincero!.

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Dopo la preview di aprile da Combo Torino, il progetto Urbaphonia è pronto a entrare nel vivo il 23 e il 24 maggio sulla Pista 500 della Pinacoteca Agnelli.
L’evento curato da Recall che unisce musica e sound art vuole esplorare lo spazio urbano attraverso la materia musicale: la città non è solo un semplice contesto ma diventa protagonista attiva dell’esperienza proposta da Urbaphonia dove architetture sonore si intrecciano con live performance e dj set.

Nei due giorni dedicati all’evento la Pista 500 di Torino accoglierà due stage e il portale sonoro sviluppato dal collettivo Neuf Voix dove si alterneranno elettronica, dub, alternative pop, ambient.
Tra i nomi in line-up ci saranno il compositore e sassofonista britannico Ben Vince, la producer Cooly G, nome di culto della scena Hyperdub e il progetto dei Canzonieri che combinano acustica ed elettronica insieme a un personalissimo immaginario visivo.

Scopri il programma completo e registrati gratuitamente su DICE per partecipare.

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Pronti a una nuova stagione di musica in giro per l’Italia!
Anche quest’anno abbiamo selezionato i migliori festival e rassegne dell’estate italiana 2026 e li trovi nelle prossime pagine.

L'articolo Guida ai migliori festival dell’estate 2026 proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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In un disco la puntina si posiziona esattamente su quello che vogliamo sentire, in un ufficio tiene appeso quel foglietto con su scritte le cose che non dobbiamo proprio dimenticare.

PUNTINE è il nostro modo di fermare la musica bella appena uscita e farla rimanere viva nonostante il tempo voli via velocissimo.
Questa settimana: Ana Roxanne, Ramsey Thornton, Slowe, Alabaster DePlume.

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“SENZA FIATO” è il nuovo album di Birthh, il suo primo in italiano.
Dentro c’è la bellezza dell’imperfezione delle prime volte, lo stupore delle prime volte e anche la paura di sbagliare delle prime volte.
Ma in questo disco c’è soprattutto la voglia di riconnettersi con le proprie radici, come mai prima d’ora: il passaggio dall’inglese alla lingua madre è un tentativo di ricomporre un’identità frammentata in traslochi e viaggi e lavori e respiri affannati.

Birthh ha deciso di riprendere fiato e prendersi per mano in una fase di passaggio importante verso la vita adulta.

“SENZA FIATO” è l’espressione che racchiude, più di ogni altra, tutte le sfumature della fine dei miei vent’anni. La caotica, disperata, incessante corsa verso il futuro, verso qualche certezza su cui potermi appoggiare, qualcosa che la mia generazione sente sempre più lontana da sé. E mentre corro attraverso continenti, rumori, colori, asfalto duro e giardini delicatissimi, ancora mi emoziono quando guardo un tramonto; rimango coi polmoni pieni di gratitudine per questa enorme microscopica esistenza che ha così tanta bellezza dentro di sé, da lasciarmi senza fiato.

Le abbiamo chiesto di raccontarci qui la musica che la lascia senza fiato in 5 dischi.

L'articolo I dischi che lasciano Birthh senza fiato proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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PUNTINE è il nostro modo di fermare la musica bella appena uscita e farla rimanere viva nonostante il tempo voli via velocissimo.
Questa settimana: Rahill, Adriano, Naima Adams, Sandri.

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Trascendere la dimensione terrestre per scoprire il lato più “oscuro” della luna. Oscuro perché nascosto, refrattario all’esteriorizzazione di tutto.
Questa è la missione compiuta dai Nu Genea nel loro ultimo disco “People of the Moon” uscito l’1 maggio a tre anni di distanza da “Bar Mediterraneo”: lasciare il pianeta Terra per scoprire una parte inedita di se stessi, più libera e coraggiosa, capace di superare i confini imposti dai pregiudizi e dalle conformità a cui la società vuole a tutti i costi assoggettarci.

Anche le sonorità dell’album risentono di questo desiderio di evasione di Lucio e Massimo, arricchendosi di influenze eterogenee frutto di esplorazioni a più latitudini: non solo il neo-funk napoletano ma anche il soul jazz britannico, le influenze andaluse, arabe e brasiliane.
Il tutto frutto di una ricerca che, anche se può sembrare un ossimoro, non è stata studiata a tavolino ma è venuta plasmandosi in maniera naturale tra viaggi, incontri e session in studio.

Li abbiamo intervistati per scoprire in che modo sono arrivati al nuovo disco e cosa ci aspetta ai prossimi live.

Dal groviglio dei vicoli di Nuova Napoli, al conviviale crocevia del Bar Mediterraneo fino ad arrivare alla luna. Cosa, in questi tre anni, vi ha portati nello spazio?
In realtà People of the Moon è uno spazio interiore. È importante chiarirlo subito, perché non voleva essere un disco che parte da Napoli, si allarga al Mediterraneo e poi arriva fino alla luna e oltre. No: è semplicemente un disco molto più intimo rispetto ai precedenti.
È un disco “terrestre”, in cui la luna diventa una dimensione attraverso cui guardiamo noi stessi. Siamo profondamente influenzati, in positivo e in negativo, dalla società che ci circonda e dalla Terra in cui viviamo. Amiamo il nostro pianeta, ma non possiamo ignorare tutto ciò che ci sta intorno. Per questo finiamo un po’ per diventare attori di questa società: ci viene detto come dovremmo essere e, dato che la mente umana è fragile, tendiamo ad adattarci, chi più e chi meno.

People of the Moon vuole essere proprio quel momento in cui proviamo a non cadere in questa trappola: un momento in cui sospendiamo pregiudizi, paragoni e tutto ciò che la società spesso ci impone, fino ad arrivare anche al razzismo. L’intero album ruota attorno a questi temi.
In alcuni brani raccontiamo cosa significa essere succubi di queste dinamiche: ad esempio “Ma tu che bbuò” parla di una persona solitaria che cerca amicizia e compagnia, ma finisce comunque per sentirsi sola. “Sciallà” esprime invece il desiderio di allontanare tutte le persone negative.
Brani come “Shway Shway“, invece, invitano a fermarsi, a guardarsi attorno: perché più rallenti, più riesci davvero a vedere le cose.

Questo disco è stato un insegnamento, oltre che uno specchio di chi siamo e di chi siamo stati mentre lo realizzavamo.
All’inizio abbiamo sentito molto la pressione dei lavori precedenti: dopo il tour, i grandi palchi, l’idea di “dover spaccare”. Alla fine, però, i brani a cui abbiamo pensato meno, con meno foga, sono diventati quelli a cui teniamo di più e che sono rimasti nel disco.
“Shway Shway” ha rappresentato un punto di svolta: ci siamo fermati e ci siamo chiesti cosa ci piacesse davvero.
Dovevamo farlo per gli altri o per noi stessi? Amiamo il nostro pubblico, ma sappiamo che ci capisce anche quando scegliamo direzioni diverse.
Ci sarà sempre chi non apprezza, chi troverà qualcosa obsoleto o, al contrario, chi lo amerà. La cosa importante era fare pace con noi stessi e con l’ispirazione del momento.
È stata una lezione imparata a nostre spese: all’inizio avevamo grandi idee e aspettative, ma alla fine le cose migliori sono nate spontaneamente.
A un certo punto ci siamo anche chiesti se dovessimo “chiedere aiuto agli alieni”, ma abbiamo capito che non serve: bisogna solo ascoltare quella parte di noi che spesso ignoriamo o reprimiamo per via della quotidianità.

La grande novità di questo disco è l’apertura più decisiva ai featuring: cosa vi ha guidati nella scelta delle voci destinate a dare complementarietà alla vostra nella costruzione del suono di “People of the moon”?
Non è stato un processo pianificato: ci siamo resi conto delle cose man mano che lavoravamo sui brani. In base a ciò che scrivevamo, capivamo cosa funzionasse meglio su ogni base. A volte un’idea sembrava non convincere, ma poi proprio quella suggestione iniziale si rivelava efficace, come nel caso di Maria José Llergo.

Tom Mish ci ha scritto su Instagram dicendo che apprezzava la nostra musica ed era un nostro fan. Noi abbiamo risposto con entusiasmo, dicendo che sarebbe stato bello collaborare. A quel punto, visto che stavamo già lavorando al disco e avevamo alcune bozze pronte, ci siamo detti: “Proviamo a fare qualcosa insieme?”. Siamo volati a Londra e gli abbiamo fatto ascoltare diversi brani per capire se ci fosse qualcosa che potesse interessargli, ma nessuno di questi lo ha colpito davvero. Il disco stava prendendo una direzione più vicina a un certo folk americano, California anni ’70: interessante, ma piuttosto distante dal suo mondo. Così abbiamo pensato che forse non fosse scattata la giusta sintonia.
Poi, però, ci siamo ricordati di un video in cui suonava il basso con uno stile funk, un po’ alla Pino D’Angiò. Lui stesso ha proposto di fare qualcosa di ispirato alla disco italiana. Noi eravamo entusiasti. Abbiamo iniziato a lavorare su una base con lui al basso, nonostante sia principalmente un chitarrista, lo suonava in modo naturale ed efficace e, in maniera del tutto spontanea, nel giro di due ore è nata la canzone. Il giorno dopo era praticamente finita: in due giorni il brano era completo.
“Puleza” era invece un pezzo che avevamo nel cassetto da tempo, ma in questo album ha trovato perfettamente il suo spazio, così abbiamo deciso di recuperarlo.

Se doveste assegnare a questo disco dei “genitori” , degli “antenati” artistici, quali sarebbero?
Renato Carosone! in qualche modo lo consideriamo il padre di quella che è stata l’ibridazione e la contaminazione musicale: la capacità di prendere ritmi diversi e mescolarli con la propria energia. In America Latina ha portato il mambo e altri generi, integrandoli con tutta la teatralità della lingua napoletana e della sua tradizione, creando qualcosa di estremamente coinvolgente. Per questo ci renderebbe molto felici se questo disco potesse piacergli. Anche Gegè Di Giacomo sarebbe stata una collaborazione straordinaria.

A breve tornerete sul palco, la vostra vera dimensione. Cosa dobbiamo aspettarci?
Ci saranno dei cambiamenti: l’organico sarà un po’ più esteso, abbiamo ampliato la formazione, anche se per ora non possiamo entrare troppo nei dettagli. In alcune date ci saranno degli ospiti, e qualcuno ci accompagnerà in base ai territori. Faremo del nostro meglio: ci saranno sicuramente delle novità. Siamo molto entusiasti, anche perché la band è ferma da tre anni e sentiamo davvero il bisogno di tornare a suonare dal vivo.

Avete trovato il vostro centro di gravità permanente?
No, e per fortuna. Altrimenti ci saremmo annoiati e avremmo abbandonato la nave. È come un centro che si sposta continuamente: appena pensi di averlo trovato, devi rimetterti in discussione e cercarlo altrove. Se resti fermo, rischi di diventare troppo sicuro di te, o addirittura presuntuoso.
Anche quando il mondo sembra crollare, puoi comunque trovare il modo di volare.

L'articolo Sotto una nuova luna: intervista ai Nu Genea proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Testo a cura di Elias Cadalanu

Quando il pubblico si aspettava uno zig, Lou Reed faceva zag, diceva Pitchfork. Il Guardian invece aveva chiamato le sue canzoni degli inni alla trasgressione, inni che avevano formato le generazioni a venire. Oltre all’ammirazione potrebbe esserci anche un tono di vendetta, quello di una stampa che ha sempre dovuto fare sparring con l’ex cantante dei Velvet Underground. In un’intervista che ho visto recentemente, più che un boxer, sembra un prodigio giocare contemporaneamente più partite blitz a scacchi. I cinque-sei giornalisti che lo circondano non reggono il passo né l’ironica brevità con cui risponde.

https://www.youtube.com/watch?v=IeMIWCxHgQk

Quando Charli XCX è approdata a novembre su Substack, il secondo della sua serie di tre articoli finiva proprio con quel video, a cui aggiungeva “Is it performance? Is it truth? Is it lies? Who fucking cares? In my opinion it’s just funny and cool.” Esattamente 18 giorni dopo, quel “cool,” sempre sul suo Substack, era morto. A metà aprile poi la cantante ha preso i riflettori di Vogue Inghilterra e sul suo profilo Instagram un link aveva seppellito tutti i post inerenti a brat; ancora oggi dirige a un account secondario su cui si trova solo il pezzo di Laura Snapes, da cui cito testualmente “we have come to bury brat.”

Prima dell’intervista di Vogue, ci eravamo fermati a The Moment, il mockumentary scritto e diretto da Aidan Zamiri che mette in scena l’autodistruzione e la fine di brat. È una sorta di trasposizione in commedia, in stile Succession, della seconda fase dell’album: lasciare che il progetto andasse incontro alla propria autodistruzione commerciale, accettare la fine della coolness, privilegiare l’obbedienza alla trasgressione e abbracciare una versione più pop e “bastardizzata” dell’album. Piuttosto che abbandonare troppo presto la sua creatura, avrebbe potuto sperimentare e vederla crescere. “Maybe it’s cooler to have a Salvador Dalì fake than a Salvador Dalì original?,” scrive ancora su Substack. Se fosse diventata la morte del progetto, ben venga, sarebbe stato anche l’unico modo per separarsene.

Dopo il decesso, però, per seppellire davvero brat non sono bastate 4 ore di film tra The Moment e Wuthering Heights, l’ultima pellicola di Emerald Fennell per cui Charli ha scritto parte della colonna sonora. Serviva piuttosto lasciar filtrare indizi sul prossimo capitolo. Nell’intervista a Vogue, dichiara che “il dancefloor è morto” e Snapes non fa a meno di descrivere il nuovo album come un progetto rock. Ancora una volta, l’attenzione passa attraverso la trasgressione: fare zag quando tutti si aspettano uno zig. Del resto, era inevitabile che imbracciare la chitarra avrebbe fatto storcere il naso a più di qualcuno.

Ai tempi di Lou Reed, la sovversione era quasi la norma, per un artista sembrava molto più difficile trovare un compromesso con l’establishment. Forse è proprio questa la differenza tra una popstar e una rockstar. Oggi, invece, la trasgressione sembra diventata parte integrante del personaggio. Basti pensare che al mockumentary satirico di Charli XCX abbiano partecipato la sua stessa etichetta, Atlantic Records, e che sia stato prodotto da un colosso come Universal Pictures. È come se la trasgressione fosse stata, in qualche modo, aziendalizzata.

Da una parte, le chitarre sembrano una scelta costruita, quasi parte di un personaggio; dall’altra, la nuova Charli che emerge su Substack o al cinema racconta una forma di trasgressione vera, quella di un’artista soffocata dal proprio pubblico, intrappolata, per citare ancora Vogue, dentro dei “bullet points”. Il contrasto con il suo nuovo pubblico è evidente: difficilmente a chi la segue oggi interessa davvero leggere Substack o guardare film come Faces of Death. Non a caso, il primo commento sotto il repost del lungo articolo di Vogue recita: “i ain’t reading allat love u tho”, rigorosamente tutto in minuscolo.

Quanti sapevano che Charli XCX è una fan dei The Velvet Underground? Quanti conoscevano il suo Substack, o l’hanno vista recitare in Erupcja di Pete Ohs? E ancora, quanti sono a conoscenza della sua passione per il surrealismo francese o del suo prolifico profilo Letterboxd? Possono sembrare capricci da star, ma a me assomigliano piuttosto a una forma di “detox” dalla popolarità e dal suo nuovo pubblico. Come se Charli fosse alla ricerca di un ritorno all’underground, da cui, non scordiamoci mai, la sua musica viene.

La mia paura è che tutto questo possa perdersi e non trasformarsi mai in musica.

Se vogliamo trascinare il paragone con Lou Reed, non penso che il prossimo album di Charli possa essere l’equivalente di Metal Machine Music, a malapena l’equivalente di Berlin. Ma il suo rapporto con la fama va in quella direzione lì. Charli non sembra potersi scindere veramente dalla trasgressione, quella che prima chiamava brat attitude e poi coolness, adesso è diventata fare journaling su una piattaforma dove si postano articoli. Charli non sembra potersi permettere di essere ridotta a qualcosa di troppo semplice, d’altronde è la paura di tutti gli artisti che si rispettino.

È forse proprio questo il motivo per il quale trasgrediamo? Non è proprio per non sembrare semplici agli altri, che facciamo zig ogni volta che qualcuno si aspetta zag?

L'articolo La nuova Charli XCX proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Natalia Wildgoose, Alsogood, La Vacanza, Yassine Nana, Radio Hito.

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Questa settimana: Kellan Christopher Cragg, Stevie, Glass Eel e 4 dischi speciali.

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Questa settimana: Rachel Lime, Amari, Les Imprimés.

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Questa settimana: Lero Lero, Alewya, Grand Eugène.

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Questa settimana: Pan-American, Stevie Toddler, dudeontheguitar e dododowson, ROSEYE.

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Questa settimana: LANNDS, Glomarì, Winnie Raeder, Antropoceno, Widowspeak.

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Bat For Lashes – Carried my girl

Ci sono degli album che sono svolte importanti nella storia della musica e altri che sono svolte importanti nella storia del mondo. Lo scorso venerdì è uscito “HELP(2)”, nuovo progetto benefico dell’associazione umanitaria War Child Records che – come l’originale del 1995 – riunisce alcune voci della scena musicale internazionale per raccogliere fondi, sostenere e proteggere i bambini colpiti dai conflitti armati in tutto il mondo. Registrato in una sola settimana nei leggendari Abbey Road Studios lo scorso novembre, “HELP(2)” è stato guidato dal produttore James Ford, mantenendo vivo lo spirito spontaneo e collaborativo del progetto originale degli anni ’90.
Sul canale YouTube si vede tutto.

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Questa settimana: Mitski, villagerrr, Namas, Queenstown Collector.

Mitski – Dead Women

È strano e forse anche un po’ stupido parlare di musica mentre crolla il mondo, ma siamo qui, e visto che non abbiamo nient’altro: scrivo due cose sul nuovo disco di Mitski, “Nothing’s About to Happen to Me”, uscito lo scorso venerdì. Ha due copertine (una fisica e una zoomata per lo streaming), è il suo ottavo album in studio e tutto (la musica e i testi) è fatto da lei. Nothing’s About to Happen to Me, dice Mitski, ma a noi, dopo averlo sentito, forse sì.

Nel film Sentimental Value di Joachim Trier la protagonista è la casa, custode di segreti e di traumi, che si trasforma ed evolve assieme ai personaggi. In “Nothing’s About to Happen to Me” è la stessa cosa, solo che la casa è la testa di Mitski, e più che una casa è lo spettrale castello di un racconto di Shirley Jackson, la lussuosa e inquietante tenuta dei Blackwood nel Vermont. L’isolamento, le relazioni fallite, il desiderio costante di scomparire, sono temi ricorrenti nelle undici tracce, protette dai pregiudizi esterni e imprigionate dietro al giardino curato che circonda la casa.

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Questa settimana: Gabriela Richardson, Konradsen, ZENA e Rostam.
Nell’ultima pagina c’è la nostra playlist, aggiornata ogni mercoledì.

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Testo a cura di Mixed By ERRE.

Siamo appena entrati in quella settimana dell’anno in cui, qui in Italia, qualsiasi evento (si tratti di cronaca, economia, sport, politica) passerà inevitabilmente in secondo piano rispetto a quel bizzarro, quanto popolarissimo evento, che risponde al nome di Festival Della Canzone Italiana – dai più conosciuto come Festival di Sanremo e da tutti denominato semplicemente SANREMO.

Per questo motivo il Maestro Mixed By ERRE, dai più conosciuto per l’ormai leggendario mash-up Toto Cutugno/Daft Punk, e nel cui cuore Sanremo continua a occupare un posto speciale (nonostante sia in esilio – pare per problemi col fisco – presso un non meglio precisato Paradiso Tropicale – lui dice Barbados, ma qualche bene informato sostiene che invece risieda a Santo Domingo, nella dimora che fu dell’indimenticato presidente Luciano Gaucci) ha deciso di tornare, per un’ultima volta, con un altro remix dal fortissimo sapore Sanremese, per aiutarci a connettere con quella speciale energia nazional-popolare, che solo durante alcuni giorni dell’anno possiamo sentire addosso.

E se si pensa alle ultime edizioni del Festival, sicuramente tra le cose più iconiche passate sul palco dell’Ariston c’è stata “Tuta Gold” di Mahmood che, anche se non dominò nella classifica finale, lo fece sicuramente radiofonicamente e a livello di impatto culturale, fondendo il pop contemporaneo con l’elettronica, suggestioni e percussioni provenienti dall’altra sponda del Mediterraneo, e una sessualità finalmente, veramente e fieramente libera e universale.
Un mare di contaminazioni portò a creare qualcosa di unico anche nell’altra metà del mash-up proposto dal nostro DJ anziano preferito : “Rhythm is a Dancer” degli SNAP è stata infatti pietra miliare insuperabile, che nel 1992 riuscì a fondere incredibilmente House, Techno, Hip Hop, Soul e Pop, in una mina di lava incandescente che dominò ovunque le classifiche mondiali per settimane e settimane.

“È stato il mash-up più facile e naturale della mia lunga carriera” dice in una rarissima dichiarazione un appesantito Erre “è bastato mettere la voce di quello sulla musica di quelli e avevo fatto” aggiunge laconicamente.
Segno inequivocabile che i due brani erano fatti per stare insieme, e diventare una cosa sola.

E come nel caso di Cutugno con i Daft Punk, dopo aver ascoltato sarà molto difficile immaginare che c’era un “prima” .

L'articolo Rhythm is a Tuta è il remix necessario per dare inizio a Sanremo proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Andare oltre l’aspettativa, per confermarla: ora Ele A non è più “la promessa del rap” ma una certezza.
Sì, è il futuro, ma soprattutto il presente di questa nuova scena.
Ora che sta per iniziare il suo tour, che partirà da Milano il 2 marzo, le abbiamo chiesto di raccontarci com’è la “post-Pixel era” e cosa dobbiamo aspettarci dai suoi prossimi progetti.

Tutto è nato da un freestyle ai tempi del Covid. Cosa è cambiato da allora nel tuo modo di fare musica?
Quando ho iniziato, il mio modo di scrivere era molto improntato sulle caratteristiche di Instagram al tempo perché ero consapevole che quella fosse un po’ la mia unica possibilità di avere una vetrina e raggiungere un bacino d’utenza ampio. Di conseguenza all’inizio facevo molta fatica a scrivere le seconde strofe, perché ero abituata a scrivere freestyle da 16 barre -i reel non potevano superare il minuto-. Ero anche molto più tecnica nella scelta delle parole, più astratte e meno impattanti perché l’obiettivo era fare più incastri possibile.

Sei arrivata a “Pixel”, il tuo primo disco, con la responsabilità di essere la “nuova promessa”, “il futuro del rap italiano”. Come ti sei sentita? Questa pressione ha inciso sul modo di viverti il tuo debutto discografico?
Chiaramente mi fa molto piacere che la gente mi abbia dato questi titoli, so benissimo come ci si sente a non avere occhi addosso, e il fatto che invece ora ci sia dell’interesse verso la mia musica è qualcosa che non do mai per scontato. Al contempo non mi influenza particolarmente perché so che l’industria è molto veloce e che queste cose sono abbastanza effimere. Per me ha sempre avuto molto più senso concentrarmi sulla mia interiorità per fare musica, più che su tutto ciò che è esterno, perché alla fine è molto soggettivo e non mi faccio influenzare troppo né dalle cose negative, né da quelle positive.

Su cosa stai lavorando in questo periodo e cosa possiamo aspettarci dai tuoi prossimi progetti?
Dopo l’album avevo tanta voglia di tornare in studio e sono sinceramente molto contenta della nuova musica che stiamo producendo. Alla fine la cosa che amo di più è creare in generale, già non vedo l’ora di portare le nuove tracce live. Ogni progetto ti fa sempre capire delle cose che ti aiutano ad avvicinarti sempre di più a quello che vuoi davvero fare.

Parlando di featuring, in “Pixel” hai avuto modo di confrontarti con un po’ di nomi della scena rap ma anche con il cantautorato più indie, grazie alla collab con Colapesce. È qualcosa che ti piacerebbe rifare in futuro, di far incontrare il tuo rap con altre sonorità? Se sì, con chi ti piacerebbe lavorare?
Assolutamente, io sono una persona veramente onnivora che ascolta un sacco di musica da tutto il mondo, ultimamente non sto più ascoltando neanche tanto rap. In Italia ci sono un sacco di artisti con cui mi piacerebbe collaborare, il mio preferito é sicuramente Calcutta.

Cosa dobbiamo aspettarci dal nuovo tour?
Vi aspetto alle date per scoprirlo :) ci saranno ovviamente delle sorprese e non vedo l’ora! A presto

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FELUCA è l’odore del sale, il ricordo delle ginocchia graffiate dagli scogli, la nostalgia dei pomeriggi lunghissimi fatti di niente se non di casa.
Il disco d’esordio di PACÌ, alter-ego musicale di Federico Romeo, è un ritorno a quel tempo, a quel luogo familiare. Si sente l’organicità della natura, il linguaggio (seppur strumentale) di chi viene dal mare.
Per la sua realizzazione, Federico ha incontrato Emanuele Triglia, Vincenzo Lato e Luca Gaudenzi, che come lui si approcciano alla musica in maniera spontanea e con un feeling tutto mediterraneo.

Abbiamo raggiunto PACÌ per approfondire il suo background musicale attraverso gli ascolti che hanno segnato il suo percorso artistico.

L'articolo I dischi fondamentali di PACÌ proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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In un disco la puntina si posiziona esattamente su quello che vogliamo sentire, in un ufficio tiene appeso quel foglietto con su scritte le cose che non dobbiamo proprio dimenticare.

PUNTINE è il nostro modo di fermare la musica bella appena uscita e farla rimanere viva nonostante il tempo voli via velocissimo.
Questa settimana: Broken Social Scene, Giulia Impache, Any Young Mechanic.
Nell’ultima pagina c’è la nostra playlist, aggiornata ogni mercoledì.

L'articolo Puntine #206 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Quando pensiamo ai Santamarea ci viene in mente questa citazione di Lucio Dalla:
“il pensiero come l’oceano, non lo puoi bloccare, non lo puoi recintare”
Sarà per il mare che è radice del loro nome, ma anche per la libertà che trasuda dai loro testi e dalla loro musica.
“Anime Storte” è il titolo del loro album d’esordio ed è una sintesi perfetta di questo concetto: anziché recintarsi in zone di comfort, i Santamarea fluiscono irregolarmente in più direzioni, esplorando nei sentimenti tanto quanto nella ricerca del loro carattere musicale.
Ci affascinano perché sappiamo che continueremo a non definirli mai e a pensarli liberi come il mare.

Anche le loro influenze rispecchiano inevitabilmente traiettorie “storte” e le scopriamo nelle prossime pagine.

L'articolo La collezione di dischi dei Santamarea proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Dario Jacque, Ali e Charif Megarbane, Alberto Bianco, Alba Akvama e Maddie Ashman.
Nell’ultima pagina c’è la nostra playlist, aggiornata ogni mercoledì.

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Questa settimana: Marta Del Grandi, Pem, Suice e quattro Puntine su Youtube.
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Questa settimana: Andra Faccioli, Leo Middea, Glomarì, Collettivo Jambona.
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Testo a cura di Elisabetta Picariello

Come un ninna nanna tra sonorità elettroniche e medievali, la musica di Guitarricadelafuente, atterra a Washington.

Nel suo Tiny Desk, Lafuente non sceglie di rallentare il suono, ma di metterlo a fuoco. Portando in uno spazio intimo una musica che resta corale, dimostrando che intimità e minimalismo non sono la stessa cosa. Attorno a lui c’è una formazione ampia, fatta di chitarre, piano, percussioni, archi, zanfona e voci che si muovono con equilibrio. Già nel suo ultimo album, Spanish Leather (Boots of Spanish Leather, Bob Dylan 1964) si percepisce una libertà nel costruire un linguaggio personale non confinata dal bisogno di aderire a un’idea esterna di “folk”.

La sessione NPR funziona come una conferma visiva e sonora di questa percezione.

Alcuni lo raccontano come un cantautore folk, ma quella definizione oggi appare riduttiva. Lo Spanish Leather Tour – che il 10 aprile passerà per i Magazzini Generali a Milano – e il Tiny Desk mostrano qualcosa di diverso: un artista che usa il folk come grammatica, non come genere. 

Nel mezzo del Tiny Desk, Lafuente si esibisce con Tramuntana, uno dei brani chiave di Spanish Leather. Tramuntana inoltre contiene il sample più esplicito e documentato dell’album: Il cielo in una stanza di Gino Paoli. Una scelta non casuale da parte di Lafuente, il quale nel brano parla come Paoli di desiderio e della sensazione di stare sospesi. Questo gesto inserisce Spanish Leather in una tradizione che supera i confini nazionali: Il cielo in una stanza. 

“Siempre me ha movido por dentro la nostalgia por tiempos mejores, o que simplemente desconozco. / Ho sempre avuto nostalgia di tempi migliori, o che semplicemente non conosco” 

 

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Parallelamente alla musica, la figura di Guitarricadelafuente inizia a muoversi anche nel cinema. Nel 2026 uscirà La bola negra, il nuovo film di Javier Calvo e Javier Ambrossi, noti come Los Javis, tra i nomi più influenti della nuova cultura pop spagnola. Il progetto è prodotto anche da El Deseo, la storica casa di produzione fondata da Pedro e Agustín Almodóvar, e vede nel cast Penélope Cruz insieme allo stesso Guitarricadelafuente.

Il film si muove tra musica, identità e memoria, temi che dialogano in modo diretto con l’universo artistico di Lafuente. La sua presenza non è un cameo, ma parte di un cast pensato per tenere insieme linguaggi diversi: cinema d’autore, musica e cultura pop contemporanea. Anche rispetto al percorso dello stesso Guitarricadelafuente, questo tipo di collab appare non come una deviazione, ma come un’estensione coerente del suo percorso, sempre più inserito in un discorso culturale ampio.

 

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Alla fine, quello che resta dal passaggio di Guitarricadelafuente per gli studi NPR non è la singola canzone o lo strumento particolare, ma la sensazione di un equilibrio perfetto tra voce, corpo e gruppo. È una soglia simbolica, una conferma di maturità artistica, dove la calma emotività, quasi cullante, ma mai inerte, riesce a parlare a un pubblico globale senza rinunciare alle proprie radici.

L'articolo “Il Cielo in Una Stanza” nel Tiny Desk di Guitarricadelafuente proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Tra le collab più belle di quest’anno appena iniziato c’è quella di HÅN con Generic Animal, uniti nel brano “un animale non sa piangere“, dal nuovo EP di HÅN “II-Inverno”. Due artisti con una scrittura complementare che dialogano non solo musicalmente ma condividono anche un comune pattern emotivo: entrambi fragili, gonfi alla gola di emozioni che fanno fatica ad uscire.

Il titolo di questo brano che li vede insieme è eloquente in questo senso, manifestando la difficoltà di esprimere le emozioni e una conseguente tensione lirica che permea tutto il brano.

Li abbiamo raggiunti per farci raccontare com’è nata questa collaborazione timida, vulnerabile ma fortissima:

Generic Animal:
“Io e Giulia volevamo scrivere un pezzo chitarra e voce. Tipo “Love yourself” di Justin Bieber, a modo nostro, in questa lingua timida, che ci accomuna”.

HÅN:
“Ho invitato Luca durante la residenza alla Casa degli Artisti lo scorso maggio. Ha scritto una parte di chitarra che mi è sembrata subito molto bella; il testo e la melodia ne sono usciti di conseguenza e penso che il risultato rispecchi entrambi, forse perché abbiamo tanti ascolti in comune. Anche dal punto di vista testuale è stata una delle canzoni più semplici che io abbia mai scritto. Ero lì per una settimana, una cosa di cui ero molto felice, eppure non riuscivo a fare delle task semplicissime come cucinarmi il pranzo, lavare i vestiti; insomma le azioni quotidiane che ti permettono di vivere mi sembravano impossibili. Quindi ho voluto un po’ parlare di questo e di quanto sia difficile uscirne davvero (se mi tagli la coda sai che cresce sempre nuovamente); di come l’immobilità emotiva (un animale non sa piangere) si sposti anche sul pratico (ho pulito la stanza, ho lavato i capelli, voglio tornare a casa e sdraiarmi sul letto di sempre ma sempre più tardi) e di come questo mi facesse sentire una versione inferiore di me stessa.”

L'articolo HÅN e Generic Animal raccontano la loro collab proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Lexa Gates, Lucy Rose, 15 15, Jana Horn.
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L'articolo Puntine #202 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Un anno fa moriva David Lynch, uno dei pochi registi al mondo con uno stile talmente unico e inimitabile da essersi meritato la coniazione di un aggettivo tutto suo- “lynchiano” – diventato ormai un termine d’uso comune per descrivere le atmosfere tipiche del suo cinema tra l’onirico e l’inquietante
Nella foto che accompagnava l’annuncio della sua morte, pubblicato sulla sua pagina ufficiale il 16 gennaio 2025, lo si vedeva ritratto con una chitarra in mano. Non una cinepresa, ma una chitarra. Basterebbe già questo per dare un’idea di quanto fosse importante e viscerale il suo rapporto con la musica. “La musica è magia” aveva sintetizzato il regista, ma vale la pena approfondire.

Per questo ad un anno dalla sua scomparsa abbiamo deciso di rendergli omaggio attraverso un viaggio nel suo mondo musicale. Perché sì, oggi lo possiamo tranquillamente affermare, David Lynch, oltre ad essere stato uno dei più grandi registi della storia del cinema, nel corso della sua evoluzione artistica è stato anche un incredibile music designer e un vero e proprio musicista, compositore e cantautore sui generis.
Da piccolo Lynch aveva avuto anche una minima formazione musicale: da bambino, infatti, aveva iniziato a suonare la tromba – e ci sono diverse foto che lo testimoniano – ma la cosa era finita lì. Da giovane cineasta adulto, invece, si era dimostrato fin da subito un abile sperimentatore sonoro, anche se – naturalmente –, agli inizi della sua carriera cinematografica non osava certo definirsi musicista. Anzi, in una vecchia intervista aveva precisato «Adoro il suono e sperimentare con il suono. […] Mi ha sempre interessato anche se non sono affatto un musicista. Ma i suoni tendono verso la musica e amo quell’area di confine in cui posso danzare sempre più vicino alla musica con gli effetti sonori».

L’utilizzo degli effetti sonori e dei rumori ambientali con una sensibilità musicale è un aspetto fondamentale della sua estetica che lo accompagna già dagli esordi suoi primi cortometraggi e lo farà per tutta la prima parte della sua carriera. Decisivo in questo senso è l’incontro con l’ingegnere del suono Alan Splet, insieme al quale collabora alla sonorizzazione di tutti i suoi primi lavori, dalla fine degli anni ’70 fino ai primi anni ’90.
Lynch, in realtà, artisticamente non nasce né come regista né come musicista. Il suo primo vero amore con l’arte, infatti, è quello con la pittura. Ma poi un bel giorno si accorse che il quadro sul cavalletto non gli bastava più. Voleva completarlo dandogli un movimento e un contorno sonoro: quello che voleva più di tutto – dirà – era “sentire il vento”. Nasce così l’aspirazione di diventare regista e al tempo stesso l’idea del primo vero tipico “suono lynchiano”, ovvero il sibilo del rumore del vento, che abbiamo sentito così tanto spesso nei suoi film. Lo sentiamo forte e chiaro anche all’inizio e alla fine di In Heaven (The Lady In The Radiator Song), l’unica vera e propria canzone, presente nella colonna sonora del suo primo film The Ereserhead. Per il resto, la colonna sonora del film era stata definita dallo stesso Lynch come una “sinfonia industriale”, composta con l’aiuto di Splet, che aveva registrato ore e ore di rumore di vento, e lo aveva poi abbinato a ronzii elettrici, lamiere metalliche e macchinari in funzione, in modo da catturare, come richiesto dal regista, l’inferno sonoro di una città industriale.

https://www.youtube.com/watch?v=awVNCIjQq1A

Sarà proprio questa esperienza sonora a influenzare e porre le basi per la nascita del cosiddetto genere industrial, sviluppato poi da band come i Throbbing Gristle e gli Einstürzende Neubauten, o, in zone più limitrofe all’ambient, dai Coil e Tim Hecker.

Altro incontro fondamentale per lo sviluppo musicale di Lynch è quello con il compositore d’origini siciliane Angelo Badalamenti. I due si erano conosciuti sul set di Velluto Blu (1986), dove Badalamenti era stato inizialmente convocato per fare da “vocal coach” a Isabella Rossellini e aiutarla a cantare l’omonimo brano che aveva ispirato l’intero film, ovvero Blue Velvet di Bobby Vinton

Ma l’affinità tra Lynch e Badalamenti fu tale che quest’ultimo si ritrovò a comporre l’intera colonna sonora del film. C’era solo un piccolo problema: Lynch non conosceva il linguaggio della teoria musicale e pertanto si limitava a descrivergli le scene, i colori e le sensazioni, che poi Badalamenti avrebbe dovuto tradurre in note di pianoforte. Questa tecnica sulle prime spiazzante, si consoliderà negli anni, sfociando nel capolavoro assoluto della colonna sonora di Twin Peaks.
Ma per arrivare a quella manca ancora un tassello fondamentale: la voce eterea di Julee Cruise. Lynch, in realtà, avrebbe preferito quella di Elizabeth Fraser, folgorato sulla via del dream pop, dopo averle sentito cantare la cover di Song To The Siren di Tim Buckley nel progetto This Mortal Coil. Avrebbe fatto di tutto per averla in Velluto Blu, ma essendo fuori budget, Lynch si rimboccò le maniche e cercò di creare insieme a Badalamenti qualcosa di simile. Il risultato è la loro prima vera e propria canzone scritta insieme: Mysteries of Love – con musica di Badalamenti e testo di David Lynch. Da antologia la descrizione che Lynch fece a Badalamenti su come avrebbe dovuto suonare il brano: “Fallo come il vento, Angelo. Dovrebbe essere una canzone che galleggia sul mare del tempo”. A cantarla al posto della Frazer c’è appunto Julee Cruise, una vecchia conoscenza di Badalamenti, la cui voce – se possibile – suona ancora più impalpabile e onirica della fonte d’ispirazione originale. Tutti e tre ne sono così entusiasti da proseguire la collaborazione nello spettacolo teatrale Industrial Symphony n. 1 e nei due dischi successivi di Julee Cruise, Floating Into The Night (1989) e The Voice of Love (1993). Ma soprattutto nella colonna sonora cult di Twin Peaks.

Senza dilungarci sull’impatto epocale che ebbe lo show nel mondo della televisione, ci limitiamo a sottolineare quanto parte di quell’impatto sia legato anche alla strepitosa colonna sonora, composta ancora una volta dalla premiata ditta Lynch-Badalamenti, con l’aggiunta parsimoniosa della voce di Julee Cruise, usata in tre brani dal forte impatto emotivo: The Nightingale, Into The Night e Falling. Il riadattamento strumentale di quest’ultima diventerà l’evocativa e indimenticabile sigla iniziale della serie, capace di far sprofondare lo spettatore/ascoltatore in un profondo senso di pace, nostalgia e desiderio romantico: la discesa degli accordi è analoga all’atto di innamorarsi e, nel mondo di Lynch, all’atto di “cadere” (falling appunto) sia nella sua forma fisica che metafisica.

Ma il pezzo forte è il tema di Laura Palmer, la ragazza scomparsa attorno alla quale si sviluppa il mistero della serie. Badalamenti ha raccontato in un video il momento in cui è nato il brano: Lynch gli descriveva cosa doveva immaginarsi per tirare fuori le note, prima lente e cupe, “come se fossero in un bosco di notte circondati solo dal rumore del vento e degli animali”, e poi improvvisamente un’apertura celestiale, la comparsa di una ragazza in lontananza che si avvicina sempre di più, facendo salire la melodia sempre più in alto sul Fender Rhodes, fino al raggiungimento del climax, per poi svanire di nuovo nel buio. A questo punto la musica è davvero magia e il suo successo sarà strepitoso.

Nel 1992 c’è un altro punto di svolta che arriva con il film Fuoco Cammina con me (1992) – il prequel di Twin Peaks: qui Lynch si accredita come sound designer e non si limita a descrivere le canzoni o a scriverne soltanto il testo, come aveva sempre fatto in passato, ma per la prima volta compone in prima persona anche la musica di un brano. Nasce così il suo primo strumentale rock intitolato The Pink Room: lento, ipnotizzante e carnale, come la scena a cui è abbinato nel film.

https://www.youtube.com/watch?v=TsttKnIFrR8

Il lavoro da sound designer di Lynch si consolida con le pellicole successive, in particolare Strade Perdute del 1997 e Mulholland Drive del 2001. Il primo è dotato di una colonna sonora formidabile che, oltre alle orchestrazioni di Badalamenti, contiene anche una selezione di brani curata da Trent Reznor dei Nine Inch Nails (futuro premio Oscar). Reznor ha raccontato di aver creato il brano Driver Down in base agli input bizzarri che Lynch gli aveva dato con le solite modalità che era abituato a usare con Badalamenti. Nello specifico pare che Lynch gli abbia detto che per la scena finale voleva «il suono di una scatola da cui saltano fuori dei serpenti che ti sibilano in faccia». Strade Perdute è anche il film in cui Lynch corona finalmente il sogno di avere la tanto desiderata Song to the Siren dei This Mortal Coil in una scena che è letteralmente di accecante bellezza.
In Mulholland Drive (2001) Lynch manipola come meglio crede le tracce orchestrali di Badalamenti per creare gli effetti angoscianti desiderati. Ma oltre ai loro brani strumentali, il film contiene anche una versione pazzesca di Crying di Roy Orbison cantata in spagnolo da Rebekah Del Rio (“Llorando”) e altri brani (Go Get Some, Mountains Falling) pescati da Bluebob (2001), il primo vero progetto musicale di Lynch, che per la prima volta si cimenta nel ruolo di chitarrista al fianco del ben più esperto musicista John Neff. Qui possiamo sentire il suono anticonvenzionale della chitarra d’avanguardia di Lynch – la Parker Fly del 1997 visibile nella foto – a metà strada tra chitarra e sintetizzatore.

A questo punto a Lynch non resta che cantare. Il passo viene ufficialmente compiuto con la colonna sonora del suo ultimo film INLAND EMPIRE del 2006. Lynch non solo scrive due ottimi brani come Ghost of Love e Walking in the Sky, ma li canta pure, stravolgendo la sua voce attraverso svariati effetti, non essendo certamente il bel canto il pezzo forte della casa. Il film segna il distacco dalla placenta di Badalamenti e inaugura una nuova collaborazione vocale con la cantante “aliena” Chrysta Bell, a cui viene affidata la canzone migliore del lotto (Polish Poem), e con la quale il regista lavorerà anche in futuro fino a poco prima di morire.
Lynch si cimenta nel canto anche nel disco di Danger Mouse e Sparklehorse The Dark Night Of The Soul (2009), dove oltre a curare la veste grafica del progetto tramite video e artwork, fa capolino pure in veste di vocalist in un paio di brani: la struggente Star Eyes (I Can’t Catch It) e l’inquietante title track.
A questo punto Lynch è davvero pronto per camminare nel mondo della musica con le sue gambe. Nel 2011 pubblica il suo primo vero album “solista” Crazy Clown Time e due anni più tardi bissa con The Big Dream (2013). Si tratta di due dischi particolarmente oscuri (poteva essere altrimenti?) caratterizzati da un sound blues sporco, industriale, a tratti rarefatto. A limitarne il potenziale radiofonico, purtroppo, non sono tanto le atmosfere cupe quanto la voce di Lynch non sempre all’altezza della situazione. Non a caso gli episodi che alla fine brillano di più sono quelli affidati a due vere cantanti: Pinky’s Dream in Crazy Clown Time cantata da Karen O degli Yeah Yeah Yeahs e I’m Waiting Here con Lykke Li in The Big Dream.
Il viaggio musicale di Lynch passa ancora attraverso il ritorno di Twin Peaks del 2017, in cui Lynch si avvale del sound designer Dean Hurley e usa l’escamotage del Bang Bang Bar per concludere ogni puntata con l’esibizione musicale di un’artista affine (tra i tanti spiccano il dream pop di Chromatics e Au Revoir Simone e i grandi ritorni di Rebekah Del Rio e Julee Cruise). Ma la conclusione del viaggio è il disco pubblicato nel 2024 insieme a Chrysta Bell Cellophane Memories. Gli ultimi versi del brano conclusivo – Sublime Eternal Love – sono la summa della sua poetica musicale: E il rumore si trasformò in musica / E le note avevano un sentimento.

David Lynch non c’è più. Ma per fortuna c’è sempre musica nell’aria.

L'articolo Viaggio attraverso la musica di David Lynch proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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PUNTINE è il nostro modo di fermare la musica bella appena uscita e farla rimanere viva nonostante il tempo voli via velocissimo.
Questa settimana: Devin Yü, Brad Stank, Mandolin, Peet.
Nell’ultima pagina c’è la nostra playlist, aggiornata ogni mercoledì.

L'articolo Puntine #201 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Dopo aver svelato i migliori album del 2025, eccoci anche con la lista dei brani che hanno fatto da colonna sonora al nostro anno.
Abbiamo raccolto i 25 più significativi ma anche quelli che per noi sono stati i primi amori, oltre le conferme.

Li trovi tutti nelle prossime pagine e in questa playlist

L'articolo I 25 migliori brani del 2025 proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

25 dischi per il 2025. Quali sono i dischi che hanno segnato gli ultimi 12 mesi?
Riassumere un anno intero, che sono una cinquantina di new music friday, non è cosa facile ma eccoci qui a raccogliere gli album che più ci hanno impressionato in questo 2025 che volge al termine.
Ne avremo lasciato fuori qualcuno? Sicuramente, e per forza di cose. Altrimenti avremmo chiamato questa lista TUTTI I MIGLIORI DISCHI DEL 2025. E invece la vita è fatta di scelte. E qui abbiamo scelto di fermarci a 25 dischi.

Li trovi nelle prossime pagine.

L'articolo I 25 migliori album del 2025 proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Fresco di pubblicazione del suo disco d’esordio “Stellar-Boy”, in cui la musica si intreccia con le arti visive in una Graphic Novel che traduce in immagini le tracce del disco, PICCOLO dei bnkr44 ci racconta quali sono i dischi della sua collezione, quelli che lo hanno ispirato nella scrittura dell’album.

L'articolo La collezione di dischi di PICCOLO proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Anche quest’anno ti veniamo in soccorso con un po’ di idee regalo a tema musica da mettere sotto l’albero di Natale. Non ci perdiamo in chiacchiere e ti invitiamo a sfogliare le prossime pagine per spunti succosi.

L'articolo Guida ai regali di Natale per chi ama la musica proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Testo a cura di Elisabetta Picariello

Ci sono gruppi che conquistano la scena una hit alla volta, e poi ci sono quelli che entrano senza bussare, come se la porta fosse già stata aperta per loro. Latin Mafia appartiene a questa seconda categoria.
Nel 2020 i fratelli Emilio, Milton e Mike de la Rosa non hanno seguito il percorso classico. Invece degli anni di gavetta nei club, hanno iniziato su TikTok, registrando video DIY senza troppe pretese: piccoli behind-the-scenes del loro processo di contaminazione tra generi, remix di celebri brani latini e qualche fit-check. Lì è iniziata una di quelle storie che spesso viene ridotta alla retorica della “rivoluzione social” e del potere dell’engagement. In realtà è una storia di musica e identità che esplode oltre i confini del Messico e dell’America Latina, arrivando con forza negli Stati Uniti e in Europa.

Milano ha ospitato l’ultima data del loro primo tour mondiale, legato all’album di debutto Todos los días todo el día, pubblicato nell’ottobre 2024. È una tappa cruciale per un progetto che, nel giro di un anno, ha delineato il manifesto di un nuovo pop latino: sentimentale, digitale, ibrido. Latin Mafia gioca con i generi, con la tradizione e con la tensione sperimentale di chi guarda a Tyler, The Creator come riferimento principale. Figli di un nuovo pop in lingua spagnola aperto da artistə come Rosalía, i de la Rosa hanno codificato un modo sorprendentemente pop di muoversi tra cumbia, reggaetón, R&B, latin trap e perfino house.

La loro musica abita un territorio ibrido, senza confini netti: è un pop che non sa di essere pop, un R&B che preferisce il sussurro al virtuosismo, un reggaetón emotivo e sentimentale, una trap e un house che compaiono solo quando servono davvero. Da un brano dreamy-pop latino come Julieta nasce in modo naturale Julietota, che prende gli ultimi trenta secondi del pezzo e li spinge verso un neoperreo-reggaetón alla Young Miko.
I giochi di effetti e di chop vocali si appoggiano a una scrittura che ha la delicatezza della confidenza e la precisione del gesto preciso: tutto è puntuale e diretto.

In un’intervista con Genius, spiegando il testo di Hecho para ti (in collaborazione con Omar Apollo), i tre fratelli sottolineano proprio questa spontaneità, forse la vera formula magica del loro songwriting: “No está tan lejos / y no es tan complicado / Dime: Lo siento / Mi amor no es tan pesado”.

Tra le ragioni del successo, oltre alla mancanza di un “percorso canonico”, c’è sicuramente il legame fortissimo costruito con i fan in piena pandemia: una community affezionata, che ha permesso alla band di ottenere risultati enormi prima ancora di pubblicare un album o di firmare con un’etichetta. Milioni di streaming e visualizzazioni. L’Olympic Velodrome di Città del Messico sold out in pochi minuti. Il debutto al Coachella nel 2024 tra gli act più attesi. La collaborazione con Rusowsky in Neo Roneo. Tutto velocissimo, tutto prima del disco d’esordio.

Durante il tour europeo di Todos los días todo el día, la spontaneità e la forza del legame con la fanbase – inclusa quella europea – esplodono fin dal primo istante: questo tour dimostra che Latin Mafia ha un pubblico trasversale che non li vive come una band di passaggio, ma come una vera community.
Anche nella performance live, la band sperimenta un modo diverso di intendere la relazione col pubblico: è come se ogni spettatore fosse idealmente invitato sul palco, accanto a loro. Le videocamere sono ovunque: oltre alla bodycam, c’è un operatore che li segue costantemente e si muove con loro. È una scelta che richiama l’estetica live di Fred Again.., mentre i sottotitoli in stile karaoke ricordano l’immaginario di Rusowsky – due riferimenti dichiarati nell’universo di Latin Mafia.

Ma non sono solo i visual a restituire l’intensità del loro coinvolgimento. I tre fratelli urlano, saltano, si lanciano sulla folla per più di due ore e mezza. Corrono da una parte all’altra del pubblico – che li adora – e, senza perdere un colpo, sostengono un’esibizione travolgente. L’energia è così forte da sembrare una liturgia collettiva. Impressionante, soprattutto se si considera che tutto questo nasce da un solo disco: Todos los días todo el día dimostra quanto il live stia cambiando come linguaggio, come gesto, come forma di racconto.

Latin Mafia funziona. Sono eredi inconsapevoli di un pop che ha imparato a piangere e a urlare non per estetica, ma per necessità. Il Messico che portano dentro non è folklore, è memoria; la pandemia che li ha generati non è mero contesto, è condizione emotiva. E forse il futuro del pop latino è questo: non banger da discoteca, ma tensione, desiderio, rilascio. C’era davvero qualcosa di nuovo nell’aria: non l’estetica reggaetón, non il pop mainstream, non il solito intimismo indie pacato. Qualcos’altro. Un ponte. E funziona proprio perché non assomiglia a niente, eppure ricorda tutto.

È evidente che stiamo scoprendo Latin Mafia nello stesso momento in cui Latin Mafia scopre se stessa, su palchi nuovi, più esposti, più maturi. Eppure, al di là dei numeri, delle nomination ai Latin Grammy (prima come Best New Artist, poi nel 2025 come Best Alternative Music Album e Best Alternative Song), al di là di un tour Latinoamérica y Europa quasi interamente sold out, un dato resta più forte di tutti: Latin Mafia rimane una band nata in una stanza durante la pandemia. È un’impronta che non puoi togliere dal loro modo di suonare. Anche quando sono su un palco europeo davanti a migliaia di persone, i tre fratelli mantengono una familiarità con l’intimità e con il caos, che si percepisce profondamente nelle loro canzoni.

L'articolo I Latin Mafia stanno riscrivendo il futuro del pop latino proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

A mezzanotte esce “Nessuna”, il nuovo EP di Altea.
Il progetto, che nasce come forma di resistenza spirituale, diventa un manifesto di rinnovamento.
Quale sarà il suono di questa rinascita lo scopriremo tra poco, intanto qui ci prepariamo attraverso gli ascolti fondamentali dell’artista.

L'articolo La collezione di dischi di Altea proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: AE MAK, midori jaeger, Hobby Solo, KTRNA.
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Manca ormai pochissimo alla finale di X Factor 2025 che anche quest’anno si terrà in Piazza del Plebiscito a Napoli dove l’appuntamento è previsto per il 4 dicembre.
Nell’attesa di scoprire chi sarà il vincitore o la vincitrice di quest’edizione abbiamo fatto un gioco: ci siamo messi per un attimo nei panni dei giudici, assegnando i nostri brani del cuore agli artisti in gara.
Quali sono le cover che vorremmo ascoltare sul palco di X Factor? E chi vorremmo che le interpretasse?
Lo scopri nelle prossime pagine.

L'articolo Le cover che vorremmo ascoltare a X Factor 2025 proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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In un disco la puntina si posiziona esattamente su quello che vogliamo sentire, in un ufficio tiene appeso quel foglietto con su scritte le cose che non dobbiamo proprio dimenticare.

PUNTINE è il nostro modo di fermare la musica bella appena uscita e farla rimanere viva nonostante il tempo voli via velocissimo.
Questa settimana: Bug Teeth, Alberto Bazzoli, Raina Sokolov-Gonzalez, Emmeline, Satantango.
Nell’ultima pagina c’è la nostra playlist, aggiornata ogni mercoledì.

L'articolo Puntine #199 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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In un disco la puntina si posiziona esattamente su quello che vogliamo sentire, in un ufficio tiene appeso quel foglietto con su scritte le cose che non dobbiamo proprio dimenticare.

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Questa settimana: Stevie, Tobias Jesso Jr., Bijaan e quattro Puntine su YouTube.
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L'articolo Puntine #198 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Il miglior esordio di questo 2025 viene dal mare che bagna Napoli e la sua costa flegrea.
È lì che “Gioielli Neri”, il disco di debutto della cantautrice e produttrice Sara Gioielli, ha preso forma. In una terra attraversata dal mito e scossa dal vulcano, Sara sfata i suoi miti e affronta i suoi sommovimenti attraverso la musica e, in particolar modo, attraverso il canto.
La voce di Sara sta a quest’album come un diamante sta a un anello: incastonata, al suo centro, è la cosa più lucente.
Il resto è volutamente minimale: c’è il piano ad accompagnarla, mentre tutt’intorno un silenzio sacro avvolge le epifanie vocali che si susseguono di traccia in traccia.

“Gioielli Neri”  è il nostro “Lux” italiano e non è un azzardo pensarlo: li accomuna il tema del sacro e da un punto di vista strettamente musicale l’ambizione di attingere dalla musica classica per farne qualcosa di contemporaneo.

Abbiamo intervistato Sara Gioielli per farci raccontare meglio questo prezioso esordio prima dei due live di presentazione a Napoli e Milano.

Il titolo del tuo primo disco e il tuo nome coincidono per metà, indice del fatto che in “Gioielli Neri” c’è tanto di Sara Gioielli. Com’è stato per te raccontarti in quest’opera?
Non è stato semplice. Mi viene da dire che è stato doloroso e terapeutico allo stesso tempo. Non tanto nel processo di lavorazione, ma per tutto ciò che faceva parte della mia vita prima e durante la creazione dei brani. Mentre affrontavo i miei nodi interiori, la musica è diventata una seconda terapia. Raccontarmi in questo disco ha dato forma a gran parte di ciò che stavo elaborando e, per quanto sia stato emotivamente intenso, oggi ascolto i brani e mi riconosco completamente.

Il lettore di DLSO che ti ascolta per la prima volta cosa deve sapere prima di schiacciare play al tuo album?
In realtà non serve sapere nulla, ma suggerirei di ascoltarlo da soli, o con qualcuno con cui ci si sente davvero vicini.

L’album è molto minimalista nelle produzioni, quasi a voler lasciar spazio a un massimalismo di sentimenti, veicolati attraverso la tua voce potente. Cosa ti ha spinto a intraprendere questa scelta?
Direi che è stato tutto abbastanza naturale. Cercavo un’indipendenza creativa che fino a quel momento facevo fatica ad avere. Nella mia inesperienza pensavo che l’unico modo per creare, e quindi fare dischi, fosse affidarsi a chi ne sapeva più di me, senza dare il giusto peso a ciò che io stessa sapevo. Quando ho riconosciuto i miei punti di forza, come la mia voce, il pianoforte e soprattutto il mio valore personale, ho deciso di seguire quella intuizione. Credo che questo progetto sia nato anche dal fatto che ho imparato ad accogliere i miei limiti e ad ascoltare ciò che mi suggerivano le viscere. Sentivo che non c’era spazio per altro.

Qual è il tuo primo ricordo musicale?
Io a 5/6 anni che canto Left Outside Alone di Anastacia, sbagliando tutte le parole in inglese ahahah

Tra poco suonerai per la prima volta il disco. Cosa significa per te presentare “Gioielli Neri” al pubblico e cosa dobbiamo aspettarci dallo show? Sarà intimo e minimale o hai in mente un racconto diverso?
Finalmente direi! Stavo pensando solo a questo :)
Ho sempre immaginato il live diverso dal disco: sarà uno show ridotto totalmente all’osso. Nell’album ci sono interventi di produzione, ma sul palco sarà tutto completamente spoglio. La scelta di mantenerlo minimale nasce dal fatto che il vero focus sono le emozioni, quello che ho voluto raccontare e il modo in cui l’ho voluto dire e cantare.
Non c’è tecnicismo che tenga e lo dico da maniaca della voce. Conta solo COME viene detta una frase. Ci tengo davvero tanto a questo aspetto.

Il tuo disco preferito.
In questo momento della mia vita mi è davvero difficile rispondere a questa domanda. Ci sono dischi che hanno segnato periodi importanti per svariate ragioni e che sono legati a parti di me passate. Poi ci sono i dischi della me attuale, che hanno un valore enorme ma che rappresentano solo una parte di ciò che sono oggi.
Sai cos’è? Qualche mese fa avrei saputo rispondere senza esitazione, ma adesso sento che ci sono troppi fattori che influenzano cosa può essere, per me, “il mio disco preferito”.

Quali sono le tue Muse?
La mia musa più grande nella vita è mia madre.
Artisticamente mi ispirano tante donne come Rosalía, Mina, Gretchen Parlato, Buika, Sarah Vaughan, Yebba… sono artiste con una personalità fortissima e un potere emotivo nella voce che mi spinge sempre, sempre a ricercare.

L'articolo Sara Gioielli è la rivelazione più bella dell’anno proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Stella Donnelly, LAUSSE THE CAT, Elanor Moss, Bachar Mar-Khalifé.
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Questa settimana: Melody’s Echo Chamber, Charif Megarbane, Shlohmo.
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Questa settimana: corto.alto, Leo Pesci, Laila Al Habash, Dot Dev e un saluto a D’Angelo.
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Questa settimana: 9ICK, Bambu, Greg Foat, ESERA, Nemahsis.
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L'articolo Puntine #194 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Consumiamo dischi alla velocità di un venerdì. Di alcuni non riusciamo neppure ad afferrarne il senso, che li abbiamo già dimenticati. Spesso ci diciamo che è colpa di come vanno adesso le cose, della musica liquida. Che è vero e non è vero.
Perché poi arrivano dischi come quello di Andrea Laszlo De Simone, e arrivano di venerdì come tutti gli altri. Solo che è difficile che te ne dimentichi: è proprio difficile che un album come “Una lunghissima ombra” se ne vada via insieme all’ennesimo venerdì, perché fa parte di quella categoria di dischi per i quali esiste un prima e un dopo averli ascoltati.

“Una lunghissima ombra” è quella che si allunga su tutto il resto mentre stai ascoltando l’opera d’arte che Andrea Laszlo De Simone ha scritto e composto dalla prima all’ultima nota: non c’è nulla di più importante che concedersi totalmente a questo disco.
La sensazione è quella di farne parte, di stare in mezzo a quelle canzoni e sentirle: è come quando in un film la soggettiva ti fa entrare nella scena, così nel disco di Laszlo, le due prospettive (la tua e la sua) si sovrappongono. I rumori della città, il silenzio pieno della notte e anche la voce di Andrea, che sembra uscire da un grammofono, fanno di “Una lunghissima ombra” un disco tattile, estremamente percettivo: è per questo che la dimensione di ascolto si amplifica e diventa totalizzante.

Naturalmente, succede di sentirsi immersi anche e soprattutto sul piano emotivo: nel cono d’ombra proiettato da Laszlo non esiste un al di qua personale e un al di là collettivo perché lo smarrimento dell’artista in una realtà sempre più deprimente è un sentimento condiviso, i pensieri intrusivi ci attraversano allo stesso modo e ci ritroviamo tutti bene o male ad arginare quegli uragani che sentiamo aprirsi al centro del petto.

È di nuovo mattina
E inizi già a sentire
Un uragano in petto
Al posto del tuo cuore
E fermarlo non puoi
Soffia verso di noi

Una crepa scura attraversa orizzontalmente un cielo fumoso nella copertina dell’album, a sottolineare la frattura tra ciò che potremmo essere e ciò che siamo, gli ideali e le nostre responsabilità, vivere e la paura di farlo.
Nell’indagare queste fenditure e nel colmarle suo malgrado, quello di Andrea Laszlo De Simone è un disco necessario, fondamentale a definirci. Fragili, guerrieri, colpevoli, lucenti, diffratti, migliori, peggiori, umani.

L'articolo Un disco necessario proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Testo a cura di Dariush Aazam Rahimian

Composed, arranged, written, produced and performed by D’Angelo.
Così recita la copertina di Brown Sugar, il primo dei tre album di Michael Eugene Archer. In trent’anni di carriera, tre dischi sembrano pochi. Ma hanno segnato tre decenni, cambiando la storia di tutti i generi che hanno incrociato per strada, e anche di quelli che hanno salutato solo da lontano.
Il suo esordio, pubblicato a 21 anni, faceva da ponte tra il miglior soul anni ’70 e l’r&b vanitoso che stava iniziando a spopolare; Voodoo, nel 2000, rifuggiva le mode quantizzate dell’epoca e introduceva delle imprecisioni volontarie, con ritmi coraggiosi e riff mai risolti; Black Messiah, quattordici anni dopo, fondeva il funk più ribelle con elementi rock, suonando come un inno alla rivoluzione in un periodo di grandi tensioni a sfondo razziale negli USA.
Il 14 ottobre 2025, alla notizia della sua morte per cancro al pancreas, i tributi al musicista di Richmond sono arrivati dai mondi più disparati, a testimonianza di un’influenza sconfinata. Se ne coglie l’ampiezza leggendo le riviste di settore internazionali: The Fader, ad esempio, l’ha ricordato con una cover story in cui lo affiancava a un’icona pop-rock come Beck, mentre Resident Advisor l’ha ringraziato per aver ridefinito la parola ritmo anche per il mondo dell’elettronica.
Poi, come accade sempre in questi casi, ogni artista ha postato il proprio aneddoto. Ma questa volta mi sono sembrati tutti sinceri. E i fan ancora di più. Ognuno parlava di una canzone preferita diversa, di una cicatrice o un tatuaggio, di parole e melodie. X e Reddit, a poche ore dalla notizia, pullulano di thread che chiedono di raccogliere performance inedite, spezzoni di interviste, ricordi personali – all’improvviso tutto risuona fortissimo.

Io, come tanti fan che oggi stanno passeggiando con le cuffie nel loro posto speciale, non ho mai vissuto Marvin Gaye, Miles Davis, Prince, Stevie Wonder, Jimi Hendrix e altri geni della musica black (“My only boundary is black music”, diceva D’Angelo a Interview Magazine nel 2013, intendendo che limiti non se ne poneva affatto), ma credo di averli conosciuti tutti tramite la musica di D’Angelo.
Solo tre album, ma è da folli pensare che abbiamo finito di scoprirlo. Nelle cover, intravediamo come lui ascoltava il mondo. Nelle versioni acustiche, si capisce come iniziavano le sue idee. E se non bastano, ci sono i pezzi – strumentali oppure mormorati angelicamente – senza titolo, bozze che persino l’algoritmo di YouTube riconosce come gemme e mi propone al momento giusto, quando devo accorgermi di un sentimento che cresce.
Tra scelte creative e scherzi del caso, in 51 anni D’Angelo ha manipolato il tempo come pochi altri, rivisitando linguaggi di altre epoche mentre dava vita a nuovi generi – su tutti il neo-soul, con cui il soul si è potuto finalmente appoggiare alla batteria morbida e densa dell’hip hop campionato a mano libera – che ancora oggi sono studiati, adorati e imitati.
Chissà se per lui sono sembrati 100 anni, o se è stata tutta una jam session di un paio d’ore. Non c’è fretta.

Tutte le canzoni della sua carriera, pubblicate o meno, racchiudono delle domande.
A volte il dilemma si aggroviglia, come quando in Me and Those Dreamin’ Eyes of Mine D. si chiede se la sua immaginazione lo sta tradendo. Altre volte, come nella dolce linea di basso di The Line, l’indecisione scivola via verso il mondo. E il centro del mondo per D’Angelo era lo studio di registrazione, dove grandi musicisti entravano pieni di certezza e uscivano con nuove strade da percorrere, improvvisamente bambini. Molte di queste strade si sono aperte dagli Electric Lady Studios di New York, dove è nato Voodoo, il suo più grande successo. Se in Brown Sugar usava strumenti vintage per mancanza di alternative, qui diventa una scelta: inseguire la texture dei grandi album soul giocando con i loro stessi limiti. Nello studio, fondato da Jimi Hendrix, D’Angelo invitava Pino Palladino (bassista leggendario che lo ha accompagnato per tanti anni), Questlove (batterista dei The Roots), Raphael Saadiq (producer e polistrumentista), J-Dilla, Q-Tip, Erykah Badu e tutti i membri del collettivo fluido chiamato Soulquarians. E insieme prendevano parte a una sorta di seduta spiritica profana, come la definisce Dan Charnas nel libro Dilla Time. D’Angelo credeva davvero negli spiriti dei grandi artisti, in visita per aiutarlo a capire che cosa significhi la musica e dove si può trovare Dio.

Questo implicava guardare vecchi episodi di Soul Train, ascoltare album iconici, ricreare alcuni pezzi dei suoi idoli e vedere quali dettagli avrebbero spontaneamente cambiato, per poi tradurli in idee nuove su cui costruire i migliori album di una generazione. Così sono germogliati Mama’s Gun di Erykah Badu, Like Water for Chocolate di Common, e Things Fall Apart dei Roots, tra gli altri. In tutti questi dischi, come in tutte le stanze degli Electric Lady Studios, si respira quella stessa, confortante voglia di sbagliare.

Nel documentario Devil’s Pie, uscito nel 2019 e di difficile reperibilità come si addice a D’Angelo, Questlove racconta di come D. lo invitasse esplicitamente ad essere impreciso: ritarda il colpo, suona “sloppy”, sentiamo come risponde la stanza. Il mistero – che fosse la fede, l’amore, la droga, il sesso, l’identità, la musica, la musica, la musica – richiamava sempre D’Angelo verso di sé. A tratti lo avvolgeva nel buio, altre volte lo portava a rivelazioni. Fa impressione leggere di un musicista acclamato che, in 14 anni senza pubblicare un disco, tra difficoltà e scandali affina il suo rapporto con la chitarra e poi la usa per raccontare un messaggio di resistenza come Black Messiah. Forse, a quel punto, era l’unica forma che la sua musica potesse assumere con orgoglio.

D’Angelo preferiva farsi chiamare con il suo nome, Michael. Deriva dall’ebraico “Chi è Dio?”: una domanda retorica, non si può sapere. Forse era questo il dubbio con cui D’Angelo ha temuto di bruciarsi. Nel documentario, racconta che la sensazione di dover essere portavoce della comunità nera è stato un peso grandissimo, così come la sessualizzazione estrema dei suoi successi. Il video di Untitled aveva come unico soggetto il suo corpo nudo, ma il testo trasformava anche un’indiscutibile epifania della carne come quella canzone in un dubbio: how does it feel? L’ironia di questo dualismo gli era sfuggita di mano. Durante i concerti la gente gli gridava di strapparsi la canottiera, portandolo quasi a cancellare il tour più importante della sua carriera. Lui offriva vulnerabilità, l’industry voleva spettacolo. Questa frattura ha scosso la sua fede e il suo rapporto con il suono, inscindibili sin da quando cantava in chiesa da ragazzino. Ma nel 2013, sempre alla rivista Interview diceva che, se mai avesse smesso di fare video o esibirsi, non ci saremmo dovuti preoccupare. Non avrebbe mai smesso di fare musica, perché “Music is me, that’s what I am”.

D’Angelo singing ‘Tomorrow’ by The Winans in church (1992). What a voice. Rest in peace, legend.
pic.twitter.com/19rtchluhC

— Coolness941 (@Coolness941) October 14, 2025

Il rapporto problematico di D’Angelo con la fama mi fa pensare che sia giusto raccontare tutto attraverso le nostre orecchie, i nostri occhi, e tutto quello che abbiamo provato grazie alla sua musica. Non credeva di essere intoccabile, ma credeva nel potere di un falsetto azzeccato – o rovinato di proposito. Non possiamo sapere cosa direbbe della sua vita, ma possiamo continuare il dialogo che lui ha iniziato trent’anni fa e in cui ci ha lasciato così tanto spazio per pensare.
Io, intanto, ho pensato di aggiustare quello stereo vintage che ho messo da qualche parte. Se stasera non lo trovo, continuerò a cercare.

L'articolo Written, performed, felt by D’Angelo proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Matt Martians, Marta Del Grandi, Beat Sexü, Lande Hekt.
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Abbiamo chiesto a Lorenzo Senni di raccontarci dell’incontro con CAM Sugar e del loro nuovo progetto Nightmare in Rome, un fumetto con una colonna sonora suonata da una band omonima in cui il producer rivisita in chiave elettronica alcune soundtrack dal catalogo CAM.
Il primo capitolo in 45 giri uscirà il 7 novembre e dentro ci trovi anche la voce di Ghostface Killah su un sample di Riz Ortolani.

Sembrerebbe proprio un futuro distopico quello in cui Riz Ortolani e Ghostface Killah si incontrano e invece accade qui e ora, grazie a un altro incontro fantastico: quello di Lorenzo Senni con CAM Sugar.
Raccontaci com’è nata questa esperienza futuristica.

Diciamo che Riz Ortolani e Ghostface Killah si sono incontrati in un Incubo, il progetto Nightmare in Rome. Mentre Io e CAM Sugar ci siamo incontrati a Milano, in un contesto che sembrerebbe ancora molto lontano da quello descritto nel fumetto ed affrontato dal nostro guest americano ma che invece già dà qualche segnale preoccupante in quella direzione.
Gli incontri più magici credo siano quelli più inaspettati e per quanto mi riguarda questo è il caso. Spero lo diventerà anche per gli ascoltatori.

Questo progetto ti ha fatto mettere le mani sull’immenso catalogo di colonne sonore CAM. Qual è stato il tuo approccio?

Non mi sono mai riferito ad un genere. La musica del catalogo CAM che mi ha incuriosito di più e quella che mi ha mostrato più potenziale è quella da cui ho attinto il materiale per Nightmare in Rome. In maniera molto istintiva sono andato attraverso centinaia di tracce e pian piano ho costruito una libreria.
Non sono un classico produttore ed a malapena riesco a produrre la musica che pubblico nel mio progetto personale come Lorenzo Senni.
L’ approccio in questo caso è stato quasi unicamente dettato dall’entusiasmo nei confronti del materiale sonoro a mia disposizione.

Ritorniamo ad Ancient Dirt (L’Etrusco uccide ancora), traccia che vede la collaborazione di Ghostface Killah su un sample di Riz Ortolani. Che tipo di visione ti ha guidato nella produzione di questo brano?

La mia idea è sempre stata quella di avere Ghostface Killah partecipe nel ruolo fondamentale di narratore. E’ lui che ci introduce al mondo di Nightmare in Rome e devo dire che si è davvero superato. Non è scontato che qualcuno si appassioni istantaneamente ad un progetto e contribuisca in maniera così sostanziale. Una volta che gli abbiamo descritto il contesto e la storia ha prodotto le lyrics e poi ha registrato la sua parte. Si è sempre dimostrato appassionato all’idea ed un giorno spero di poterlo ringraziare di persona.

Nominaci le tue 3 colonne sonore preferite e quelle a cui ti piacerebbe lavorare in un prossimo futuro (distopico)

Terminator di Brad Fiedel, Mandy di Johan Johannson al quale partecipa anche il nostro Francesco Donadello (che ha mixato e masterizzato Ancient Dirt) e Libidine di Stelvio Cipriani. Per nominarne tre che figurano tra le influenze di Nightmare in Rome. Non voglio lavorare direttamente a nessuna soundtrack, voglio reinterpretarle.

L'articolo Lorenzo Senni racconta Nightmare in Rome proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Questo sabato adidas Originals è stata protagonista assieme a Red Bull della notte culto del rap: Red Bull 64 Bars Live a Corviale.
10mila persone riunite in un’arena a cielo aperto per uno show durato quasi 3 ore in cui sul palco si sono alternati frammenti di storia del rap italiano dal passato al presente.

Sullo stesso palco collettivi iconici: la Truceklan, la Love Gang, la Dark Polo e Colle der Fomento, hanno portato la grande storia del rap italiano nel cuore della periferia romana.
Lo show, acceso da Sick Luke, si è scaldato in 3 atti con Fabri Fibra, Ele A, Tony Boy, Lacrim, Lazza, Franco 126 e Ketama, Danno e
Noyz Narcos.
Una maratona musicale che anche in quest’edizione romana è stata palcoscenico di condivisione e fermento culturale.
Altro tassello di un racconto che adidas Originals e Red Bull stanno scrivendo insieme, connettendo musica e moda, città e periferie, icone e nuove promesse del rap.

L'articolo adidas Originals sulla scena con Red Bull 64 bars Live: la notte del rap a Corviale proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Il 16 settembre è uscito “FIVE EGGS”, quinto progetto discografico di Dumbo Gets Mad, il cantautore, producer e sound designer emiliano Luca Bergomi che 15 anni fa è partito da Los Angeles per esplorare la musica a una latitudine psichedelica.
Suggestionato dalla musica anni ’60 e ’70 e dall’impenetrabilità misteriosa del cosmo, Dumbo ha iniziato a immaginarsi uno spazio fatto di psych-funk ed elettronica, pur mantenendo un contatto con la realtà: nonostante i viaggioni suggeriti dall’estetica e dalle sonorità dell’album, i testi riconducono a situazioni realistiche e problemi con cui ci confrontiamo nel quotidiano.

Curiosi di scoprire cosa ha ascoltato Luca durante la realizzazione di “FIVE EGGS”, gli abbiamo chiesto di guidarci nei 5 ascolti fondamentali di quest’ultimo periodo.

1.Soft Machine – “The Soft Machine”

Uno dei dischi più freschi e immortali della psichedelia Anni 60.
È un album che risuona sempre dentro di me, e che mi ha dato tanto in termini di ispirazione.

2.Gonjasufi – “A sufi and a killer”

Sporco, pieno di idee illuminate e viscerali, con sample stupendi tutti da scoprire.

3.Blur – “Think Thank”

Un album fantastico, molto sperimentale e ricco di spunti stravaganti che hanno catturato il mio completo interesse. Una vera chicca.

4.John Lennon – “The Very Best Of John Lennon”

Includere un best of è un po’ come imbrogliare, è vero..
Ma il motivo è che nel mangianastri della mia macchina si era bloccata dentro la cassetta di questo disco per mesi. Inevitabilmente, ne ho imparato a memoria ogni singolo passaggio.

5.Claude Debussy – “Piano Works e Preludes”


Debussy è forse il mio compositore preferito. A volte mi fisso per mesi su una singola composizione e dentro ci trovo un universo di idee e suggestioni.

L'articolo I 5 ascolti fondamentali di Dumbo Gets Mad proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Banadisa, Juana Molina, Sol ChYld, Alex Fernet, Tōth.
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Questa settimana: Pure Carrière, Peel Dream Magazine, múm, Afternoon Bike Ride.
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L'articolo Puntine #191 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Cherise Michelle, Hobby Solo, Meduulla, Iron & Wine.
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L'articolo Puntine #190 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Mei Semones, Snakeskin, Andrea Laszlo De Simone, Zsela.
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(ciao, bentornaty).

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Per Venna, sassofonista e producer londinese legato ai nomi di Yussef Dayes, Beyoncé e Burna Boy, il jazz è una sorta di missione.

Al suo primo album di debutto “MALIK”, uscito il 5 settembre per Cashmere Thoughts, l’artista ricompone il puzzle di tutto ciò che ha ascoltato, imparato e visto in questi ultimi anni di collaborazioni e tour in giro per il mondo: la sua è una visione lucida di come il jazz vada rimaneggiato e scomposto affinché possa continuare ad evolversi, oltre la lectio.

In un’intervista rilasciata a NME in occasione dell’uscita del disco ha detto: “while this album is a child of jazz, the child is always gonna be further and further outstretched from the root.”. Le radici sono quelle che ci generano e ci nutrono, ma la crescita è verticale e si allontana da quel sostentamento, pur senza staccarsi mai.
Allo stesso modo “MALIK” porta il jazz oltre l'”ostacolo” del suo cordone, mischiandolo con il soul, l’RnB, il folk e tutto ciò che l’immaginazione gli abbia suggerito durante il processo creativo del disco. Questo in nome di una missione di cui Venna dice di sentirsi investito, e cioè quella di donare all’ascoltatore qualcosa di nuovo e al jazz la possibilità di evolversi costantemente.

“When making MALIK my constant thought process was how can I devise a body of work that embodies all of the sounds, palettes and rhythms I love + also introduce the listener to a sound they may have not encountered.
The rhythm & sounds of the world inspired this album & that’s what I collected & nurtured into MALIK.”

La tavolozza dell’album è corale: dentro ci troviamo Jorja Smith, Smino, Leon Thomas, CARI, Marco Bernardis e MIKE, e lo stesso Yussef Dayes, tutti guidati dall’orecchio curatoriale di Venna.

Il colore del suo sassofono è un pantone ormai codificato e dentro “MALIK” si affaccia quasi timidamente, spiazzando chi in quest’album si sarebbe aspettato digressioni virtuosistiche e l’ostentazione di chi, da sempre dietro le quinte, avrebbe avuto finalmente l’occasione di mettere in mostra tutte le sue capacità.

E invece a Venna non serve strafare per farci capire che il nu jazz è anche nelle sue mani. Che la sua evoluzione passa dalle sue mani.

L'articolo Venna: il jazz oltre l’ostacolo proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Ci sono diversi modi di affrontare il dolore, diversi modi di raccontarlo. Nessuno è più giusto o sbagliato dell’altro, perché è qualcosa di così specificamente individuale da sfuggire a teorie universali. L’unica universalità che si può riconoscere al dolore è il fatto che ciascuno, nel corso della sua vita, ne fa esperienza.
Questa è la ragione per cui il dolore è nella stragrande maggioranza dei dischi che ascoltiamo: una tematica così ricorrente che a volte ci arriva  come un cliché patetico e didattico, col quale non riusciamo a stabilire una connessione.

“Essex Honey” di Blood Orange è dolore ma non è mai pathos. Seppure pungente, seppure lacerante, il sentimento che Dev Hynes attraversa nel disco arrivato dopo la pandemia e dopo la perdita della sua mamma ha una misura riflessiva, si muove all’interno di argini emotivi che l’artista ha scavato in questi sei anni di iato.

Scritto, prodotto e registrato da Hynes, come si legge nella press release “Essex Honey is a soundtrack created from a dreamscape of his journey working through grief. It is also an album about growing up in Essex (outside London) and the way music has inspired, healed, and interwoven itself through Hynes’ life.

Blood Orange attraversa metaforicamente il dolore e fisicamente le campagne nostalgiche dell’Essex in cui è cresciuto, per ritrovare un contatto con la realtà e con le persone, che dopo il lutto dice di aver perso. Ad accompagnarlo ci sono degli artisti incredibili da Lorde a Caroline Polachek, Daniel Cesar, Mustafa, Brendan Yates dei Turnstile, Tariq Al-Sabir, la scrittrice Zadie Smith, Ian Isiah, Tirzah, Eva Tolkin, The Durutti Column.

Ciascun contributo è un tassello che si aggiunge a questo quadro di subbugli emotivi dove, anche da un punto di vista strettamente musicale, ritroviamo strutture poco convenzionali, produzioni stratificate e cambi di direzione inaspettati e repentini che sembrano rispecchiare il disordine interiore provato da Hynes.

R&b, trip hop, echi di Elliott Smith e rock si stratificano su linee costanti di un dolce pianoforte e violoncello.

Nonostante ciò, “Essex Honey” fluisce in un’atmosfera di pace e, contrariamente alla natura obliqua del tema e di certe scelte stilistiche, in quest’album si respira una serenità imperturbabile. Una bonaccia ritrovata dopo la bufera.
Chi ha provato questo tipo di dolore sa che non se ne andrà mai, continuerà ad abitarti in campagna, al mare, in città e sulle stelle.
Ma accoglierlo e trovare il miele che lo curi è possibile. Per Blood Orange, e per molti di noi, questo miele si chiama: musica.

L'articolo “Essex Honey”: la musica come cura proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Il Mediterraneo non è solo un mare: è un ponte invisibile che unisce storie, culture e destini. Ed è proprio questa visione che anima “Baid Alik”, il nuovo brano uscito il 27 agosto, frutto della collaborazione tra Bassolino, il cantante e percussionista tunisino Marzouk Mejri e il compositore libanese Charif Magarbane.

Un triangolo creativo oltre le frontiere

La genesi del progetto racconta già molto della sua anima: tre artisti provenienti da sponde diverse del Mediterraneo che si ritrovano uniti da una visione comune. “La musica traccia una linea immaginaria che unisce Napoli, Tunisi e Beirut, sorvolando il mediterraneo”, spiega Bassolino, “coniugandosi in un ritmo ancestrale che pone la necessità di unire i popoli di quelle regioni.”

Non è un caso che “Baid Alik” sia definita una canzone di amore e speranza. In un momento storico in cui i confini sembrano sempre più invalicabili, il progetto rivendica la potenza unificatrice della musica, quella capacità unica dell’arte di superare barriere geografiche, linguistiche e culturali.

Il video: quando l’arte diventa testimonianza

Ma è nel videoclip, realizzato in collaborazione con la filmmaker e video artist italo-libanese Tania Feghali, che il progetto rivela tutta la sua profondità politica e umana. Quello che inizialmente doveva essere un classico video d’amore si trasforma in qualcosa di molto più ambizioso: un tributo alla resistenza femminile e alla lotta per l’autodeterminazione.

“Quando Dario mi ha chiesto di collaborare”, racconta Feghali, “due cose ci univano già senza che ci fossimo mai incontrati: le nostre radici comuni, l’amore profondo per il Mediterraneo, e la nostra posizione politica condivisa verso quello che sta accadendo nel mondo.”

Il video si concentra sulla figura di Naila Ayesh, nata a Nablus, protagonista del movimento studentesco e organizzatrice del movimento femminile a Gaza negli anni ‘80. Una figura chiave della Prima Intifada che ha dedicato la sua vita alla resistenza, costringendo il mondo a riconoscere, per la prima volta, il diritto palestinese all’autodeterminazione.

Oltre la narrazione convenzionale

La scelta narrativa è deliberatamente sovversiva: “Non volevamo una storia d’amore convenzionale dove una donna aspetta di essere amata”, spiega Feghali. “Volevamo parlare di un amore più grande – donne in missione, che si uniscono per una causa.”

Il video racconta frammenti della vita di Naila: studentessa attiva, poi madre e resistente, che durante l’occupazione israeliana ha contribuito a costruire istituzioni parallele – aule clandestine quando le scuole venivano chiuse, cliniche gestite dai cittadini per chi non aveva accesso agli ospedali, “giardini della vittoria” per spezzare la dipendenza dall’agricoltura israeliana.

Un messaggio universale

“Questo video è un tributo a tutte le donne, di qualsiasi provenienza, razza, genere o fede, che sono disposte a piantare quotidianamente il seme di un altro mondo possibile”, conclude Feghali.

Il video è stato ispirato dal documentario sulla storia di Naila, “Naila and the Uprising”.

È proprio questa universalità del messaggio che rende “Baid Alik” un progetto artistico completo: la musica che unisce le sponde del Mediterraneo, il video che racconta storie di resistenza e speranza, il tutto sostenuto da una rete di distribuzione internazionale che vede coinvolti Rush Hour, Jakarta e Habibi Funk per l’uscita in vinile 7 pollici del 7 settembre.

Una curiosità

C’è un dettaglio che rende questa collaborazione ancora più affascinante: la scoperta casuale di un disco del padre di Tania Feghali nella collezione di Dario Bassolino (Free Blow, del musicista libanese Tony Benn Feghaly, anche lui edito su Habibi Funk), un filo invisibile che ha contribuito a creare quella “comprensione istantanea” tra gli artisti, sia creativamente che nelle intenzioni.

“Baid Alik” si presenta così come molto più di una canzone: è un manifesto artistico che rivendica il ruolo dell’arte come strumento di resistenza e di connessione tra i popoli. In un momento in cui il Mediterraneo è spesso raccontato solo come frontiera di conflitti, questo progetto ne restituisce l’immagine più vera: quella di un mare che unisce, non che divide.

“Baid Alik” è uscito il 27 agosto in digitale e uscirà il 7 settembre in vinile 7 pollici.

L'articolo Quando la musica diventa resistenza, Baid Alik traccia rotte di speranza nel Mediterraneo proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Oggi esce “The Clearing”, l’atteso nuovo album dei Wolf Alice anticipato negli ultimi mesi dai singoli “Bloom Baby Bloom”, “The Sofa” e “White Horses”.
Il nuovo progetto della band glam rock londinese è stato registrato a Los Angeles con il vincitore di GRAMMY e produttore Greg Kurstin ed è un lavoro che ammicca agli anni ’70, pur restando saldamente ancorato alla contemporaneità.

Curiosi di affacciarci sugli ascolti che hanno ispirato l’album, abbiamo intervistato i Wolf Alice per farci svelare i loro dischi fondamentali.

I Wolf Alice saranno a Milano all’Alcatraz per un’unica data speciale il 13 novembre. Biglietti.

L'articolo La collezione di dischi dei Wolf Alice proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Il 6 giugno è uscito il primo album solista ufficiale di Ceri Wax, il producer di casa Undamento che ha lavorato con Frah Quintale e Franco126 e che abbiamo poi conosciuto meglio con gli EP “Solo” e “Insieme” e i mixtape “WAXTAPE 1” e “WAXTAPE 2”.
Il suo nuovo percorso si intitola “ONDATONDA” e chiude il cerchio dell’evoluzione artistica di Ceri, comprendendo le sue fasi: solitudine, collettività, stasi, movimento.

Ce lo siamo fatti raccontare qui, dopo il player.

ONDATONDA

L’ONDATONDA è la particella pura ed elementare alla base di tutti i suoni. È senza increspature ed oscilla costantemente tra alto e basso.
Quando più ONDETONDE si mischiano tra loro sono in grado di creare qualsiasi suono, danno un senso al tempo e descrivono l’intera complessità della vita e dell’universo.

LIBERO

Non so cosa sia la libertà in senso assoluto, credo sia un concetto mutevole, complesso e di centrale importanza.
La libertà va discussa, va compresa, va difesa.
Bisogna lottare per la libertà.
Io ho sempre lottato per la mia libertà musicale, pagandone anche il prezzo.
Essere libero in musica per me significa essere originale, essere me stesso.
Non voglio rimanere imbrigliato nel passato, in classificazioni o catalogazioni.
Secondo me i generi non esistono, sono solo una convenzione.
La musica è liquida, libera.
Ho voluto liberare la mia musica nel vento. Se qualcuno mai vi si imbatterà spero che sia libero di farne ciò che vuole.

QUANTE EMOZIONI

Quante emozioni potrai vivere, in questa notte di magia?
I miei pensieri sembrano stelle, illuminano la via.
Io sto bene qui
in mezzo a voi
in mezzo alla musica
che mi abbraccia.
Come fai a non abbandonarti a tutto questo?
Fatti trasportare
Chissà dove
Chissà quando

PURA

La musica è semplice, la musica è pura.
Scrivere musica diventa semplice quando l’intenzione è pura.
“Nulla nasce per imposizione delle autorità, nemmeno una canzonetta si scrive per imposizione.” (Luigi Dallapiccola)
“La poesia è poesia quando porta in se un segreto […] Anche la poesia che pare semplice è una poesia che contiene un segreto” (Ungaretti)
Scrivere musica per dovere genera musica stanca, musica noiosa.
Scrivere musica per necessità genera musica sincera, musica bella.

SONO

“Who are you?” domandano delle voci in coro.
Ricerco me stesso nella musica da quasi sempre.
Sono stato Solo, sono stato Insieme, sono stato un Fuorigiro, sono stato immobile e ho liberato il mio corpo.
Sono in continuo cambiamento e cerco ogni giorno di capirmi. Ma oggi sento di essere qui: libero nell’ONDATONDA.

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Si completa il cartellone di Spring Attitude 2025 che quest’anno giunge all’edizione numero quattordici.
A Roma, negli spazi de La Nuvola, nei due giorni del 12 e 13 settembre vedremo live e djset: dai BICEP a L’Impératrice, da Apparat a La Niña, Giorgio Poi e Dov’è Liana. Ci sarà anche il debutto dal vivo di “Fuori Menù” di Golden Years con alcuni ospiti a sorpresa e anche il rock dei Post Nebbia, l’hyperpop sentimentale di Arssalendo e l’elettronica dolce di fenoaltea.

Cartellone completo qui sotto

Biglietti qui 

L'articolo Ecco la lineup completa di Spring Attitude 2025 proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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In un disco la puntina si posiziona esattamente su quello che vogliamo sentire, in un ufficio tiene appeso quel foglietto con su scritte le cose che non dobbiamo proprio dimenticare.
PUNTINE è il nostro modo di fermare la musica bella appena uscita e farla rimanere viva nonostante il tempo voli via velocissimo.
Questa settimana: Oscar Farrell e Sampha, Justin Bieber, Masamasa, Wolf Alice.
Nell’ultima pagina c’è la nostra playlist, aggiornata ogni mercoledì.

L'articolo Puntine #188 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

In programma dal 27 al 31 agosto a Cella Monte nel Monferrato, l’edizione 2025 di Jazz:Re:Found Festival continua l’esplorazione sulla rotta galattica del jazz e delle sue contaminazioni con una lineup di respiro internazionale.
“Space Is The Place” è il claim della diciassettesima edizione, omaggio all’astral jazz di Sun Ra e gancio per interrogarsi sui nuovi spazi di immaginazione, oltre l’intelligenza artificiale: uno speciale progetto installativo ispirato al concept “Ancestral Intelligence”di Shiro Fujioka, producer e artista visivo basato negli Stati Uniti, accompagnerà le 5 giornate del festival e le sue esplorazioni sonore.

A tal proposito, il cartellone è un vero e proprio viaggio nel jazz e oltre il jazz. Tra gli headliner ci sarà Obongjayar, eclettico artista nigeriano che da poco ha pubblicato il suo album “Paradise Now” e che abbiamo visto più volte al fianco di Little Simz. Sulla rotta del jazz incontriamo anche Seun Kuti con Egypt 80, Addict Ameba, Adi Oasis, Nubya Garcia, tra i nomi più freschi dell’uk jazz. E poi c’è spazio anche per elettronica e club culture con lo show unico di Róisín Murphy, il djset di Joe Armon-Jones, Khalab e Benji B, uno dei più importanti music curators del nostro tempo.

Il cartellone completo lo recuperi qui sotto

Biglietti

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Questa settimana: Salarymen, Hobby Solo, Dadamatto, Bonniesongs.
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Mettiamola così: che siamo arrivati a metà anno e abbiamo tirato le somme di questo primo semestre in musica.
Quali sono gli album più belli del 2025 fino a questo momento? Li scopri nelle prossime pagine

L'articolo I migliori dischi del 2025 fino ad ora proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

“Ci piacevamo da lontano, ci siamo conosciuti e ci siamo piaciuti pure da vicino”.
Sembra l’inizio di una storia d’amore e un po’ forse lo è: l’incontro tra Giovanni Truppi e i Thru Collected è come una scintilla, scoccata nei pensieri, ancor prima che nella realtà. Giovanni e i Thruco condividono le stesse radici partenopee e un modo di intendere la musica senza patina e senza sovrastrutture. Thruppi è la sintesi di questo incontro, l’unione di due generazioni distanti che però corrono su un comune binario artistico.

Di qui il loro album congiunto che accoglie le loro individualità sommandole in un racconto universale dove trovano spazio l’adolescenza e l’età adulta e, musicalmente, il background di entrambi tra cantautorato, punk, noise, blues, jazz e indie rock.

Proprio a questo proposito ci piace immaginare che in studio, oltre a Thruppi, siano nate lunghe conversazioni sui gusti musicali e scambi di dischi tra l’uno e gli altri: così abbiamo chiesto a Giovanni Truppi che disco consiglierebbe ai Thru Collected e viceversa.

Il disco che Giovanni Truppi consiglia ai Thru Collected:

“Dal Vivo Volume I – Buontempo” è un disco incredibile di Ivano Fossati che ascoltavo molto quando avevo vent’anni (so che è strano). Anche se Fossati non è in prima fila tra i miei cantautori di riferimento trovo che questo album sia (insieme al volume successivo) pieno di brani bellissimi suonati e arrangiati meravigliosamente. Se ascolto De André, Conte, Dalla o Battiato godo di questi artisti; se ascolto Buontempo godo della canzone italiana. È uno dei dischi più complementari alla musica dei Thru che mi vengono in mente, per questo glielo consiglio.

Oltre perché mi viene da sorridere se mi immagino il clash della faccia di ognuno di loro con questo disco di sottofondo.

Il disco che i Thru Collected consigliano a Giovanni Truppi:

“The Road To Hell Is Paved With Good Intentions” è un disco incredibile di Vegyn che ci ha messi tutti d’accordo, perché durante l’ascolto sembra disegnare un’immagine di ricordi sbiaditi contraddistinti da un sentimento molto ambiguo di malinconia felice che ci appartiene molto.

Il clima in cui ti travolge riporta al tempo, alla sua capacità di scorrere via pur lasciando costantemente segni; ed è un po’ quello che fa la musica, quindi ci piace condividerlo con Giovanni sperando che si lasci trasportare in quella dimensione dove non c’è tempo né spazio, la stessa in cui ci siamo ritrovati collaborando assieme.

È un ibrido fra digitale e analogico, proprio come noi.

L'articolo Giovanni Truppi consiglia un disco ai Thru Collected e viceversa proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Junaco, Ria Moran, Babé Sila, OSKA.
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Nella line-up fitta di eventi di Videocittà, il festival romano dedicato alle arti digitali che avrà luogo al Gazometro dal 3 al 6 luglio, troviamo anche il set di CAM Sugar Sound System curato da Lorenzo Morresi, produttore, chitarrista e DJ attivo tra Londra e Milano, che ci farà ballare con un DJ set tropicale e vibrante.

Per prepararci al set previsto per il 6 luglio, CAM Sugar ha confezionato per noi una playlist di chicche library e rarities che hanno il sapore dell’estate italiana.

“CAM Sugar ci prepara al set di Lorenzo Morresi per Videocittà, immergendoci in un sogno esotico fatto di balli sfrenati e cadenzato da percussioni tribali, dove la bossa nova, la samba ed i ritmi tropicali raccontano come l’Italia ed il suo cinema abbiano saputo immaginare e reinterpretare il Mediterraneo e il Sud America durante gli anni del miracolo economico.
Riz Ortolani apre le danze con un samba jazzato, mentre il cha cha cha di Carlo Rustichelli dalla colonna sonora di RoGoPaG – pellicola di Rossellini, Godard, Pasolini e Gregoretti – mette in luce come i ritmi latini facessero ballare anche i set dei film d’autore. Nella curatela della playlist trovano spazio anche artisti meno noti, come Carlo Savina o Franco Godi, ma che vi faranno scoprire un racconto sonoro delle spiagge quando il juke-box era il totem attorno a cui vivere l’estate italiana.”

Ecco qui la playlist

L'articolo Videocittà Tropicale: una playlist di CAM Sugar proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Siamo ormai già proiettati alle vacanze e al venticello fresco che soffia sulla Valle d’Itria anche nelle sere più calde d’agosto.
Qui dall’1 al 3, il centro storico di Locorotondo accoglierà un nuovo appuntamento con la musica scritto dal VIVA! Festival che per la nona edizione avrà due anime: una animata dall’energia pura del clubbing, l’altra ammaliata dalle languide sonorità del soul e rnb.

In cartellone infatti leggiamo i nomi di Bonobo, Jungle, camoufly, okgiorgio ma anche di Ele A, Studio Murena e Greentea Peng.

Oggi ci facciamo preparare a questo viaggio verso il festival proprio da okgiorgio con una playlist di beat e chitarre da ascoltare in questi giorni che ci separano dall’inizio del VIVA!

“ciaoo qua una playlist di 5 pezzi con chitarre incredibili e 5 beat che mi gasano (uno è anche mio, pat pat sulla spalla) per gasare prima del VIVA! 🙂”

Abbonamenti e biglietti disponibili qui

L'articolo La playlist di okgiorgio per gasare prima del VIVA! Festival 2025 proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Mentre eravamo in fissa con la sua ultima release, “Ancora”, singolo danzerino che si aggiunge all’album “RADICAL POP” uscito ad Aprile, ci siamo chiesti: “chissà con quale musica sarà in fissa adesso Bais“. Quali brani e quali album sono nella sua rotazione musicale? Cosa lo ha influenzato negli ultimi mesi mentre scriveva il disco?

Glielo abbiamo chiesto e ci ha prontamente risposto con i suoi 5 ascolti del momento:

1. Heavy Metal – Cameron Winter

Ci sono rimasto un po’ sotto con quest’album, mi piace tutto: dal titolo alla copertina, dai testi alle produzioni. Lui è giovanissimo ma ha una voce e un’interpretazione d’altri tempi.

2. Cities – Talking Heads

Inizia con un fade in inaspettatissimo e ti trasporta nelle strade di New York di fine anni 70. L’album in cui è contenuta, “Fear of music” è incredibile, dalla copertina alla produzione di Brian Eno.

3. Non c’è vita sopra i 3000 Kelvin – Giorgio Poi

La continuo ad ascoltare da quando è uscito il suo ultimo album Schegge e mi emoziona ogni volta. È un pezzo struggente ed allo stesso tempo misterioso, con giri armonici interessantissimi.

4. Strange overtones – David Byrne, Brian Eno

Ho scoperto questa canzone recentemente, amo la voce soffice di David Byrne e il testo così dolce e ironico allo stesso tempo. Anche qui come in “Fear of Music” il vecchio sodalizio con Brian Eno.

5. Mahashmashana – Father John Misty

Non avevo mai ascoltato Father John Misty fino all’anno scorso quando è uscito questo album. L’ho divorato per me. La title track che apre il disco è immensa, dura quasi 10 minuti e sembra un pezzo che potrebbero aver scritto insieme Elton John, John Lennon e George Harrison.

L'articolo I 5 ascolti del momento di Bais proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Joggebukse, Georgie Sweet, Natalie Slade, Chartreuse.
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Questa settimana: Star Moles, Mary Sue, Raquel Martins, Paige O.
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L'articolo Puntine #184 – canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Phoebe Rings, Parallel Thought e Defcee, Khaleb Al Reigh, Tare.
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Questa settimana: Pink Butter, AFFA, Chicarica, Kathryn Joseph.
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Nel cuore della Sicilia pulsa da qualche anno l’energia di un nuovo festival che, edizione dopo edizione, sembra destinato a diventare un punto di riferimento nell’ambito delle manifestazioni musicali e culturali siciliane.
Stiamo parlando del Mosaico Festival che, dopo aver accolto 2.500 partecipanti nell’edizione 2024, torna quest’anno dal 6 al 10 agosto a Piazza Armerina con una line-up folta di nomi interessanti.

Fuera, Il Mago del Gelato, La Niña, Marco Castello, BLUEM, Fenoaltea, Camoufly sono solo alcuni dei nomi di un cartellone scintillante.

Le bellezze del territorio con il Castello Aragonese, Palazzo Crescimanno e gli altri luoghi del festival, unite all’esperienza sonora, formano una combo a cui è difficile resistere.

I biglietti sono qui!

L'articolo Che bella la line-up di Mosaico Festival 2025 proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Elle Shimada, Casa del Mirto, EVÎN e jakohitsdifferent, Ken Pomeroy, Cola Boyy.
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L'articolo Puntine #181 – Canzoni da ricordare questa settimana proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

Una nuova estate sta arrivando e questo dalle nostre parti significa preparare gli zaini per viversi i festival estivi in giro per lo stivale e, per chi può, anche fuori dall’Italia.
Anche quest’anno abbiamo selezionato i migliori festival e rassegne dell’estate italiana 2025 e li trovi nelle prossime pagine.

L'articolo Guida ai migliori festival dell’estate 2025 proviene da Dance Like Shaquille O'Neal.

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Questa settimana: Andrea Laszlo De Simone, Wolf Alice, Tom Misch, Lumiero.
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